El arte en la literatura y la literatura en el arte

DEL 17 DE ABRIL AL 24 DE OCTUBRE DE 2015. SALA SEMINARIO.

Exposición que pretende reflejar el mundo del arte a través de las obras literarias y, al mismo tiempo, analizar cómo el mundo literario queda expuesto en la creación artística. Para ello, se contará con publicaciones como: La escritura en libertad: antología de poesía experimental, de Fernando Millán y Jesús García Sánchez; El sueño de Venecia, de Paloma Díaz Mas; La obra, de Émile Zola; La joven de la Perla, de Tracy Chevalier; Autobiografía de Alice B. Toklas, de Gertrude Stein; Leviatán, de Paul Auster; El diario de un mal año, de J.M. Coetzee; Éramos unos niños, de Patti Smith; o Contarlo todo sin saber cómo de Martí Manem, entre otras publicaciones.

 

HORARIO BIBLIOTECA
De lunes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 19:30 horas
Sábados de 10:00 a 14:00 horas
Festivos cerrada

Comisariado: Elena Roseras Carcedo
Documentación: Silvia Carretero Gómez (Aise Dokumentazio Zerbitzua), Cayetana De Simón Torres (Scanbit), Estíbaliz García Galán (Scanbit)

 

Introducción

“Debemos aprovechar las analogías entre las obras literarias y las creaciones de las artes plásticas. Tales analogías encarnan la gran sabiduría de un universal aún no formulado”
Hans–George Gadamer

Las relaciones entre la literatura y las demás artes se pueden contemplar desde diversos puntos de vista. Desde la óptica del creador, muchos son los puentes tendidos entre la literatura y las artes plásticas o la música. Así, encontraremos en la historia de la literatura abundantes muestras de textos inspirados en obras pictóricas o en piezas musicales e, incluso, en obras escultóricas. Por el contrario, a veces los propios textos literarios han servido como punto de partida para bellas esculturas, composiciones musicales o cuadros realmente memorables.

Libros y obras de arte son, en uno u otro grado, constructores de historias, imágenes de nuestra realidad y meta de las inclinaciones de nuestra fantasía. Podemos considerar cada obra de arte  como un libro, sólo que está escrito con signos completamente distintos a las palabras.

Literatura

A lo largo de la historia, varios han sido los artistas que han mostrado su compromiso con la literatura; y es posible observar, en el grueso de su obra, el testimonio de su relación con las letras y su cercanía con el mundo literario. Cabe así hablar de la confluencia entre escritores y artistas y de la relación bidireccional que se genera, ambas disciplinas se nutren la una a la otra, estimulando la creación por encima de las convenciones establecidas en cada época histórica.

Las obras literarias, por su parte, provocan reflexiones de índole pictórico y literario sobre la naturaleza del arte, el proceso de creación, el carácter de la recepción e interpretación artística y el papel de la memoria y el arte, tanto pictórico como literario, en la recuperación o invención del pasado.

Las obras resultantes de este encuentro entre arte y literatura constituyen un ejemplo más de confluencia, de enriquecimiento y de complementación. Cabe mencionar un fragmento del artículo publicado en la Revista electrónica de teoría de la literatura y literatura comparada de Carlos Andrés Quimntero Tobón titulado Fantasía y realidad: relaciones entre palabras e imágenes en elogio de la madrastra de Mario Vargas Llosa:

"[...] es una novela en la que palabra e imagen establecen una intensa relación de dependencia recíproca. No se trata de una relación en la que, por hallarse en una obra literaria, la pintura simplemente esté al servicio de la literatura con un propósito ilustrativo (Giraldo, 2011: 253). Por el contrario, ambas se potencian de manera conjunta, complementándose y, en una suerte de encadenamiento, impactando tanto el desarrollo de la novela como las interpretaciones que pueden desprenderse de la misma [...]"

 

Los ojos hablan,
La palabras miran,
Las miradas piensan.
Octavio Paz

 

Arte

Autobiografía de Alice B. Toklas

OBRA LITERARIA

 

 

Título original: The Autobiography of Alice B. Toklas

Autora: Gertrude Stein

Año: 1933

Sinopsis: Bajo el pretexto de escribir las memorias de Alice B. Toklas, su íntima amiga, secretaria y confidente, Gertrude Stein, no sólo nos cuenta la historia de su propia vida sino que nos ofrece la deliciosa crónica de treinta años de vida parisiense. Se trata en definitiva de la evocación magistral de todo un mundo y de toda una época, plasmados en un libro absolutamente excepcional.

En Biblioteca: LIT 41

 

 

 

 

AUTORA

 

La autora de esta obra, Gertrude Stein, nació en Allegheny, Pensilvania, el 3 de febrero de 1874. Afincada en Francia desde 1903, su residencia parisina se convirtió en centro de reunión de los movimientos de vanguardia con mayor influencia en las artes y las letras del siglo XX.  Su obra, que abarca el ensayo, la autobiografía, la poesía y el teatro, se caracteriza por un alto nivel experimental y se la considera una renovadora del género memorialístico por textos como la Autobiografía de Alice B. Toklas (1933), y la Autobiografía de todo el mundo (1937).

 

Fue una figura clave del ambiente artístico y literario de su tiempo. Durante su estancia en la capital francesa su casa, ubicada en el número 27 de la Rue de Fleurus, se convirtió en un salón literario, un espacio de encuentro para los escritores (Sherwood Anderson, Ernest Hemingway o Thornton Wilder), poetas y artistas del momento, lugar en el que Matisse y Picasso se encontraron por primera vez. Su alma literaria le permitió entender a los jóvenes artistas y su acomodada situación coleccionar obras, convirtiéndose en una de las primeras mecenas de comienzos del siglo XX. Ella y su hermano figuran entre los primeros coleccionistas de la obra de Picasso, Matisse y Braque, con quienes mantuvo una estrecha amistad.

Gertrude Stein causó un gran impacto en la cultura del siglo XX, por varios motivos, uno de ellos, su vigorosa personalidad. Para la escritora Francia era su segunda patria, la patria adecuada para realizar su obra aquella en la que uno se siente libre, y así lo dice en una de sus obras: "Esto es porque los escritores tienen que tener dos países, aquel al que pertenecen y aquel en el que viven realmente. El segundo es romántico, está separado de ellos mismos, no es real pero realmente está ahí. Los ingleses victorianos tenían así a Italia, los estadunidenses del principios del siglo diecinueve tenían así a España, los de mediados de siglo diecinueve tenían así a Inglaterra, mi generación la generación del fin del siglo diecinueve tuvo así a Francia... el otro país que necesitas para ser libre es el otro país no el país al que realmente perteneces... La nación estadunidense es ahora casi victoriana, muy claramente victoriana, muy tempranamente victoriana, ella es un rico y dulce hogar pero no es un lugar de trabajo". (Gertrude Stein's America)

En cuanto a su producción literaria Stein experimentó constantemente con las posibilidades que el lenguaje le ofrecía. Entre sus obras destacar Tres vidas (1908), un estudio sobre la personalidad de tres mujeres; Brotes tiernos (1915) un libro de poesía experimental; Ser norteamericanos (1925); Lucy Church Amiably (1930); la Autobiografía de Alice B. Toklas (1933), su propia autobiografía; París, Francia (1940), una visión de su país de adopción, entre otros muchas.

Es una realidad que Stein colaboró de forma activa con los pintores del movimiento cubista, entablando gran amistad con Pablo Picasso, entre otros. El pintor malagueño se estableció en París en 1904, tan solo un año después de la llegada de Stein a la capital francesa.

Picasso se rodeó de escritores desde su instalación definitiva en París en 1904: Guillaume Apollinaire, Max Jacob, Paul Éluard, Tristan Tzara, Pierre Reverdy, Georges Bataille, Jean Cocteau… eran algunos de los escritores y amigos, para los que incluso había ilustrado sus textos más notables. Ante este elenco de poetas vinculados al Surrealismo se refuerza la constante afirmación de un Picasso vinculado conceptualmente, aunque nunca dogmático, a este movimiento de vanguardia tan rico, complejo y bifurcado.

El pintor malagueño también fue motivo de inspiración para muchos de sus amigos poetas, especialmente llamativa por la confluencia entre palabra y artes plásticas fue la Oda a Picasso que Jean Cocteau le dedicó en 1917. En 1938, su ya amiga Gertrude Stein, escribía Picasso, texto en el que se presenta una breve y subjetiva biografía del malagueño y del que se destaca su empleo de la pintura a modo de escritura, además de darle el título del más genial y completo artista de todos los tiempos.

"Su padre era profesor de pintura en España y Picasso escribía pintura así como otros niños escriben el abecedario (...) En París tenía más amigos escritores que pintores: para qué tener amigos pintores pintando como pintaba. Salta a la vista que no necesitaba pintores en su vida cotidiana, algo aplicable a toda su vida (...) De modo que, en un principio, se hizo amigo íntimo de Max Jacob e inmediatamente después de Guillaume Apollinaire y de André Salmon; más tarde me conoció a mí, mucho después a Jean Cocteau y finalmente a los surrealistas (...) Entre los pintores que llegaron a ser íntimos amigos suyos,  y esto ocurrió mucho después (...), aparecieron Braque y Derain, ambos con una vertiente literaria, razón de su amistad con Picasso." (Fuente: Stein, Gertrude. Picasso. Madrid: La Esfera, 2002; p. 13, 16. (Texto original de 1938. Traducción de Flora Casas).

Picasso retrató a su amiga Getrude Stein, la obra conocida como El Retrato de Gertrude Stein data de 1906 y se conserva en el Metropolitan Museum de Nueva York.

Cuando Picasso recibía críticas sobre el parecido de Stein con su obra este respondía "...al final logrará parecerse exactamente a él". Este defendía que el arte modifica los hábitos perceptivos, siendo la familiaridad con el código de representación lo que permite establecer una identidad entre la imagen y su modelo, y lo consiguió. Decía Apollinaire "Los poetas y los artistas determinan de común acuerdo el aspecto de su época, y el porvenir dócilmente se amolda a sus deseos".

Stein, en respuesta al retrato que su amigo Pablo Picasso le había pintado dos décadas antes, escribió If I Told Him: A Completed Portrait of Picasso un poema que fue publicado en 1924 de forma inédita en la revista Vanity Fair . Un retrato pintado con palabras.

 

La obra maestra desconocida

OBRA LITERARIA

Título original: Chef-d'oeuvre inconnu

Autora: Honoré de Balzac

Año: 1831

Sinopsis: En un esfuerzo por crear la obra de arte perfecta, aquella que resuma y lleve a la culminación el trabajo de toda una vida, el viejo pintor Frenhofer dedica largas horas a un misterioso cuadro que oculta en su estudio y se niega a exhibir. Dos artistas más jóvenes, Porbus y Poussin, intentan convencerlo para que les muestre dicho cuadro, que ha despertado en ellos la más viva curiosidad. ¿Es tan extraordinario como pretende el maestro? La obra maestra desconocida, de Honoré de Balzac, demuestra que la genialidad es subjetiva, y que el concepto que tenemos de nosotros mismos rige nuestro comportamiento. Desde su aparición, ha servido de modelo a varios pintores, escritores y cineastas, no sólo para hacer obras artísticas, sino también para hablar de ética y estética. Honoré de Balzac (1799-1850) fue el creador de La comedia humana, monumental conjunto narrativo en que está retratada, de manera inigualable, toda la humanidad, con sus miserias, grandezas e ilusiones.

En Biblioteca: M 1083 // M 1098

Dossier documental: Honoré de BalzacPablo Picasso

 

Balzac en La obra maestra desconocida ofrece una importante reflexión simbólica sobre el Arte. La historia se sitúa en pleno siglo XVII y tiene como escenario el estudio parisino de un anciano artista llamado Frenhofer. La trama gira entorno a la obsesión del pintor, quien trabaja secretamente en un cuadro que lleva años intentando terminar. Cuando finalmente dos jóvenes artistas admiradores del pintor Poussin y Porbus consiguen ver la obra, solo encuentran una masa de brochazos y capas de pintura, del que apenas si sobresale un pie: la creación de una persona demente obsesionada por conseguir una perfección que se resiste a la imperfección característica aún del arte más sublime.

Balzac mediante sus reflexiones podría haber realizado una especie de advertencia sobre el peligro de obsesionarse con la propia creación hasta el punto de hacerla hermética  incluso para el propio artista.

En la fachada del número 7 de la Rue des Grands Augustins, en París, puede leerse la siguiente inscripción: "Pablo Picasso vivió en este inmueble desde 1936 hasta 1955. Es en este taller en el que pintó el Guernica, en 1937; es también aquí en donde Balzac sitúa la acción de su relato La obra maestra desconocida". Unos años antes el editor Ambroise Vollard habría encargado al pintor una serie de grabados para ilustrar una edición del texto de Balzac con motivo del centenario de su primera publicación en 1831.

Así, en 1931, Pablo Picasso, fascinado por el texto de Balzac, pintó trece aguafuertes para ilustrar una nueva edición de Le Chef d'oeuvre inconnu (La obra maestra desconocida). Las ilustraciones son un homenaje al acto de creación en sí, reflejan el resultado de la lectura del texto y de las divagaciones del artista malagueño sobre el tema del artista creador, sobre la relación que surge entre este y su modelo, y sobre la búsqueda obsesiva del ideal de arte.

 

 

El pintor de batallas

OBRA LITERARIA

Autor: Arturo Pérez-Reverte

Año: 2006

Sinopsis: En una torre junto al Mediterráneo, en busca de la foto que nunca pudo hacer, un antiguo fotógrafo pinta un gran fresco circular en la pared: el paisaje intemporal de una batalla. Lo acompañan en la tarea un rostro que regresa del pasado para cobrar una deuda mortal, y la sombra de una mujer desaparecida diez años atrás.

 

La presencia del arte, especialmente, la pintura, en las novelas y en los artículos periodísticos de Pérez-Reverte es una tónica habitual. Sus reflexiones acerca del arte acaban conviertiéndose en protagonistas de gran parte de sus obras. Pero el arte no solo como elemento estético sino como narración de hechos.

En El pintor de batallas hay referencias al arte contemporáneo. Giorgio de Chirico, Chagall, Basquiat, aparecen en el libro. Reverte deja una reflexión: ¿un objeto cualquiera podría ser una reflexión?, ¿podríamos llegar a admirar en un museo un objeto que, fuera de ese marco, lleva tras de sí una estela de muerte y destrucción?

 

Pérez-Reverte se cuestiona en este libro la frase "Una imagen vale más que mil palabras". Antes una imagen lo explicaba todo, ahora no, necesita una explicación añadida. El protagonista, fotógrafo, no edita un libro de fotografías para mantener viva la memoria de sus vivencias, sino que pinta un mural. Un mural inspirado en grandes ejemplos de la Historia del Arte. En esta novela, Pérez-Reverte también reflexiona sobre la fotografía. Para Reverte, la fotografía miente, se puede manipular. La pintura de antaño se entiende como la verdad. (Fuente: La presencia del arte en la obra de Arturo Pérez Reverte de  Jesús Félix Pascual Molina)

 

Las pinturas desaparecidas

OBRA LITERARIA

 

 

Título original: De verdwenen schilderijen

Autor: Gauke Andriesse

Año: 2006

Sinopsis: Durante el entierro de un amigo, experto en arte, el detective Jager Havix es abordado por los hermanos Eva y Bernard Lisetsky, cuyos padres, el banquero judío Otto Lisetsky y su mujer Lili, fueron asesinados en 1941 durante la ocupación alemana de Holanda. Su intención es recuperar la colección de pinturas paterna expoliada por los nazis y de la que no se ha tenido noticia desde entonces.

En Biblioteca: LIT 302

 

 

 

 

Estudio sobre el mundo del comercio de las obras de arte. Gauke Andriesse nos sumerge en la obra de Vermeer, en la escuela paisajística del siglo XVII y en las técnicas de falsificación pictórica, a la vez que nos revela algunos aspectos de la persecución judía y del comercio artístico en la época nazi en el que entró en juego el intercambio de obras por vidas humanas.

  

El retrato de Dorian Gray

OBRA LITERARIA

 

Título original: The Picture of Dorian Gray

Autor: Oscar Wilde

Año: 20 de junio de 1890 en Lippincott's Monthly Magazine

Sinopsis: Lo único con valor en la vida es la belleza. El joven Dorian Gray hace suya esta máxima y desea con todas sus fuerzas permanecer siempre tan hermoso como se le ve en el retrato que le ha pintado su amigo Basil. Al poco tiempo descubre que aquello que podría marchitar su belleza -los pecados, la envidia, el odio y, sobre todo, el paso del tiempo- quedan reflejados en el cuadro, pero no hacen mella en su cuerpo. La vida de Dorian entra entonces en una espiral que sólo puede terminar en tragedia.

En Biblioteca

Obra literaria: LIT 59

Película: DVD LEW-AL 1


 

"Un artista debe crear cosas hermosas, pero sin poner en ellas nada de su propia existencia. Vivimos en una época en la que se trata el arte como si fuese una forma de autobiografía. Hemos perdido el sentido abstracto de la belleza. Algún día mostraré al mundo lo que es eso; y ésa es la razón de que el mundo no deba ver nunca mi retrato de Dorian Gray" (El retrato de Dorian Gray)

"La gente ordinaria esperaba a que la vida les desvelase sus secretos, pero para unos pocos, para los 49 elegidos, la vida revelaba sus misterios antes de apartar el velo. Esto era a veces consecuencia del arte, y sobre todo del arte de la literatura, que se ocupa de manera inmediata de las pasiones y de la inteligencia. Pero de cuando en cuando una personalidad compleja ocupaba su sitio y asumía las funciones del arte, y era, de hecho, a su manera, una verdadera obra de arte, porque, al igual que la poesía, la escultura o la pintura, la vida cuenta con refinadas obras maestras" (El retrato de Dorian Gray)

La historia gira en torno a un retrato, el de Dorian Gray, el autor, Basil, un joven pintor encuentra en la belleza de Dorian un nuevo hacer, una nueva manera de crear. Dorian, por su parte, comienza a sentirse atraído por la idea de no envejecer, por la belleza eterna y su deseo se cumple. Él mantendrá su apariencia juvenil mientras que la figura retratada envejecerá por él. El retrato reflejará las consecuencias de sus actos, de sus errores, de sus pecados, deformándose poco a poco con el paso del tiempo.

 

El sueño de Venecia

OBRA LITERARIA

 

Título original: El sueño de Venecia

Autora: Paloma Díaz-Mas

Año: 1992

Sinopsis: Hacia 1665, un esclavo liberto pintó el retrato de doña Gracia de Mendoza, célebre cortesana de la época, y de un niño a quien recogió, convertido luego en su amante y finalmente en su esposo, Pablo de la Corredera. Desde entonces, el cuadro ha sufrido avatares, ha cambiado varias veces de dueño, ha padecido mutilaciones y añadidos y, sobre todo, ha sido visto con distintos ojos por hombres y mujeres de distintas épocas. Y en la nuestra, alguien lo descubrió, lo restauró y reconstruyó -o creyó reconstruir- la verdadera historia del cuadro y de los personajes que aparecen en él.

Premio Herralde de Novela 1992

En Biblioteca: LIT 308

Dossier documental: Paloma Díaz-Mas

 

La escritora plantea con su obra una reflexión sobre la Historia, sobre cómo esta se construye, sobre cómo la recordamos y sobre cómo se reescribe. El punto de partida es un retrato, una obra realizada  en pleno siglo XVII, que plasma la imagen de Gracia de Mendoza y Pablo de la Corredera. El cuadro invita al lector a conocer a los personajes y su historia, además de convertir a la obra en testigo del paso de tiempo. Los avatares que sufre y el cambio de propietarios hacen que el cuadro sea descubierto, restaurado y su historia reconstruida. El retrato, siempre el mismo, cambia de significado según los ojos que lo observen, la época histórica en que se sitúe y las circunstancias en las que se encuentre.

Guadalupe Martí-Peña, en su estudio Los avatares de un cuadro: arte y literatura en El sueño de Venecia de Paloma Díaz-Mas y El velázquez de París de Carmen Boullosa, "analiza la manera en que el rastreo de la historia de estos cuadros en ambas novelas genera reflexiones de índole pictórica y literaria sobre la naturaleza del arte, el proceso de creación, el carácter de la recepción e interpretación artísticas y el papel de la memoria y el arte tanto pictórico como literario en la recuperación o invención del pasado".

 

La tabla de Flandes

OBRA LITERARIA

 

 

Autor: Arturo Pérez-Reverte

Año: 1990

Sinopsis: Una restauradora de arte encuentra una inscripción oculta, en forma de partida de ajedrez, en el lienzo de un pintor flamenco del siglo XV. El sorprendente hallazgo provoca que una singular galería de personajes emprenda una turbulenta aventura en pos de desvelar el enigma.

En Biblioteca: LIT 318

En La tabla de Flandes todo gira sobre un cuadro, La partida de ajedrez, de Pieter Van Huys y el trapicheo del submundo del arte, las subastas y el coleccionismo.

 

 

 

Pieter Van Huys es un pintor flamenco alter ego de Van Eyck y Robert Campin, ideado por el escritor. La protagonista, Julia, es una joven restauradora y su amigo, César, es un anticuario. Las referencias al mundo del arte son constantes a lo largo de la novela. Un recurso muy revertiano es jugar con el espectador, jugar con las apariencias, donde lo real parece no serlo, y viceversa. En esta novela encontramos datos que hacen dudar al lector, como que el cuadro estuvo expuesto durante algún tiempo en Museo del Prado, por no citar todas las referencias históricas a los protagonistas del mismo. En todo caso, al margen de la trama de misterio, el arte de la pintura se convierte en un testimonio, en un mensaje de un momento y un lugar determinados, en una narración visual, dispuesta a desvelar sus secretos a aquel que sepa mirar.  (Fuente: La presencia del arte en la obra de Arturo Pérez Reverte de  Jesús Félix Pascual Molina)

 

Artistas

La agonía y el éxtasis (Miguel Ángel)

OBRA LITERARIA

 

Título original: The Agony and the Ecstasy
Autor: Irving Stone
Año: 1965
Sinopsis: Biografía novelada de Miguel Ángel Buonarotti, el inmortal creador del Moisés y del David, pintor de la Capilla Sixtina y arquitecto de la Basílica de San Pedro. La narración nos conduce hasta la Italia del Renacimiento, época en la que el arte florecía bajo el mecenazgo de poderosas familias de príncipes y papas. En plena turbulencia política y religiosa, rodeado de oscuras e influyentes personalidades, Miguel Ángel va creando su obra monumental, mientras vive intensos amores y desamores.

En Biblioteca: LIT 293

La ajetreada vida de Miguel Ángel fue llevada a la novela por Irving Stone.

 

 

 

 

 

ARTISTA

 

Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia y los diferentes papas romanos.

 

 

 

 

 

 

 

Barbazul

 

 

Título original: Bluebard

Autor: Kurt Vonnegut

Año: 1987

Sinopsis: Es una novela de sátira del escritor norteamericano Kurt Vonnegut. En ella se relata la vida de un pintor impresionista y veterano de la Segunda Guerra Mundial, Rabo Karabekian.

En Biblioteca:

 

 

 

 

La novela Barbazul lleva un subtítulo Autobiografía de Rabo Karabekian (1916-1988). En el prólogo, Vonnegut explica: “Esto es una novela y, además, una autobiografía burlona. No hay que tomarla como un ensayo o un decálogo del Expresionismo Abstracto, el primer movimiento artístico importante originado en los Estados Unidos de América...”. El libro es una mezcla de situaciones reales, sobre todo la eclosión de un movimiento en pintura abstracta que dio nombres importantes en el arte, tales como Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile Gorky y Willem de Kooning, junto con sucesos inventados y personajes ficticios, entre los cuales se incluye el propio protagonista.

Rabo Karabekian es armenio y Arshile Gorky (1904-1948), uno de los fundadores del Expresionismo Abstracto, también lo fue. Durante la Segunda Guerra Mundial, Karabekian manda un pelotón de artistas itinerantes especializado en camuflaje, pero fue Gorky el que en realidad, durante la guerra, en 1942, dio clases de camuflaje. Varios de los iniciadores de este movimiento fueron suicidas: en 1948, a los 44 años de edad, Gorky se ahorca; en 1956, a los 44, Jackson Pollock se mata al conducir ebrio; en 1970, a los 67, Mark Rothko se suicida. Así, si Karabekian es una parodia de expresionista abstracto fracasado, Kitchen, su hermano de borracheras, parodia al bohemio y temprano suicida. Kitchen no sabe dibujar; y sólo comienza a tener éxito como pintor cuando por instinto emplea una pistola de pulverización sobre un viejo tablero. Kitchen es alcohólico como Pollock y también se suicida.

Cuando  Karabekian repite que los cuadros del grupo no tratan de nada más que de sí mismos y que el pintor ejecuta el primer trazo y luego el lienzo hace lo demás, está parafraseando al crítico Harold Rosenberg (1906-1978), uno de los legendarios apologistas del Expresionismo Abstracto. Así, la descripción que Karabekian formula sobre sus pinturas, que son grandes espacios de color: Opus 9, Azul y naranja óxido, Azul de Windsor número 17, por ejemplo, tampoco dejan ser parafraseos de varios cuadros de Gorky -Pintura marrón oro (1947)-, de Pollock -Lanzas azules (1953)-  y de Rothko -Número 10 (1950) y Blanco y verde sobre azul (1957). (Fuente: Almacén celeste número 8 de Omar González)

El beso (Gustav Klimt)

OBRA LITERARIA

 

Título original: Der gemalte Kuss

Autor: Elizabeth Hickey

Año: 2005

Sinopsis: En la Viena cosmopolita y elegante de 1886, Emilie Flow, de doce años, conoce al carismático pintor Gustav Klimt, uno de los genios del siglo XX. El artista la introduce en los ambientes bohemios de la capital austriaca y entre ellos surge una relación apasionada, marcada por el secreto y la sensualidad, que perdurará en los momentos de triunfo y también en los de escándalo y tragedia.

En Biblioteca: LIT 40

 

 

 

Elizabeth Hickey recrea la vida de Emilie Flöge quien fuera la mujer que siempre estuvo al lado del pintor Gustav Klimt, con el que vivió una relación de amor platónico y amistad profunda. Pero Hickey introduce muchas variaciones con respecto a la historia real de Emilie y Klimt. Todos  los personajes que aparecen en la novela son personajes históricos, aunque de algunos haya variado parte de sus biografías. Así, en El beso aparecen las que fueron las principales modelos de Gustav Klimt, entre ellas, Adele Bloch-Bauer o Alma Schindler, u otros artistas como Egon Schiele o Oscar Korkoschka. En la novela también se repasa algunos de los momentos más destacados de la vida del artista como el conflicto que supuso la creación de los murales para la Universidad de Viena, su alejamiento de la corriente oficial de la Casa de los Artistas o la creación del movimiento Secesión. Se trata de una interpretación de sus vidas y una plasmación de unos sentimientos que bien podrían haber existido.

ARTISTA

Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía.

 

Éramos unos niños

OBRA LITERARIA

Título original: Just Kids

Autor: Patti Smith

Año: 2010

Sinopsis: Nacida en Chicago en 1946, Smith saltó a la fama durante el movimiento punk con su álbum debut Horses. La llamada "madrina del punk" aportó un punto de vista feminista e intelectual al movimiento y se convirtió en una de las artistas más influyentes dentro de la música rock, integrándola con un estilo de poesía beat. Los inicios de su carrera estuvieron marcados por su amistad con el fotógrafo Mapplethorpe con quien, según ella, se casó para disimular su homosexualidad. Estas memorias son un recorrido por las calles del Nueva York de finales de los años setenta y principios de los ochenta, un mundo ya perdido donde circulaban Allen Ginsberg o Andy Warhol y sus chicos, y donde se creaban las grandes bandas de música que marcaron el fin del siglo XX.

En Biblioteca: AR SMI-PA 22

 

 

 

 

ARTISTA

 

Patricia Lee Smith nació el 30 de diciembre de 1946 en Chicago. Su familia, de origen humilde, inculcó a Patti y a sus hermanos una educación formal que, aquélla abandonó a los 16 años para empezar a trabajar en una fábrica de colchones, experiencia que narra como tormentosa.

Con su figura andrógina y combativa, Patti Smith ha mantenido siempre su aspecto rebelde, un aroma a los años 70 y el sonido underground en el cual vivió inmersa. El Patti Smith Group formó parte del sonido que hacia los años 70 presidía las calles de Nueva York, representando un sonido underground. El grupo que, combinaba rock clásico con el irreverente espíritu del punk y el New Wave, tocó algunas de las músicas más viscerales y desafiantes de la época y actuaron como un disparador de pensamientos e ideas.

Patti no sólo se ha hecho famosa por ser una de las pioneras del rock y del punk, sino por ser una artista visual y una poetisa con un marcado carácter activista, luchador y controvertido, todo ello para conformar una personalidad que ha servido de influencia a muchos intérpretes posteriores tanto del panorama nacional como internacional. Considerada como madrina del punk y visionaria de una época, inventó una nueva definición de lo femenino tanto en sus canciones como en su obra poética, proyectándose como lesbiana, andrógina, hombre, mártir, madre, sacerdotisa, Dios-Mujer…

Su voz profunda y grave la constituye en todo un icono, y sus creaciones artísticas, a través de sus manos, son las que la confirman como uno de los aportes más transgresores de la creación contemporánea.
Dossier documental: Patti Smith 

 

Leonora

OBRA LITERARIA

Autora: Elena Poniatowska

Año: 2011

Sinopsis: Estaba destinada a crecer como la rica heredera de un magnate de la industria textil, pero desde pequeña supo que era diferente, que su capacidad de ver lo que otros no veían, la convertía en especial. Desafió las convenciones sociales, a sus padres y maestros, y rompió cualquier atadura religiosa o ideológica para conquistar su derecho a ser una mujer libre, personal y artísticamente. Leonora Carrington es hoy una leyenda, la más importante pintora surrealista, y su fascinante vida, el material del que se nutren nuestros sueños. Leonora vivió la más turbulenta historia de amor con el pintor Max Ernst. Con él se sumergió en el torbellino del surrealismo, y se codeó en París con Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Joan Miró, André Breton o Pablo Picasso; por Max enloqueció cuando fue enviado a un campo de concentración. A Leonora se la confinó en un manicomio de Santander, del que escapó para conquistar Nueva York de la mano de Peggy Guggenheim. Se instaló en México y allí ha culminado una de las obras artísticas y literarias más singulares y geniales. No es la primera vez que Elena Poniatowska retrata como nadie a una mujer excepcional. La increíble vida de Leonora Carrington es, en sus manos, una aventura apasionante, un grito de libertad y una elegante aproximación a las vanguardias históricas de la primera mitad del siglo XX.

En Biblioteca: LIT 279

 

"Ante todo, Leonora es una novela. No es ni una crítica de la pintura de Leonora Carrington, ni una biografía. Es una obra basada en conversaciones que sostuvimos durante múltiples entrevistas, en los libros de la propia Leonora y en los que se han escrito sobre ella..."

"Leonora no es sólo un acto de amor sino también un homenaje a la vida y a la obra de esta mujer que ha hechizado a México con sus colores, sus palabras, sus delirios, sus arranques, sus historias. Trajo a nuestro país todos los recuerdos de sus vidas anteriores, todos los paisajes, los caminos bajo las acacias, todas las verduras que en México no se comían como los salsifis, las endivias, las alcachofas..." (Elena Poniatowska)

ARTISTA

Leonora Carrington nació el 6 de abril 1917 en Lancashire, Inglaterra. De clase acomodada, al ser hija de un fabricante textil. Durante su infancia fue de colegio en colegio católico. No era mala estudiante; era su rebeldía la que provocaba que la expulsaran de las diferentes escuelas en las que recalaba. Cuando cumplió los 19 años se escapó, al no contar con el visto bueno paterno, a Londres para ingresar en la prestigiosa academia de arte de Amédée Ozefant.

Conoció a Max Ernts. Por aquel entonces, el pintor alemán de 47 años -le doblaba la edad- y casado, ya contaba con una fama dentro del arte surrealista de vanguardia. La pareja se enamoró y se trasladó a Francia, primero a París, donde compartió tiempo y espacio con toda la camarilla del alemán -Louis Aragon, Paul Éluard y Nusch, Marcel Duchamp y André Breton-, y más tarde a la comuna de Saint-Martin-d'Ardèche, en el sureste del país.

La Segunda Guerra Mundial estalló en sus vidas. Max Ernst fue declarado enemigo del régimen de Vichy en septiembre de 1939. Su detención y posterior encarcelamiento en el campo de Les Milles fue para Leonora Carrington un duro golpe que la desestabilizó psicológicamente. A su pésimo estado mental, la pintora y escritora tuvo que sumar una cercana invasión de las fuerzas nazis alemanas que le llevaron a huir a España.

 

Derrumbada física y mentalmente, por gestión de su padre, terminó ingresada en un hospital psiquiátrico de Santander, experiencia que la marcó tremendamente tanto en el plano personal como profesional. En 1941, logra escapar de este hospital con dirección a Lisboa. Se refugia en la embajada de México donde el diplomático y escritor mexicano Renato Leduc le ayudó a escapar de Europa. Ese mismo año contrajeron matrimonio y Leonora viajó a Nueva York. En1942 emigró a México y en 1943 se divorció de Renato Leduc. En México, la pintora restableció lazos con varios de sus colegas y amigos surrealistas en el exilio, quienes también se encontraron en ese país, tales como André Breton, Benjamin Péret, Alice Rahon, Wolfgang Paalen y la pintora Remedios Varo. Fue ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, otorgado por el gobierno de México en el2005. Falleció a los 94 años en la Ciudad de México el 25 de mayo del 2011.
 

 

Leviatán (Sophie Calle)

OBRA LITERARIA

 

 

Título original: Leviathan

Autor: Paul Auster

Año: 1992

Sinopsis: Leviatán es la historia de un hombre muerto en extrañas circunstancias y las personas que le rodean narrada por su amigo y escritor, Peter Aaron, el alter ego de Paul Auster. El hombre muerto es Benjamin Sachs, también escritor pero mucho más que eso, objetor de conciencia que pasó unos meses en prisión durante la guerra de Vietnam, asesino arrepentido e incluso peligroso “maníaco” perseguido por varios estados.

En Biblioteca: LIT 20

 

 

 

Entre los personajes, destaca Maria Turner. Aunque no ocupa demasiado espacio en la novela, su papel va a ser importantísimo. Va a ser la que desencadene, directa o indirectamente, intencionadamente o no, los acontecimientos más importantes del libro.  María Turner, la mujer que persigue a neoyorquinos, los fotografía y se acuesta con ellos, está inspirada en la artista conceptual Sophie Calle. En las páginas preliminares del libro: “El autor agradece efusivamente a Sophie Calle que le permitiera mezclar la realidad con la ficción”.

 

ARTISTA

 

Sophie Calle es una artista conceptual nacida en Francia en 1953. El principal objeto de su obra es la intimidad y de modo particular la suya propia, para ello utiliza gran diversidad de medios de registro como libros, fotografías, vídeos, películas o performances.

En Biblioteca

 

 

 

 

La luna y seis peniques (Gauguin)

OBRA LITERARIA

 

Título original: The Moon and Sixpence

Autor: William Somerset Maugham

Año: 1919

Sinopsis: Narra la historia del financiero Charles Strickland, quien decide sacrificarlo todo para seguir su sueño de convertirse en pintor, porque para él la pintura está por encima de todo, incluso de su propia vida. 

En Biblioteca: LIT 316

 

 

 

Especie de biografía novelada del pintor Paul Gauguin. El personaje protagonista es Charles Strickland, que abandona su vida burguesa de agente de bolsa, a su familia y a sus hijos para marcharse a París a pintar. Allí malvive con mil trabajos, cae enfermo y pasa hambre para poder dedicarse en exclusiva a su arte. Un pintor holandés le ayuda, con trágicas consecuencias. La historia continúa en Tahití, donde realmente puede realizarse como artista y donde acaba muriendo de lepra. Gauguin abandonó París, convencido de que el arte corría peligro de volverse rutinario y superficial, se trasladó a una de las islas de los mares del Sur, Tahití, en pos de una vida sencilla. 

ARTISTA

Paul Gauguin nació el 7 de junio de 1848 en París en el seno de una familia de clase media. Trabajó también como agente de bolsa de París. En 1871 se unió a una firma de corretaje de valores de París y gracias a su trabajo logró disfrutar de una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos.  En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, no le quedó más remedio que convertir su afición a la pintura en oficio. Los siguientes años fueron años de privaciones. Gauguin y Mette se fueron a vivir con la familia de ella a Copenhague. Después de que él se fue, nunca más volvieron a vivir juntos. En 1887 Gauguin realizo su primera excursión artística al trópico, quedándose unos meses en Panamá y en la isla de Martinica. Su creciente interés por el primitivismo le impulsó a organizar una subasta en 1891 para pagarse un viaje a Tahití. Sin embargo, a su llegada a Papeete no encontró el paraíso perdido que había imaginado: la influencia occidental era fuerte en la isla y, tras cambiar varias veces de residencia y sufrir varias enfermedades, decidió volver a Francia en 1893. Su regreso tampoco respondió a sus expectativas, ya que las pinturas y esculturas realizadas en Tahití no recibieron demasiada atención.
 

 

 

 

La luz es más antigua que el amor

OBRA LITERARIA

 

Autor: Ricardo Menéndez Salmón

Año: 2010

Sinopsis: Un lunes de 1350, cuando Europa se recupera de la Peste Negra, el futuro papa Gregorio XI visita al pintor toscano Adriano de Robertis para destruir su última obra, la blasfema Virgen barbuda. El 25 de febrero de 1970, el pintor norteamericano Mark Rothko se corta las venas en su estudio de Nueva York. El 11 de septiembre de 2001, mientras el mundo se adentra en la Era del Desconsuelo, el pintor ruso Vsévolod Semiasin redacta una carta en la que revela las razones de su locura. La historia de estos tres maestros, basada en un enigma —el destino insospechado de la Virgen barbuda de Adriano de Robertis— y gravitando en torno a una idea central —el compromiso del pintor con su arte frente al poder encarnado por Iglesia, Mercado o Estado—, es el eje conductor de La luz es más antigua que el amor, un libro del que nos habla un novelista llamado Bocanegra durante tres momentos cruciales: el nacimiento de su vocación, la muerte de su esposa y su consagración en el año 2040 como gloria de la literatura universal

En Biblioteca: LIT 284

 

La historia de tres pintores diferentes, dos ficticios y uno real, sin más nexo aparente que el de ser elegidos para la novela más compleja de un joven escritor, es la excusa argumental para este compendio de reflexiones sobre el arte y la condición humana. Los protagonistas son artistas que sufren esa angustia del que busca e indaga en la vida a través de su arte, predestinados por esa sentencia expuesta por el autor de que todo artista está llamado a la ruina de sus esperanzas.

El pintor protagonista de la primera parte, Adriano de Robertis, vivió en la Toscana, defendió a muerte su cuadro heterodoxo de la Virgen barbuda, nacido de su rebeldía y dolor por la muerte de su hijo en la peste de 1348, y murió viejo entre la miseria de un lazareto veneciano. La segunda parte se centra en la vida y la obra de Mark Rothko, pintor letón afincado en Estados Unidos, que se suicidó en 1970 después de haber intentado llegar más lejos que nadie en la historia de la pintura. Y en la tercera parte se narra la vida errante del ruso Vsévolod Semiasin desde su Stalingrado natal, pasando por Francia e Italia, hasta su reclusión en 2005 en un psiquiátrico, donde se come sus lienzos en loco intento por adueñarse de la pintura. 

 

Lydia Cassat leyendo el periódico matinal (Mary Cassatt)

OBRA LITERARIA

 

 

Título original: Lydia Cassatt Reading the Morning Paper

Autora: Harriet Scott Chessman

Año: 2001

Sinopsis: Tomando como punto de partida la vida real de Mary Cassatt, una pintora destacada del impresionismo, y la hermana de ésta, Lidia, Harriet Scott Chessman narra con gran sensibilidad el estrecho vinculo que existió entre ambas, a la vez que esboza la vida artística del París de finales del siglo XIX.

En Biblioteca: LIT 322

 

 

 

 

Lydia Cassatt leyendo el periódico matinal está basada en la vida de la pintora impresionista norteamericana Mary Cassatt y en la de su hermana, Lydia Cassatt (1837-1882). Harriet Scott Chessman recrea en cada uno de los cinco capítulos que la componen el proceso de creación de los retratos que Mary pintó a su hermana: Mujer leyendo (París, septiembre de 1878); El té (París, abril de 1880); El jardín (Marly-le-Roi, septiembre de 1880); En el carruaje (París, mayo de 1881) y Lydia sentada ante un bastidor (París, junio de 1881). Aunque es una obra de ficción, Chessman ha respetado los datos biográficos de las Cassatt, transmitiendo con gran sensibilidad la personalidad de cada una de ellas, alabando la fuerza creadora de Mary, pero destacando la notoria influencia que Lydia ejerció sobre ella. A través del vínculo de las hermanas, se esboza la vida artística del París de finales del siglo XIX. Su gracia es que la vida de esta artista, que logró ganarse la admiración de Degas, es desconocida y acerca al complejo proceso de creación así como a la intensa relación que se establece entre un pintor y su modelo.

ARTISTA

 

Estadounidense, Pittsburgh 1844 - Le Mesnil-Théribus 1926.  Pintora. Estilo:  Impresionismo. Mary Cassatt era hija de un banquero norteamericano que nunca se mostró favorable a su deseo de llevar una carrera artítica. Toda la familia Cassatt se trasladó a París en 1851, viviendo algunos años en Alemania. En 1861 Mary estudia en la Pennsylvannia Academy of Fine Arts de Filadelfia durante cuatro años, donde obtendrá un acento académico que llevará consigo a París cuando en 1868 esté en el taller de Chaplin, aunque tampoco influyera este pintor académico excesivamente en su estilo. En estos años encontramos en ella cierta atracción hacia la pintura de  Courbet . Inicia un viaje por Italia en 1871, descubriendo una profunda admiración por  Velázquez  y  Rembrandt  lo que le motivará a viajar a España y a Holanda. Instalada definitivamente en París en 1877, se inicia su relación con Degas - algunos la llegan a considerar como su alumna - quien le recomienda integrarse en el grupo  impresionista.

 

 


A partir de ese momento su estilo se acerca más a  Renoir  y a Degas, participando en cuatro de las ocho exposiciones impresionistas con sus cuadros de niños y mujeres, temas que serán sus favoritos. En 1891 empezó su andadura en solitario en la galería Durand-Ruel, quien se convirtió en su marchante. Debido a su desahogada situación económica, Mary compró un buen número de obras a sus compañeros e incluso animó a algunos millonarios norteamericanos a que invirtieran en pintura impresionista. Sus continuos viajes la llevan a numerosos lugares europeos e incluso a Oriente Medio.

A partir de 1912 se pone de manifiesto en Mary una ceguera parcial que provocará la pérdida progresiva de visión, abandonando la pintura desde ese momento en el que empieza a recibir honores como la Legión de Honor francesa o la medalla de oro de la Pennsylvania Academy of Art. Gracias a su trabajo, el Impresionismo se introdujo con fuerza en los Estados Unidos. También destaca su faceta como grabadora en la que muestra una marcada influencia de la estampa japonesa. (Más información: Mary Cassatt)

 

El manantial (Frank Lloyd Wright)

OBRA LITERARIA

 

Título original: The fountainhead

Autor: Ayn Rand

Año: 1943

Sinopsis: El protagonista de la novela, Howard Roark, es un joven arquitecto que decide luchar solo contra los convencionalismo sociales, las ideas preconcebidas, los prejuicios, y las mentes pusilánimes, en lugar de comprometer su visión artística y personal.

En Biblioteca: LIT 63

 

 

 

 

 

 

El personaje está, al menos en gran parte, inspirado por el arquitecto Frank Lloyd Wright. Rand describió la inspiración limitada a "algunas de sus ideas arquitectónicas y al patrón de su carrera". Negó que Wright hubiera tenido que ver con la filosofía expresada por Roark o con los eventos de la trama, pese a que muchos comentaristas han continuado señalando fuertes conexiones entre Wright y Roark. Aún que algunas comparaciones pueden llegar a ser superficiales, estos dos personajes si tienen cosas en común o aspectos similares en sus vidas. Howard Roark y Frank Lloyd Wright son ambos arquitectos innovadores, no convencionales, que tienen éxito en su profesión después de un principio lento. Ambos dejaron la universidad sin graduarse, Roark es expulsado y Wright decidió dejar la Universidad de Wiscousin. Roark va directamente a trabajar con Henry Cameron, que si lo comparamos con la vida de Wright, Camerón sería Louis Sullivan. Lo que sucede es que Roark va directamente a trabajar para el personaje de Louis Sullivan, Henry Cameron, y en la vida real Wright fue a trabajar para la firma de JL Silsbee antes de ir a trabajar para  Adler y Sullivan.

Roark construye viviendas de ingresos moderados e inventa nuevas formas arquitectónicas y se acerca en el modo de Sullivan. Wright desarrolló un nuevo concepto de espacio interior en arquitectura. Rechazando la vista existente de habitaciones como cajas de una sola función, Wright creó salas superpuestas y espacios compartidos. Al igual que la ficción Roark, Wright construyó varios templos y capillas, como el Templo de la Unidad en Oak Park Illinois y el unitario Meeting House en Madison, Wisconsin. Pero a diferencia de Roark, Wright no construyó ningún rascacielos de New York y no vivía en la ciudad de Nueva York.

ARTISTA

 

Richlan Center arquitecto estadounidense nació en 1869 y muere en 1959. Ingresó en la Universidad de Wisconsin para estudiar ingeniería, pero tras dos cursos, se trasladó a Chicago, donde entró en el estudio de Ll. Silsbee; como éste era un arquitecto demasiado convencional, no se sintió a gusto y lo abandonó para trabajar con L. H. Sullivan, con quien colaboró estrechamente a lo largo de seis años. En 1893 abrió su propio estudio de arquitectura en Chicago. Fue el introductor del término de arquitectura orgánica, que consiste en que la construcción debe derivarse directamente del entorno natural. Desde los inicios de su carrera rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos que imperaban a finales del siglo XIX. Otra de sus aportaciones fundamentales a la arquitectura moderna fue el dominio de la planta libre, con la que obtuvo espacios que fluyen de una estancia a otra.

 

 

 

 

La obra (Paul Cézanne)

OBRA LITERARIA

 

Título original: L'Oeuvre

Autor: Émile Zola

Año: 1886

Sinopsis: El pintor Claude Lantier intenta terminar un óleo de grandes dimensiones que represente la modernidad del Segundo Imperio, en los albores del movimiento impresionista. Su enfermiza obsesión se verá mezclada con el amor de Christine -la mujer que le sirve de modelo- y su amistad difícil con el novelista Sandoz. Novela sobre la naturaleza de la creación artística, sobre el amor, la amistad y también sobre el fascinante y complejo alumbramiento del impresionismo. La obra capta, con gran viveza, la vorágine creativa de París, el núcleo de la bohemia intelectual y artística que alumbraría el impresionismo.

En Biblioteca: LIT 32

 

 

 

La amistad entre Paul Cézanne y Émile Zola, que se prolongaba desde la niñez de ambos en Aix-en-Provence, cesó de inmediato tras la publicación, en 1886, de la novela La obra. Cézanne se vio reflejado en el protagonista de la novela, Claude Lautier, un pintor fracasado, ejemplo de la impotencia artística y de la quiebra de un genio. Cézanne lo consideró una traición. Fue una ruptura caballeresca pero definitiva. “Agradezco al autor de ‘Los Rougon – Macquart’ este grato testimonio del pasado, y le ruego que me permita estrecharle la mano en recuerdo de los viejos tiempos”, le escribe Cézanne el 4 de abril de ese año. Nunca volverían a verse.

ARTISTA 

 

Paul Cézanne, uno de los pintores franceses más significativos de la segunda mitad del siglo XIX, es generalmente considerado «el padre del arte moderno». Comenzó estudiando derecho en Aix, pero en 1861 se trasladó a París para hacerse pintor. Expuso con los impresionistas en la primera exposición celebrada en el estudio de Nadar, en 1874, y en la tercera de las muestras del grupo en 1877. Las críticas que recibieron sus cuadros provocarían que Cézanne decidiese alejase de los circuitos artísticos para comenzar un camino personal. Paralelamente, a partir de 1878, comenzó a alejarse de la estética impresionista y a desarrollar un estilo propio. Durante toda su vida residió entre París y el sur de Francia, hasta que en 1900 se recluyó definitivamente en Aix-en-Provence, su ciudad natal.

 

 

 

 

El paraíso en la otra esquina (Gauguin)

OBRA LITERARIA

 

 

Autor: Mario Vargas Llosa

Año: 2003

Sinopsis: Un nexo de unión entre dos personajes que optan por dos modelos vitales opuestos que desvelan un deseo común: el de alcanzar un paraíso donde sea posible la felicidad para los seres humanos. Dos vidas: la de Flora Tristán, que pone todos sus esfuerzos en la lucha por los derechos de la mujer y de los obreros, y la de Paul Gauguin, el hombre que descubre su pasión por la pintura y abandona su existencia burguesa para viajar a Tahití en busca de un mundo sin contaminar por las convenciones.

En Biblioteca:

 

 

 

La  novela de Vargas Llosa  trata de dos personajes históricos: la utópica Flora Tristán y el pintor Paul Gauguin. Dos vidas que no coinciden en el tiempo y sólo parcialmente en el espacio, aunque Gauguin fuera nieto de Flora Tristán. Flora Tristán morirá, a los cuarenta y un años, en Burdeos, el 14 de noviembre de 1844. Gauguin, el 8 de mayo de 1903, en Hiva Hoa, en las Islas Marquesas, a los cincuenta y cinco.  Flora Tristán fue víctima, por su condición femenina, de un marido cruel, al que acabará abandonando. Su lucha por la liberación de la mujer será paralela a la defensa de una clase obrera que tratará de descubrir en sus viajes mediante comités que coordina en diversas ciudades francesas. Su horror al sexo, pese a unas breves relaciones lésbicas, procederá de la violencia marital. Gauguin, por el contrario, defenderá la libertad sexual como parte de la exaltación del primitivismo que le llevará a abandonar una cómoda vida burguesa como agente de Bolsa, casado y padre de varios hijos por una tardía vocación pictórica que habrá de conducirle hasta los mares del Sur. Gauguin será un artista rebelde, víctima de la sífilis; en tanto que Flora llevará en su pecho la bala disparada por su marido.

ARTISTA

Paul Gauguin. Nació 7 de junio de 1848 en París en el seno de una familia de clase media. Trabajó también como agente de bolsa de París. En 1871 se unió a una firma de corretaje de valores de París y gracias a su trabajo logró disfrutar de una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos.  En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, no le quedó más remedio que convertir su afición a la pintura en oficio. Los siguientes años fueron años de privaciones. Gauguin y Mette se fueron a vivir con la familia de ella a Copenhague. Después de que él se fue, nunca más volvieron a vivir juntos. En 1887 Gauguin realizo su primera excursión artística al trópico, quedándose unos meses en Panamá y en la isla de Martinica. Su creciente interés por el primitivismo le impulsó a organizar una subasta en 1891 para pagarse un viaje a Tahití. Sin embargo, a su llegada a Papeete no encontró el paraíso perdido que había imaginado: la influencia occidental era fuerte en la isla y, tras cambiar varias veces de residencia y sufrir varias enfermedades, decidió volver a Francia en 1893. Su regreso tampoco respondió a sus expectativas, ya que las pinturas y esculturas realizadas en Tahití no recibieron demasiada atención.
 

 

 

La pasión de Artemisia

OBRA LITERARIA

 

Título original: The passion of Artemisia

Autor: Susan Vreeland

Año: 2010

Sinopsis: En un taller del barrio de los artistas, la joven Artemisia lucha por imponer su talento artístico en un mundo exclusivamente masculino. Su más temibe adversario no es otro que su padre, el célebre pintor Orazio Gentileschi, empeñado en ocultar el genio de su hija. Tras sufrir abusos y humillaciones, Artemisia es entregada por su padre en matrimonio para que pueda instalarse en Florencia. Las barreras sociales parecían insuperables, pero Artemisia contaba con su personalidad y su pasión por el arte.

En Biblioteca: LIT 301

 

 

 

 

 

Susan Vreeland recrea la vida de un extraordinario personaje: Artemisia Gentileschi, una de las pocas mujeres pintoras del Renacimiento que lograron el reconocimiento público. La novela se apoya en hechos reales: la pintora fue violada y sometida a juicio inquisitorial y realmente se carteó con Galileo y trabajó para los Médicis.

ARTISTA

 

Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1593 - Nápoles, hacia 1654) fue una pintora caravaggista italiana, hija del pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639). La obra de esta pintora barroca fue el reflejo de una vida marcada por un dramático episodio. Violada por su propio maestro y sometida a tortura para defender su dignidad y honor, Artemisia consiguió convertirse en una de las artistas más importantes de su época y en un referente de la pintura caravaggista. A través de sus cuadros, Artemisia no sólo mostró su propia belleza sino que plasmó la angustia, el odio y el dolor de su propia vida.

Caravaggio en femenino, Artemisia Gentileschi (1593 - 1654)

Artemisia Gentileschi
 

 

 

 

 

 

La pintora de Shanghai (Pan Yuliang)

OBRA LITERARIA

 

Título original: The Painter from Shanghai

Autora: Jennifer Cody Epstein

Año: 2008

Sinopsis: Esta novela cuenta la historia de Pan Yuliang, una de las más talentosas –y provocadoras– figuras del arte chino del siglo XX. Jennifer Cody Epstein se interna en el mundo de la mujer e imagina con lujo de detalle su vida en un burdel y como concubina de un oficial de la república que, finalmente, la ayudará a descubrir a la artista que había en su interior.

En Biblioteca:

 

 

 

 

 

ARTISTA

Yuliang fue una pintora polémica y muy criticada ya que fue una de las primeras en usar los estilos de pintura occidentales en obras de temática china.

Pan Yuliang nació en Yangzhou en 1899. Se quedó huérfana a temprana edad y fue vendida a un burdel, donde conoció a su patrón Pan Zhanhua, quien la tomo como su concubina oficial, ya que el tenía esposa y familia. Un intelectual y activista político le animo a cultivar su interés por la pintura al óleo. En la China de aquel tiempo, los pintores trabajaban de la forma tradicional utilizando tintas. Yuliang se sintió atraída a la forma occidental de pintar, enfatizando su expresión individual a través de las pinturas al óleo, incluyendo desnudo de figura femenina, con un toque de erotismo.

Yuliang encontró un mentor en el Liu Haisu, uno de los primeros artistas chinos que podía pintar en los estilos oriental y occidental. Él también introdujo el trabajo del desnudo en la escuela de arte de Shangai, Meizhuan. Cuando Yuliang se graduó en 1921, ganó una beca para proseguir sus estudios de arte en Europa. Ella estudió y trabajó por siete años en Lyón, París y Roma, exhibiendo en los mejores lugares y ganando premios con frecuencia. En 1928 Yuliang volvió a China con su amante Pan Zhanhua. Consiguió trabajo como profesora de la Universidad Central Nacional de Nanjing, donde enseñó hasta 1935. Esto resultó una hazaña pequeña para una mujer con el pasado de Yuliang, especialmente en la atmósfera conservadora de la universidad.

La desgracia llego a su vida, sabiendo que no podía concebir un hijo para Zhanhua, y tampoco pudo enfrentar la resistencia a sus libres ideas sobre el arte, ella volvió a París, sola, en 1935. Yuliang recibió la medalla de oro de la ciudad en 1959. Murió en 1977, legando su trabajo a su ciudad natal en China, donde se construirá un museo en su memoria.

 

La pintura del monstruo (Caravaggio)

OBRA LITERARIA

 

 

Autor: José Emilio Iniesta

Año: 2010

Sinopsis: Patricio Almela, profesor de historia del arte y gran experto en pintura "tenebrista", arrastra problemas psicológicos desde la trágica muerte de su esposa. Muy a pesar suyo tendrá que encargarse de averiguar si un extraño cuadro es obra de Caravaggio o, por el contrario, se trata de una burda falsificación. Pero pronto des cubrirá que el cuadro es mucho más de lo que parece. Mientras desarrolla su investigación, Patricio evoca diversos episodios de la turbulenta biografía de Caravaggio. 

En Biblioteca: LIT 315

 

 

 

La pintura del monstruo es una novela protagonizada por un cuadro atribuido a Caravaggio, que incide a partes iguales en la gloria y miseria de un personaje que fue a la vez verdugo y víctima de otros, y siempre víctima de sí mismo. Un artista prácticamente olvidado durante dos siglos, que jamás firmaba sus cuadros (se le han atribuido bastantes), cuya firma es su inigualable estilo.   

 

ARTISTA

 

Fue un genio incomprendido, un loco violento, un hombre atormentado y un triste perseguido. Michelangelo Merisi será conocido siempre con el nombre de la pequeña localidad de Caravaggio, situada al norte de Italia, de la que procedía su familia y en la que vivió durante algunos años para protegerse de una epidemia de peste durante su juventud. Se trasladó a Milán para formarse en una escuela de pintura manierista donde aprendió a manejar los pinceles antes de transmitirles su propia vida. Deambuló por varias ciudades italianas, hasta que llegó a Roma. Aquí pasó calamidades hasta que en 1594 entró en uno de los mejores talleres, el taller del Cavalier d´Arpino, el favorito de la curia papal. Su situación comenzó a mejorar considerablemente. El taller estaba especializado en la pintura de bodegones. Se sabe que Caravaggio permaneció unos ocho meses con el Cavalier d´Arpino, pero luego montó su propio taller. Allí siguió realizando pintura profana de pequeño formato que vendía gracias a un marchante que tenía un negocio próximo a San Luis de los Franceses.

 

 

El cardenal del Monte ve por primera vez las obras de Caravaggio, quedando sumamente impresionado. Como consecuencia, el cardenal se convierte en el protector de Caravaggio, produciéndose así un cambio trascendental en la carrera del pintor. Entre 1595 y 1596 Caravaggio se traslada a vivir al palacio Madama, residencia del cardenal. A partir de entonces le lloverán los encargos, algunos de la talla de los demandados para decorar San Luis de los Franceses. Pronto las envidias de otros pintores comienzan a acecharle. Esto unido a su carácter irascible hizo que tuviera que comparecer en varios procesos.

El tenebrismo fue iniciado en Italia por Caravaggio. Él, de espíritu rebelde, se aleja de las convenciones pictóricas en pro de un estilo personal. Caravaggio observa todo lo que le rodea y ansía plasmarlo en sus obras de un modo fiel a la realidad. Se decanta por el empleo de un foco de luz para ir moldeando plásticamente las figuras representadas en su pintura. Por medio de hábiles golpes de luz sabe resaltar las partes más elocuentes, mientras el resto permanece en penumbra.  Las atmósferas de luz y tiniebla envuelven escenarios muy realistas. Caravaggio se inclina por la representación de los aspectos más crudos de la realidad.

 

Señora de rojo sobre fondo gris

OBRA LITERARIA

Autor: Miguel Delibes

Año: 1991

Sinopsis: Un prestigioso pintor, sumido en una grave crisis creativa, desgrana ante su hija sus recuerdos más íntimos en un monólogo que es a la vez un homenaje y un exorcismo del dolor que siente por la muerte prematura de su esposa, Ana, una mujer que desprendía tanta belleza y plenitud que iluminaba  la grisura cotidiana y los sinsabores de su enfermedad, y que, como recuerda el desconsolado pintor, "con su sola presencia aligeraba la pesadumbre de vivir"

En Biblioteca: LIT 213

 

La intrahistoria de esta novela se debe a un hecho concreto de la vida de Miguel Delibes. En noviembre de 1974 falleció su esposa, Ángeles Castro, por enfermedad, en plena y -todavía- joven madurez. Como consecuencia de esta muerte prematura Delibes dejó de escribir durante años. En 1991 la editorial Destino publicaba Señora de rojo sobre fondo gris, novela que llevaba el mismo título que un retrato de Ángeles Castro pintado por Eduardo García Benito. Parece que el libro había surgido de un meditado proceso a manera de homenaje, recuerdo y declaración pública de amor.

 

 

Junto a la trama novelesca conviven en diferentes escalas y grados de manipulación literaria algunos elementos extraídos de la realidad:  el personaje de Nicolás es el alter ego del autor y Ana, la rememorada esposa de Nicolás, un trasunto de Ángeles de Castro, la esposa de Delibes. Por su parte,  García Elvira y Evelio Estefanía representan al pintor García Benito y del filósofo y ensayista Julián Marías.

Cuando Miguel Delibes ingresó en la RAE, poco meses después del fallecimiento de Ángeles, pronunció estas palabras en su discurso: “Soy consciente de que con su desaparición ha muerto la mitad de mí mismo”. El libro recoge además una frase que el académico Marías dedicó a Ángeles de Castro “Una mujer que, con su sola presencia, aligeraba la pesadumbre de vivir”.

 

 

Yo, Juan de Pareja (Velázquez)

OBRA LITERARIA

 

Título original: I, Juan de Pareja

Autora: Elizabeth Borton de Treviño

Año: 1965

Género: Novela histórica

Sinopsis: Juan es el esclavo del gran pintor español Diego Velázquez ... pero Juan es también artista que aprendió por su cuenta observando la técnica del amo. Si bien ese trabajo está prohibido a los esclavos, Juan ya no puede mantener su secreto. ¿Qué pasará cuando se sepa la verdad?"

En Biblioteca: LIT 297

Booktrailer

 

 

ARTISTA

 

 

 

Juan de Pareja.  Morisco, nació en Antequera hacia 1600 y murió en Madrid en 1670. Sirvió a Velázquez ocupado en las tareas de limpiar pinceles, moler colores y preparar cuadros; en secreto, se dedicaría a la pintura, llegando a realizar magníficas obras. No se sabe si Velázquez lo heredó o lo compró, pero gracias a su talento, consiguió la libertad a manos del propio rey.  Tras concederle la carta de libertad, de Pareja continuó al lado de Velázquez como pintor y asistente. Fue tal su maestría que varios cuadros suyos han sido atribuidos al propio Velázquez.

 

 

 

EL CUADRO 

Velázquez retrata a Juan de Pareja de medio perfil y con la cabeza ligeramente girada hacia el espectador al que mira con fijeza. Viste con elegancia capa y valona con encajes de Flandes. La luz incide directamente sobre la frente y se difunde con brillos broncíneos por la tez morena. La figura se recorta nítidamente sobre el fondo neutro a pesar de su reducida gama cromática, en la que dominan los verdes de distintas intensidades. El gesto es altivo y seguro. La mirada ladeada, especialmente, refleja ese carácter altivo y serio. Velázquez, como ya ocurría en sus retratos de bufones, es capaz de dotar de dignidad a los personajes que por su profesión o condición, carecen de ella en la consideración social.

 

Obras

Las historias y poemas creados por los grandes escritores han servido muchas veces de inspiración a los artistas. La plasmación artística de escenas de obras literarias es un fenómeno que con mayor o menor profusión se repite en el arte de todas las épocas, en la pintura es donde tenemos los ejemplos más claros.  Los artistas seleccionan episodios culminantes de los textos y concentran en ellos toda su fuerza figurativa resaltando los aspectos más dramáticos y por tanto susceptibles de mayor interpretación. En general el artista se debate entre la fidelidad al texto y su propia interpretación. Aprovecha la especificidad de su propia, llevando a buen término el dicho de que una imagen vale más que mil palabras.

La joven de la perla (Johannes Vermeer)

OBRA LITERARIA

Título original: Girl With a Pearl Earring

Autora: Tracy Chevalier

Año: 1999

Género: Novela histórica

Sinopsis: En la segunda mitad del siglo XVII, el pintor holandés Johannes Vermeer inmortalizó en una tela a una bella muchacha adornada con un turbante y un pendiente de perla. Sus labios parecen esbozar una sonrisa sensual, pero sus ojos irradian la tristeza más profunda. Conocido como la Mona Lisa holandesa, detrás de ese enigmático rostro se esconde Griet, una joven de origen humilde que a los dieciséis años entra a trabajar como doncella en casa del artista a cambio de un mísero salario. Su extraordinaria sensibilidad y el cuidado que pone en todo lo que toca atraen al maestro, quien poco a poco la introduce en su mundo, un paraíso inundado por una luz mágica y poblado por criaturas femeninas de singular belleza. La joven de la perla es la historia de una fascinación, de cómo surge un sentimiento que se mueve entre la admiración y el amor.

En Biblioteca
Obra literaria: LIT 21
Película: DVD WEB-PE 1

 

 

OBRA PICTÓRICA

 

 

 

La joven de la perla es una novela histórica inspirada en el afamado cuadro de Vermeer, La joven de la perla. Mediante la ficción, la escritora imagina y relata las circunstancias bajo las que el cuadro fue pintado. El retrato se conoce también como Muchacha con turbante o La Mona Lisa holandesa y es una de las obras maestras del pintor holandés. Como el propio título indica el artista utiliza un pendiente de perla como punto focal. Además, Vermeer, reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz, juega con la idea de la luz natural.

 

 

 

 

 

 

 

ARTISTA

Johannes Vermeer van Delft es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural. La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente se conocen 33 a 35 cuadros. Esto pudo deberse a que pintaba para mecenas, por encargo, más que para el mercado de arte. Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, muchas veces considerada de género, que forma la mayoría de su producción. Sus cuadros más conocidos son Vista de Delft y La joven de la perla. En vida fue un pintor de éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía, y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos. Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX, la pintura de Vermeer tuvo un amplio reconocimiento.  Actualmente está considerado uno de los más grandes pintores de los Países Bajos. Es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz. (Fuente: Wikipedia)

 

 

 

 

La nave de los locos (El Bosco)

OBRA LITERARIA

 

Título original: The Ship of Fools

Autor: Gregory Norminton

Año: 2002

Sinopsis: Un borracho malhablado, un glotón, una monja remilgada y un monje de dudosa erudición: ésta es solo parte de la tripulación a bordo de 'La nave de los locos', una embarcación que navega velozmente rumbo a ninguna parte gracias al genio de El Bosco. Vagamente conscientes del peligro que corren, los nueve pasajeros deberán contar historias para conjurar su destino. Inspirándose en el Decamerón de Bocaccio. Gregory Norminton teje en La nave de los locos un tapiz de relatos ingeniosos, surrealistas y ligeramente obscenos que harán las delicias de los lectores más desinhibidos.

En Biblioteca: LIT 313

 

 

 

La novela de Gregory Norminton, La nave de los locos, teje una historia que surge a partir de las imágenes de la propia obra pictórica. El cuadro de El Bosco se convierte en el eje que fudamenta la narración de Norminton e inspira al escritor, quien estructura las anécdotas e historias que van contando los diferentes personajes retratados por el artista.

OBRA PICTÓRICA

La nave de los locos (The Ship of Fools) es un cuadro del pintor flamenco El Bosco. Como el resto de obras carece de una datación unánime entre los especialistas, el uso de colores "frescos" empleados para pintar el cielo y el paisaje apuntan a que se trata de una obra tardía. Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París.

El Bosco realiza una crítica de la sociedad de la época en que fue pintada la obra. Mediante esta, retrata su propia visión del mundo y la de la época en la que le tocó vivir. Y en este propósito critica aquellas actitudes, conductas y tradiciones presentes en su sociedad, entre otras, el vicio en la vida monástica, la locura humana que cede a los vicios, las profanidades presentes en todos los grupos sociales, el juego y la bebida. La pintura tal como se conoce hoy en día es un fragmento de un tríptico, se completaría con Alegoría de la glotonería y la lujuria que se encuentra en la galería de arte de la Universidad de Yale, y La muerte de un avaro hoy en la Galería Nacional de Washington.

La obra del Bosco encuentra también sus fuentes en la literatura de la época:

En 1494 se publicó la obra satírica alemana La nave de los necios o Narrenschiff de Sebastian Brant. Se trata de un poema compuesto por 2079 octosílabos pareados en donde se narra el viaje de un grupo de locos, de diferentes clases sociales, a un país llamado Narragania, la tierra prometida de los insanos; existe además una segunda nave tripulada por cuerdos que se dirige a la tierra de la Cucaña o país de la eterna juventud. Brant acoge, en su simbólica nave, locos de todas las categorías, y hace que desfilen las debilidades humanas, cuestión esta última que refuerza la hipótesis de que el pintor se basara en este poema para realizar su obra. Cada uno de los tripulantes de la nave de Brant encarna uno de los vicios de la sociedad, de tal forma que la obra sirve para denunciar la condición mundana del ser humano.

 

Según la tesis de Desmonts sobre Dos primitivos holandeses en el Museo del Louvre este cuadro era parte de toda una serie de pinturas que ilustraban los cantos principales del poema de Brant. También existen paralelismos con el Elogio de la locura de Erasmo.

Como menciona Michel Foucault en su Historia de la Locura en la Época Clásica, las diversas formas plásticas y literarias son fiel reflejo de que "desde el siglo XV el rostro de la locura ha perseguido la imaginación del hombre occidental". Se explica así que la relación que establece El Bosco entre el vicio y la locura es característica de la literatura del siglo XV. Con esta obra, advierte sobre la pérdida de los valores eclesiásticos, la negligencia o la locura de los hombres con relación a la religión, en definitva, sobre todo lo que reina al final del siglo XV, en el ocaso de la Edad Media.

 

La subasta del lote 49 (Remedios Varo)

OBRA LITERARIA

 

Título original: The Crying of Lot 49

Autor: Thomas Pynchon

Año: 1966

Sinopsis: Un buen día, la señora Edipa Maas se entera de que ha sido nombrada albacea de una inmensa fortuna por su ex amante Pierce, un millonario californiano. Una serie de sorprendentes coincidencias la pondrán sobre la pista de un delirante misterio en el que se cruzan personajes tan estrafalarios como su marido, Mucho Maas -aficionado al grupo británico Dick el Sucio y los Volkswagen, pero en cuyo éxito no cree-, el doctor Hilarius -un obseso freudiano salido del campo de concentración de Buchenwald-, Gengis Cohen -un eminente filatélico de Los Angeles-, o los abogados Warpe, Wistfull, Kubitschek y McMingus, y el entrañable Randolph Driblette?También deberá enfrentarse con las más estrambóticas organizaciones, como la R.E.S.T.O.S. -una extraña red postal de proscritos-, o la no menos enloquecida Yoyodyne S.A., hasta caer en la cuenta de que la revelación final radica precisamente en la subasta del lote 49.

En Biblioteca: LIT 314

 

 

 

En su obra, Thomas Pynchon describe el momento en el que la protagonista de la novela, Edipa Maas, recuerda su viaje a Ciudad de México y su visita a una muestra de arte de la artista catalana, Remedios Varo. Una de las obras que llama la atención de Edipa es la parte central de un tríptico que lleva por título Bordando el manto terrestre. Pynchon lo describe así:

«En Ciudad de México, sin darse cuenta, habían acabado por entrar en una exposición de cuadros de la guapa española exiliada Remedios Varo; en el panel central de un tríptico titulado Bordando el manto terrestre había una serie de niñas delgaduchas con cara de corazón, ojos grandes, cabellera de oro en rama, encerradas en el habitáculo superior de una torre circular, bordando una especie de tapiz que se salía por las troneras y caía al vacío, tratando inútilmente de llenarlo; pues los demás edificios y criaturas, olas, barcos y bosques de la Tierra estaban dentro del tapiz y el tapiz era el mundo. Edipa, con morbo, se había detenido ante el cuadro y se había echado a llorar. Nadie se había dado cuenta; llevaba gafas semiesféricas de color verde oscuro. Durante un instante se había preguntado si la goma que las ajustaba alrededor de las cuencas estaría lo bastante prieta para dejar que fluyesen las lágrimas y llenaran lo cristales semiesféricos sin secarse nunca. De este modo podría llevar eternamente consigo la tristeza del momento, ver el mundo refractado por las lágrimas, por aquellas lágrimas concretas, como si indicaciones no descubiertas aún variasen significativamente entre un llanto y otro».

"De parte de la crítica literaria ya se ha señalado varias veces la importancia de esta escena para la estructura y la comprensión de La subasta del lote 49. [...] la intertextualidad de Pynchon con la pintora Remedios Varo ofrece datos reveladores para una análisis de este texto complejo, multicodificado y siempre de nuevo enigmático" así describe Susanne Klengel en su texto Remedios Varo y el undo literario de Pynchon la relación que se genera entre obra plástica y literaria. El escritor 'lee' la obra de Varo, reconocida por su carácter narrativo, descriptivo e ilustrador, y a su modo, Thomas la interpreta para posteriormente realizar su trabajo.

OBRA PICTÓRICA

 

 

La obra, Bordando el manto terrestre, de la artista Remedios Varo data de 1961. Junto con Hacia la Torre y La Huída componen un grupo de tres obras que destacan por la particularidad de poseer una doble narrativa; por un lado, la de toda pintura, y por otro, una literaria. De cada una de las obras emana una historia particular, al mismo tiempo que las tres en conjunto originan un relato distinto.

 

 

 

 

 

 

El velázquez de París

OBRA LITERARIA



Autora: Carmen Boullosa


Año: 2007


Sinopsis: A comienzos de 2001, en un pequeño restaurante de París, un hombre mayor manosea a las dos jovencitas que lo acompañan. Lo que más extraña a la voyeureuse de la mesa de al lado, es escuchar a este hombre jactarse de poseer algo tan extraordinario como el velázquez que fue dado por perdido durante el incendio del Real Alcázar de Madrid en la nochebuena de 1734. Se trata de La expulsión de los moriscos, cuya realización consagró al joven pintor como el más grande de todos los tiempos. Esta novela es la historia de ese gran cuadro, de su largo periplo, y traza para nosotros un vertiginoso camino que nos llevará de los territorios de la intimidad a los de la Historia, de la alucinación a la introspección realista, de la fantasía a la intensa relación que el arte mantiene con la vida. Como ya hizo con Cervantes en su maravillosa novela La otra mano de Lepanto (Siruela, 2005), Carmen Boullosa fabula sobre la vida y obra de otro de nuestros clásicos, y lo contempla a la luz de nuestro tiempo.


En BibliotecaLIT 296


 


 


La obra de Boullosa gira en torno a un lienzo de Velázquez, La expulsión de los moriscos, dado por perdido durante el incendio del Real Alcázar de Madrid en la nochebuena de 1734. El fuego se propagó rápidamente y se extendió a lo largo de cuatro días; fue de tal intensidad que algunos objetos de plata quedaron fundidos por el calor. En cuanto al rescate de las obras pictóricas se presentaban dos problemas, por un lado, su tamaño y, por otro, la ubicación de las mismas a distintas alturas a lo largo de las diversas salas. La pérdida de obras de arte fue cuantiosa, entre otras, consumida por el fuego, desapareció La expulsión de los moriscos de Velázquez.


Boullosa imagina qué es lo que pudo haber ocurrido con esta obra de arte; además, intepreta las distintas escenas, y describe cómo el lienzo va perdiendo su carácter estático para "ir cobrando vida", sin duda un ejercicio de imaginación, con el que busca acercar al lector al arte y a la época concreta en la que sucede tal hecho. La obra pictórica se convierte en testigo, en un testimonio de nuestra memoria. Como si de un retal de historia se tratase, la escritora traslada al lector en el tiempo y espacio, en definitiva, seduce con su narración. Boullosa sitúa al lector en la ciudad de la luz, París, en pleno siglo XXI; lo hace retroceder al Madrid del siglo XVIII, concretamente al año 1734, en el que el Real Alcázar se incendia y el cuadro es presuntamente salvado de las llamas, y, finalmente, lo sitúa en el momento histórico retratado por el el artista, la expulsión de los moriscos.


Guadalupe Martí-Peña, en su estudio Los avatares de un cuadro: arte y literatura en El sueño de Venecia de Paloma Díaz-Mas y El velázquez de París de Carmen Boullosa, apunta "La Historia y la historia del cuadro son en El velázquez de París una collage de historias y de interpretaciones por cuyos rotos se escapa la posibilidad de reproducir totalmente las escenas pictórica y narrativa que inspiran la (re)creación".


 


ARTISTA



 


Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, hacia el 5 de junio de 15991 - Madrid, 6 de agosto de 1660), conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal. El reconocimiento de Velázquez como gran maestro de la pintura occidental fue relativamente tardío. Hasta principios del siglo XIX raramente su nombre aparece fuera de España entre los artistas considerados mayores.127 Las causas son varias: la mayor parte de su carrera la consagró al servicio de Felipe IV, por lo que casi toda su producción permaneció en los palacios reales, lugares poco accesibles al público. Al contrario que Murillo o Zurbarán, no dependió de la clientela eclesiástica y realizó pocas obras para iglesias y demás edificios religiosos, por lo que no fue un artista popular. (Fuente: Wikipedia)


 


 


 


 


 

Elogio de la madrastra

OBRA LITERARIA

 

Autor: Mario Vargas Llosa

Año: 1988

Sinopsis: Con la sabiduría del meticuloso observador que es y gracias a la seductora ceremonia del bien contar, Vargas Llosa nos induce sin paliativos a dejarnos prender en la red sutil de perversidad que, poco a poco, va enredando y ensombreciendo las extraordinarias armonía y felicidad que unen en la plena satisfacción de sus deseos a la sensual doña Lucrecia, la madrastra, a don Rigoberto, el padre, solitario practicante de rituales higiénicos y fantaseador amante de su amada esposa, y al inquietante Fonchito, el hijo, cuya angelical presencia y anhelante mirada parecen corromperlo todo. La reflexión múltiple sobre la felicidad, sus oscuras motivaciones y los paradójicos entresijos del poder putrefactor de la inocencia, que subyace en cada una de sus páginas, sostiene una narración que cumple con las exigencias del género sin por ello deslucir.

En Biblioteca: LIT 311

 

 

 

LAS PALABRAS Y LAS IMÁGENES EN LA NOVELA

Intercaladas en los capítulos, aparecen reproducciones pictóricas pertenecientes a obras que abarcan un amplio período de la historia de la pintura: desde el gótico tardío de las anunciaciones de Fra Angelico hasta la desgarrada pintura de mediados del siglo XX de Francis Bacon, pasando por el flamenco Jacob Jordaens, el maestro veneciano del Renacimiento Tiziano Vecellio, el artista moderno peruano Fernando de Szyszlo y el pintor cortesano del siglo XVIII François Boucher.

Es una novela en la que palabra e imagen establecen una intensa relación de dependencia recíproca. La pintura no está al servicio de la literatura con un propósito ilustrativo. Por el contrario, ambas se potencian de manera conjunta, complementándose y, en una suerte de encadenamiento, impactando tanto el desarrollo de la novela como las interpretaciones que pueden desprenderse de la misma. En Elogio de la madrastra las imágenes no sólo cumplen un rol con su aparición en un lugar específico, sino que,  demás, tienen la función de subrayar o matizar elementos determinantes en el conjunto de la obra.

Lucrecia, la desnudez y la mirada

El cuerpo de doña Lucrecia es aquello que se mira, aquello que se erige ante múltiples espectadores como objeto de deseo.  Lucrecia es un objeto de deseo contemplado desde varios ángulos: parada y de espaldas en Candaules, rey de Lidia, muestra su mujer al primer ministro Giges (1648), sentada y de lado en Diana después de su baño de Boucher (1742), acostada y de frente en Venus con el Amor y la música de Tiziano (1548). Vistas en conjunto, las tres imágenes podrían constituir una especie de homenaje al Baño turco de Ingres (1862).  La pintura de Ingres no está expuesta en la novela pero aparece mencionada en los instantes previos a la revelación de Fonchito a su padre.

Don Rigoberto

Don Rigoberto, sumergido en sus rituales higiénicos y sus fantasías, se aparta de lo que lo rodea. En el capítulo 9, Semblanza de humano: «El cubo de vidrio donde estoy es mi casa. Veo a través de sus paredes pero nadie puede verme desde el exterior: un sistema muy conveniente para la seguridad del hogar, en esta época de tremendas asechanzas». Concentrado en sí mismo, está aislado de todo lo demás, como ese cuerpo monstruoso que está encerrado en un cubículo de cristal en el cuadro Cabeza 1 de Francis Bacon

Fonchito

Camino de Mendieta 10 de Fernando de Szyszlo. El cuadro tiene una relación estrecha con Fonchito. A diferencia de las demás pinturas referidas en la novela, esta no es una reproducción que esté bajo la llave de don Rigoberto, sino un cuadro que está presente en la sala de la casa. La imagen está pues a la vista de Fonchito y es él quien la trae a colación, cuando en el reposo del amor le expresa a doña Lucrecia: «Es tu retrato secreto […]. De lo que nadie sabe ni ve de ti. Sólo yo. Ah, y mi papá, por supuesto».

De alguna manera es Fonchito quien indirectamente asigna la voz del cuadro a doña Lucrecia, y en el capítulo 12 , Laberinto de amor, se encarga de enunciar en un lenguaje que se corresponde con la abstracción de la pintura, las implicaciones del triángulo erótico: «este aposento triádico […] es la patria del instinto puro y de la imaginación que lo sirve».

Don Rigoberto y el colapso de su fantasía individual

El universo de la fantasía de don Rigoberto se desploma al enterarse de lo que ha sucedido entre Fonchito y doña Lucrecia. El narrador trasmite lo que se produce en don Rigoberto en el capítulo 13, Las malas palabras: «Alcanzó a pensar que el rico y original mundo nocturno de sueño y deseos en libertad que con tanto empeño había erigido acababa de reventar como una burbuja de jabón».

Enterarse de lo sucedido representa para don Rigoberto aterrizar en la realidad de su propia existencia, darse cuenta de que sus ideales pueden tener cabida en su imaginación mas no en la realidad. Enfrentado a una situación en la que se comprometen sus consideraciones morales, su rol de padre y de esposo, don Rigoberto vive en carne propia la metamorfosis del erótico  antaseador en casto moralista: "[…] Y, súbitamente, su maltratada fantasía deseó, con desesperación, transmutarse: era un ser solitario, casto, desasido de apetitos, a salvo de todos los demonios de la carne y el sexo." Esa noción moral, así como los roles que se vinculan a la pureza en los que se transmuta su fantasía justifican la presencia en la novela, a modo de colofón, el cuadro La anunciación de Fray Angelico .

(Fuente: FANTASÍA Y REALIDAD: RELACIONES ENTRE PALABRAS E IMÁGENES EN ELOGIO DE LA MADRASTRA DE MARIO VARGAS LLOSA de Carlos Andrés Quintero Tobón)

 

Artes visuales

Las artes visuales son una rama del arte, que incluye las tradicionales artes plásticas e incorpora las nuevas formas de expresión artísticas surgidas hacia la segunda mitad del siglo XX, así como el uso de los avances tecnológicos (los denominados nuevos medios) que han dado lugar a la aparición de nuevas formas de expresión y entrecruzamiento entre disciplinas presente en el arte contemporáneo.

Las artes visuales engloban las tradicionales Artes plásticas, entre las que se incluyen dibujo, pintura, grabado y escultura, así como las expresiones que incorporan nueva tecnología orientada al arte o elementos no convencionales, y su mayor componente expresivo es visual, también llamado arte de los nuevos medios entre los que se incluyen: fotografía, arte digital, instalaciones...

 

Escultura

El ahogado más hermoso

OBRA VISUAL

 

Título original: The Handsomest Drowned Man

Año: 2012

Técnica y soporte: Técnica mixta

Artista: Tracey Snelling

Descripción: Madera, jardinería, espuma, agua de imitación, pintura, luces, pantalla lcd, reproductor multimedia, altavoz, transformador. Con base en El ahogado más hermoso del mundo de Gabriel García Márquez.

 

 

Para Contadores, Tracey Snelling ha creado cinco obras nuevas que están directamente inspiradas en la literatura y la poesía latinoamericanas. Snelling es conocida por sus instalaciones multimedia pequeñas, que podrían incluso llamarse video-esculturas. Por lo general, sus obras son concebidas como edificios pequeños, casi del tamaño de una casa de muñecas, con ventanas y puertas llenas de pequeñas pantallas lcd donde se desarrollan distintas historias. Aunque el cine es una fuente importante de inspiración para Snelling, es igualmente importante su interés por la literatura.

En este caso, la artista estadounidense utilizó la obra de Gabriel García Márquez, El ahogado más hermoso del mundo, como base para su obra.

 

 

OBRA LITERARIA

Título original: El ahogado más hermoso del mundo

Autor: Gabriel García Márquez

Año: 1968

Sinopsis: A la playa de un pueblo del Caribe las aguas traen el cadáver de un hombre extraordinariamente grande, bello y varonil. Las mujeres del pueblo lo preparan para el entierro y en su imaginación, el muerto va ganando cada vez más fuerzas sobrenaturales y superviriles. Fascinadas por este muerto desconocido le dan el nombre de Esteban, atribuyéndole una inmensa mansedumbre y humildad. También los hombres del pueblo, al ver el rostro del ahogado, van incorporándose a este mundo de fantasía en el que la figura del muerto se va transfigurando. Esta transformación idealizante del ahogado lleva poco a poco a un cambio de la conciencia de los moradores del pueblo. Cuando finalmente lo hunden en el mar, se dan cuenta de su propia triste situación y para mantener el recuerdo del gran muerto, el pueblo se transforma en su imaginación en un mundo paradisíaco que quieren edificar con su propio trabajo.

 

Isla Negra

OBRA VISUAL

 

Título original: Isla Negra

Año: 2012

Técnica y soporte: Técnicas mixtas

Artista: Tracey Snelling

Descripción: madera, jardinería, espuma, agua de imitación, pintura, luces, alambre electroluminiscente, pantalla lcd, reproductor multimedia, altavoz, transformador.

Snelling es conocida por sus instalaciones multimedia pequeñas, que podrían incluso llamarse vídeo-esculturas. Por lo general, sus obras son concebidas como edificios pequeños, casi del tamaño de una casa de muñecas, con ventanas y puertas llenas de pequeñas pantallas lcd donde se desarrollan distintas historias. Aunque el cine es una fuente importante de inspiración para Snelling, es igualmente importante su interés por la literatura.

 

 

 

Tracey Snelling ha creado una seria de obras que están directamente inspiradas en la literatura y la poesía latinoamericanas. Aunque el cine es una fuente importante de inspiración para Snelling, es igualmente importante su interés por la literatura. En este caso la artista escogió un poema del escritor y poeta chileno Pablo Neruda titulado La noche en la isla que forma parte de la publicación Los versos del Capitán:


 

OBRA LITERARIA

 

Título: La noche en la isla

Autor: Pablo Neruda

Año: 1952

Sinopsis: El libro está dividido en cinco grupos de poemas breves, entre ellos se encuentra La noche en la isla. Los versos del capitán es un libro del pomas publicado por primera vez de manera anónima en Italia en 1952, siendo impreso por su amigo Paolo Ricci. Apareció por primera vez bajo la autoría de Neruda en Chile en 1963.

En Biblioteca: LIT 324

 

 

 

Migración

OBRA VISUAL

 

Título original: Migração

Año: 2006

Técnica y soporte: Libros esculpidos en forma de alas, 250x250

Descripción: La Migración es una instalación compuesta de 12 libros de literatura brasileña tallados con formato de alas y dispuestos en la pared imitando la configuración clásica de la migración de las aves. Este trabajo fue realizado para la exposición Territorios de migración, en Buenos Aires, Argentina. Al igual que las aves, el arte no respeta fronteras y migra a alimentarse y reproducirse.

 

 

Para la exquisita pieza Migración, Morais transformó los libros en pequeñas esculturas, tallando impresiones de alas de cada uno de ellos. El texto con significado desaparece en favor de una contundente imagen visual. La forma potente y de inmediato reconocible de las alas convierte estos libros en pequeños tesoros. Son libros de arte en el mejor sentido de la palabra, que dan prioridad al signo sobre el lenguaje, a la imagen sobre la palabra. Lo que vemos y lo que podríamos leer en estos libros esculpidos se traduce en una metáfora cautivadora que hace referencia a los libros como una fuente inagotable de inspiración y admiración.

 

 

Niña mala

OBRA VISUAL

 

Título original: Niña mala

Año: 2012

Técnica y soporte: Técnicas mixtas

Artista: Tracey Snelling

Descripción: Madera, pintura, luces, alambre electroluminiscente, pantallas LCD, reproductores multimedia, altavoces, transformadores. Sobre la base de la niña mala por Vargas Llosa.

 

 

Para Contadores, Tracey Snelling ha creado cinco obras nuevas que están directamente inspiradas en la literatura y la poesía latinoamericanas. Snelling es conocida por sus instalaciones multimedia pequeñas, que podrían incluso llamarse video-esculturas. Por lo general, sus obras son concebidas como edificios pequeños, casi del tamaño de una casa de muñecas, con ventanas y puertas llenas de pequeñas pantallas lcd donde se desarrollan distintas historias. Aunque el cine es una fuente importante de inspiración para Snelling, es igualmente importante su interés por la literatura.

Para esta obra, la artista tomo como referencia la novela Travesuras de la niña mala, de Mario Vargas Llosa.

OBRA LITERARIA

 

 

Autor: Mario Vargas Llosa

Año: 2006

Sinopsis: Su primera novela de amor. En ella narra la relación tormentosa y enfermiza de dos amantes durante cuatro décadas, con el trasfondo de los tumultuosos cambios políticos y sociales que se vivieron en la segunda mitad del siglo XX en lugares como Lima, París, Londres, Tokio o Madrid.

 

 

 

 

 

 

 

Noche lluviosa

OBRA VISUAL

 

Título original: Rainy Night

Año: 2013

Técnica y soporte: Técnica mixta

Artista: Tracey Snelling

Descripción: Madera, pintura, agua de imitación, luces, pantalla lcd, reproductor multimedia, altavoz, transformador. Basado en Como quien oye llover, de Octavio Paz.

 

 

Para “Contadores”, Tracey Snelling ha creado cinco obras nuevas que están directamente inspiradas en la literatura y la poesía latinoamericanas. Snelling es conocida por sus instalaciones multimedia pequeñas, que podrían incluso llamarse video-esculturas. Por lo general, sus obras son concebidas como edificios pequeños, casi del tamaño de una casa de muñecas, con ventanas y puertas llenas de pequeñas pantallas lcd donde se desarrollan distintas historias. Aunque el cine es una fuente importante de inspiración para Snelling, es igualmente importante su interés por la literatura.

En este caso la artista tomo como referencia el poema Como quien oye llover, de Octavio Paz.

 

OBRA LITERARIA

Título original: Árbol adentro (Como quien oye llover)

Autor: Octavio Paz

Año: 1987

Sinopsis:

 

 

 

 

 

Termina el desfile

OBRAS VISUALES

 

Título original: The Parade Ends

Año: 2012

Técnica y soporte: Técnica mixta

Artista: Tracey Snelling

Descripción: Madera, pintura, carbón, luces, pantalla lcd, reproductor multimedia, altavoz, transformador. Basado en el Desfile Final por Reinaldo Arenas.

 

 

 

 

Para Contadores, Tracey Snelling ha creado cinco obras nuevas que están directamente inspiradas en la literatura y la poesía latinoamericanas. Snelling es conocida por sus instalaciones multimedia pequeñas, que podrían incluso llamarse video-esculturas. Por lo general, sus obras son concebidas como edificios pequeños, casi del tamaño de una casa de muñecas, con ventanas y puertas llenas de pequeñas pantallas lcd donde se desarrollan distintas historias. Aunque el cine es una fuente importante de inspiración para Snelling, es igualmente importante su interés por la literatura.

En este caso Snelling, tomo la obra Termina el desfile de Reinaldo Arenas como base para crear esta pieza artistica.

 

OBRAS LITERARIAS

 

Título original: Termina el desfile

Autor: Reinaldo Arenas

Año: 1981

Sinopsis: Traza un retrato vivo y barroco de la Cuba que conocio: la colorista marea humana que trajo la Revolucion. La  emocionante descripción de las nostalgias y odios acerca de una tierra de la que salio huyendo.

 

 

 

 

 

Fotografía

Tú también puedes caminar

OBRA VISUAL

 

Título original: You can walk, too

Año: 2006

Técnica y soporte: Fotografía digital, 110x140

Artista: Cristina Lucas

Descripción: En 2006 presentaba un vídeo titulado Tú también puedes caminar en el que ofrecía una analogía entre las habilidades de los perros para desplazarse sobre sus dos patas traseras y la capacidad de las mujeres para pensar. Una divertida referencia a la consideración machista tradicional sobre el papel femenino, que se rodó en el pueblo gaditano de Vejer de la Frontera.

 

 

Tú también puedes caminar está basado en la cita de unos críticos que recoge Virginia Woolf en su libro Una habitación propia. Esta crítica compartida por Nick Greene, Dr. Jonson y Cecil Gray dice: Señores; una mujer que se dedica a la cultura es como un perro que anda sobre sus patas traseras. No lo hace bien, pero ya sorprende que pueda hacerlo en absoluto. En Tú también puedes caminar vemos la respuesta de la artista, no sin un tono de humor corrosivo, a esta crítica que desgraciadamente sigue latente en algunos sectores de la sociedad en muchos rincones del mundo. En formato de vídeo y de fotografía nos enfrentamos a la imagen de los perritos caminando sobre sus patas traseras en diversos entornos domésticos  donde las mujeres desarrollan sus actividades cotidianas. La graciosa presencia de los perritos andando a dos patas enmascara de forma irónica una dura crítica hacia la desigualdad social y de género todavía vigente no solo en el territorio en el que nos encontramos sino en otros muchos donde las mujeres no tienen el derecho de expresar sus ideas ni ejercer una profesión de libre elección.
 
 
OBRA LITERARIA
 
 
Título original: A Room of One's Own
 
Autora: Virginia Woolf
 
Año: 1929
 
Sinopsis: En 1928 a Virginia Woolf le propusieron dar una serie de charlas sobre el tema de la mujer y la novela. Lejos de cualquier dogmatismo o presunción, planteó la cuestión desde un punto de vista realista, valiente y muy particular. Una pregunta: ¿qué necesitan las mujeres para escribir buenas novelas? Una sola respuesta: independencia económica y personal, es decir, Una habitación propia. Sólo hacía nueve años que se le había concedido el voto a la mujer y aún quedaba mucho camino por recorrer. Son muchos los repliegues psicológicos y sociales implicados en este ensayo de tan inteligente exposición; fascinantes los matices históricos que hacen que el tema de la condición femenina y la enajenación de la mujer en la sociedad no haya perdido ni un ápice de actualidad. Partiendo de un tratamiento directo y empleando un lenguaje afilado, irónico e incisivo, Virginia Woolf narra una parábola cautivadora para ilustrar sus opiniones. Un relato de lectura apasionante, la contribución de una exquisita narradora al siempre polémico asunto del feminismo desde una perspectiva inevitablemente literaria.
 
En Biblioteca: LIT 306
 
 
 
 

Instalación

Dubling

OBRA VISUAL

 

Título original: Dubling

Año: 2010

Técnica y soporte: Técnica mixta

Artista: Elida Tesseler

Descripción: Instalación concebida a partir de 4311 gerundios retirados de la novela Ulysses de James Joyce, reuniendo 4311 botellas, 4311 corchos con palabras impresas y 4311 postales.

 

 

 

Dubling, de 2010, rinde homenaje a la obra maestra literaria de James Joyce. Tessler se inspiró para crear el trabajo en una experiencia inusual que vivió en un café de Francia, donde ordenó una botella de vino corriente en la que el corcho traía estampada la palabra espérance (esperanza). Mientras abría la botella, el mesero se encogió de hombros y divagó sobre el romance, citando a James Joyce: “El hombre y la mujer, el amor, ¿qué son? Un corcho y una botella”. A su regreso a su casa de Porto Alegre, en Brasil, Tessler visitó todos los días un café, donde leyó Ulises en inglés y portugués en seis ocasiones, marcando cada verbo que pudo encontrar ―4311 de ellos―. Luego usó las formas de gerundio de todos estos verbos para su instalación. Los verbos se estamparon cada uno en un corcho y estos se insertaron en 4311 botellas de vino vacías. Además, en un cajón de madera largo, parecido a un archivo de biblioteca, la artista guardó 4311 tarjetas postales con fotografías del río Liffey, en Dublín, Irlanda, que se muestran junto con los diferentes gerundios.

 

OBRA LITERARIA

 

Título original: Ulysses

Autor: James Joyce

Año: 1922

Sinopsis: Ulises es un hito en la historia no solo de la literatura universal, sino de la mente humana. Supone la toma de conciencia de que la vida mental humana no se da sino en forma de lenguaje -palabras, gramática, melodía de la frase-. La «palabra interior» aparece aquí, a trechos, al descubierto, pero, aun siendo la línea más llamativa en Ulises, es solo una entre otras: cada uno de sus dieciocho capítulos está escrito en un estilo diferente, casi siempre como imitación o parodia de estilos previos, o bien creando una magna fantasmagoría como la del capítulo 15, el verdadero «corazón del libro». La presente traducción -que obtuvo el Premio Nacional de Traducción de 1976-, la más importante de las realizadas por José María Valverde, poeta e historiador de las letras y las ideas, incorpora, en esta nueva aparición, las variantes de la famosa edición Gabler, fruto de una larga investigación filológica, y modifica algunos matices de la primera versión. «En el Ulises hay sentencias, hay párrafos, que no son inferiores a los más ilustres de Shakespeare o de sir Thomas Browne.»

En Biblioteca: LIT 309

 

 

Love Story V

OBRA VISUAL

Título original: Love Story V

Año: 2008

Técnica y soporte: 500 libros con la palabra amor

Artista: Valeska Soares

Descripción: Love Stories reúne quinientos libros que contienen en sus títulos la palabra amor ―en cinco idiomas―. Valeska Soares se atreve a abrazar el tema más sentimental de la literatura y al mismo tiempo evita hacer referencia a alguna de las historias de amor más icónicas de todos los tiempos. Su enfoque da prioridad a la palabra amor sobre la historia de amor real que se transmite en un libro. Soares no reinterpreta lo que se ha escrito, sino que lo despoja completamente de significado y contenido, haciendo alusión solo al idioma original de los libros (como se entiende en los diferentes códigos de colores de los libros), lo que nos permite, como espectadores, proyectar nuestras propias historias sobre las páginas en blanco de libros a cuyos orígenes e historias nunca tendremos acceso real.

 

Ilustración

Alicia en el País de las Maravillas

OBRA VISUAL

 

Título: Alicia en el País de las Maravillas

Año: 1969

Técnica y soporte: Heliograbados y aguafuerte

Artista: Salvador Dalí

Descripción: Dalí viste a la Alicia de Carroll de una manera resplandeciente y sorprendentemente nueva, reflejando con gran ingenio los diversos elementos de la narración, mientras que nos permite “vivir la obra” de una manera directa, con frescura, humor y capricho, mostrándose como un gran colorista y elegante fabulador. En ese sentido, el uso de colores intensos muestra a un artista que sabe manejar el Pop Art.

Dossier documental en DokuArt

 

 

 

Los libros de Lewis Carroll Alicia en el País de las Maravillas y Alicia a través del espejo han sido muy populares en su forma original y han servido como base para muchas obras subsiguientes desde su publicación. Han sido directamente adaptados a otros soportes, se han introducido sus personajes y situaciones en otras obras, y todos estos elementos se han mencionado innumerables veces como elementos familiares en una cultura compartida.

Este es el caso del artista surrealista Salvador Dalí, quien hizo una serie de ilustraciones de una manera muy ingeniosa, a modo de experiencia complementaria, para conmemorar el centenario de la primera edición de dicha obra en francés. Este proyecto concluyó con la publicación de este libro, el 14 de agosto de 1969. Dalí no quiso hacer la traducción de un texto literario a otro medio, sino que su intención fue proveer de una experiencia complementaria y, de esa forma, por lo menos de manera implícita, rechazó las representaciones miméticas de John Tenniel, quien en 1864, a petición del propio Carroll y por 138 libras, ilustró su obra con las famosas 34 viñetas que han servido de modelo para muchas otras ilustraciones, incluso las de Disney.

El texto de Carroll se acompañaba de 12 heliograbados y 1 aguafuerte, uno por capítulo, más un grabado en cuatro colores a modo de portada. Se trató de una edición limitada.

 

OBRA LITERARIA

 

Título original: Alice's Adventures in Wonderland

Autor: Lewis Carroll

Año: 1865

Sinopsis: Un día aburrido como tantos otros, Alicia se duerme y de este modo entra en el País de las Maravillas de la mano del Conejo Blanco. Allí conocerá a la Falsa Tortuga, la Reina de Corazones, el Gato de Chester, la Duquesa, el Sombrerero Loco o la Liebre de Marzo, entre muchos otros personajes fantásticos con los que vivirá aventuras de lo más variopintas.

En Biblioteca: INF 846

 

 

 

 

Rapunzel creciendo en el jardín

OBRA VISUAL

Título original: Rapunzel Growing in the Garden

Año: 1969

Técnica y soporte: Grabado en negro, 18x13

Artista: David Hockney

Dossier documental en DokuArt

Descripción: «Este es uno de los cuentos más famosos. Me gustó la versión del New York Times... hicieron una crítica bastante extensa de la muestra cuando expuse en Nueva York. Me encantó eso que decían de que, bien pensado, los relatos resultan bastante locos y extraños. En términos modernos podrían contar la historia de una pareja que se traslada a vivir a una casa y ven que en el jardín vecino crece una lechuga; a la mujer se le antoja la lechuga hasta el punto de quererla a toda costa y saltar al otro lado para cogerla. Entonces, la anciana que habita la casa le dice: “está bien, puedes quedarte con la lechuga si me das a tu hijo”, y así lo acuerdan. Contarlo con esas palabras e imaginarlas sellando ese pacto en sus chalets adosados nos parecería increíble. Me gustó esa traducción que hacen a un estilo moderno.

Éste es uno de los pocos aguafuertes que hice totalmente libre de referencias. Es absolutamente ficticio. Me inventé el jardín. En Inglaterra el término Rapunzel se traduce por “rampion” (rapónchigo) , una especie de hoja comestible en ensaladas; pero como no encontré ninguna imagen, el aspecto es el de una simple lechuga. Luego está la vieja que quiere al niño. En una traducción recibe el nombre de bruja, en otra, el de hechicera. Y aunque fue otro quien tradujo los cuentos yo volví a cambiar palabras, así que, de alguna forma, yo colaboré en la traducción al inglés. Sea como fuere, prefería el término “hechicera”; me pareció que no era tan duro con ella como el de “bruja”. Una vez más, el grabado es inventado. Aunque creo que, en parte, está tomado de Brueghel, un detalle de un cuadro de Brueghel...” David Hockney

 

Hockney se declara un enamorado de los cuentos, y especialmente los de los hermanos Grimm. En una  serie de grabados, realizados en 1969 y publicados en 1970, Hockney no pretende ilustrar de forma literal los cuentos, sino que ilustra escenas que por algún motivo le divierten o que ofrecen retos plásticos interesantes, e incluso en algunas de ellas aporta o prescinde de elementos, variando los pasajes sin por ello cambiar el significado de los relatos. En Rapunzel creciendo en el jardín, Hockney sustituye a la bruja por una hechicera para humanizarla y compone el huerto con árboles de aspecto ornamental, inspirados en Leonardo. El artista construye un jardín de cuento de apariencia excéntrica, con dos árboles y un monumento de piedra. Hockney juega con el espectador al hacerle creer que la mujer asomada a la ventana de la torre del grabado es Rapunzel cuando en realidad es su madre, que entrega su hija a la hechicera.

 

OBRA LITERARIA

 

Título original:  Rapunzel

Autor: Los Hermanos Grimm

Año: 1812

Sinopsis: Una pareja que quería un hijo, vivía al lado de un jardín rodeado de paredes que pertenecía a una bruja malvada. La esposa finalmente embarazada, ve unas campanillas plantadas en el jardín, y las anhela hasta la muerte. Su marido decide ir a juntar algunas para ella y termina enfrentándose con la bruja, llamada la Bruja Gothel, quien lo acusa por robo. Él le ruega piedad, entonces la bruja le da algunos Rapunceles para que se los lleve a su casa con la condición de que el hijo que está esperando su esposa le sea entregado al momento de su nacimiento. Él acepta. El bebé nace, la bruja aparece, le designa el nombre de Rapunzel y se la lleva. Cuando Rapunzel cumple quince años y se convierte en una hermosa doncella, la bruja la encierra en una torre en el medio del bosque.

 

Esta iba a visitarla todos los días y le pedía que deje caer su largo cabello dorado, para luego trepar hasta la torre. («Rapunzel, Rapunzel, deja tu pelo caer, así puedo trepar la escalera dorada»). Un día, el príncipe, el hijo del Rey, oye a Rapunzel cantando en la torre, busca una puerta, pero, sin encontrar ninguna forma de entrar, decide quedarse. Vuelve seguido a escucharla cantar, hasta que un día pudo ver a la bruja visitando a Rapunzel, y de esta manera aprendió cómo llegar hasta ella. Le pidió que deje caer su cabello, y así subió hasta donde estaba ella. Desde aquel día comenzó a frecuentarla, se enamoraron y él le propuso matrimonio. Ella aceptó.

Juntos planean una forma de sacarla de la torre: él irá todas las noches, evitando a la bruja que la visita de día, y llevará seda, con la que Rapunzel tejerá hasta formar una escalera. La bruja descubre que el príncipe, el hijo del Rey, está visitando a Rapunzel, lo que la lleva a cortarle el pelo y abandonarla en medio de un campo desierto. Cuando el príncipe llegó a la noche siguiente, la bruja se ocupó de bajar las trenzas hasta donde estaba él. Cuando el príncipe se encontró con la bruja en la torre, esta le dijo que jamás volvería a ver a Rapunzel. Él, desesperado, cae de la torre sobre unas espinas que había abajo, quedando ciego.

Termina rindiéndose porque ya no podría volver a ver jamás. Rapunzel, que había quedado embarazada del príncipe, y da a luz dos gemelos sola en el desierto. Al poco tiempo, el príncipe encuentra a Rapunzel y a sus hijos, quien al encontrarlo en tal estado decide llevarlo hasta su casa. Rapunzel ve, y descubre al príncipe ciego y llora triste y frustrada de dolor; las lágrimas de Rapunzel caen en los ojos del apuesto príncipe y él recupera la vista. Finalmente, el príncipe y Rapunzel se van al reino con sus hijos, se casan y son felices para siempre. (Fuente: Wikipedia)

En biblioteca: INF 925

 

Pintura

El bebedor de absenta

OBRA VISUAL

 

Título original: Le buveur d'absinthe

Año: 1858-59

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 181x106

Artista: Edouard Manet

Descripción: La figura del trapero Collardet aparece a tamaño natural, embozado en una capa raída y con un alto sombrero de copa. En el pequeño muro que vemos tras él se aprecia la copa de absenta, mientras en primer plano contemplamos la botella, tirada en el suelo. El bebedor se recorta sobre un fondo neutro, iluminado con la luz de las farolas de la calle, con las que crea un excelente claroscuro que recuerda el tenebrismo de Caravaggio. El empleo de los tonos oscuros, sobre todo negros y marrones, vendría motivado por esa afición al Barroco español. La pincelada empleada es bastante suelta, destacando el rostro, que sería la causa del rechazo del Salón. Pero la base dibujística aprendida en el taller de Couture se aprecia aquí claramente, como en todas las obras del maestro. Por eso contemplamos una figura volumétrica, perfectamente asentada en el espacio y que consigue sensación de perspectiva al situar los elementos en los distintos planos de la escena. (Fuente: ArteHistoria)

 

En 1859 Manet presentaba esta obra al Salón de París, institución artística de carácter oficial en la que se consagraban los artistas franceses. El jurado rechazó el cuadro, con sólo un voto a favor, posiblemente el de Delacroix. La justificación para rechazarlo vendría por el abocetado con que fue realizado, aunque esto más bien parece una excusa. Lo que no gustó fue el tratamiento de un trapero borracho como un héroe, igual que hacía Baudelaire en su obra Las flores del mal, en la que el pintor se inspiró, de modo que la censura de los textos del poeta se extendió al lienzo de Manet.

El 20 de agosto de 1857  Boudelaire es acusado de ultraje a la moral pública, por lo que se ve obligado a quitar seis de sus poemas. Hemos de tener en cuenta que Baudelaire, a raíz de esta condena, se decide a cultivar otro género literario que él califica «más peligroso todavía que el poema en verso», el poema en prosa. Baudelaire se centra en la descripción del mal, en la apología de lo satánico y en el tratamiento del hombre como ser miserable y perverso y poseedor del cuerpo como instrumento para todo tipo de vicios. En esta obra  Baudelaire expone la teoría de las correspondencias y, sobre todo, la concepción del poeta moderno como un ser maldito, rechazado por la sociedad burguesa, a cuyos valores se opone. El poeta se entrega al vicio (a la prostitución y la droga). Esta obra es la conciencia del mal. Nace así el malditismo, la búsqueda de la autodestrucción, la inmolación del artista como víctima.

Este libro puede leerse perfectamente como un tratado moral. El poeta usa la poesía contra la culpa, el error y demás taras éticas de un mundo y del ser humano. En líneas generales, la poesía de  Baudelaire refleja un alma insumisa, contraria a los prejuicios morales y sociales de la época que le tocó vivir. A través de la poesía expresa el hastío ante todo lo que le rodea.

 

OBRA LITERARIA

 

Título original: Les Fleurs du mal

Autor: Charles Baudelaire

Año:1853

Sinopsis: Envuelta en escándalo en el momento de su aparición (la primera edición, en 1857, padeció la supresión de los seis célebres poemas condenados por el Tribunal Correccional de París), Las flores del mal inauguró una poética innovadora que se traduce en la búsqueda de la musicalidad del poema, en la audacia de la imagen y en el famoso sistema de correspondencias que habría de dar origen al movimiento simbolista. Desgarrada entre la sensualidad y el espiritualismo, entre la atracción de la belleza y el poder del mal, la poesía de Charles Baudelaire (1821-1867) -trasladada de forma exquisita al castellano por Carmen Morales y Claude Dubois- se enraiza en la soledad del hombre contemporáneo.

En Biblioteca: LIT 300

 

 

 

La bella dama sin piedad I

OBRA VISUAL

 

 

Título original: La Belle Dame Sans Merci

Año: 1893

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 112 x 81

Artista: John William Waterhouse

Descripción: La dama, sentada en el bosque, atrapa al caballero envolviéndolo con sus cabellos, influencia tal vez del mencionado boceto de Rossetti, y mirándolo fijamente con deseo. Él se inclina, a pesar de aferrarse con su mano izquierda a una rama para resistirse, mientras que con la derecha sujeta su lanza apuntando a la hada, en probable alegoría sexual. Aunque ella está ligeramente más baja que el caballero, su protagonismo se ve resaltado por su piel pálida, que destaca en contraste con la oscuridad del cuadro.

 

 

La Belle Dame Sans Merci ha tenido mucha influencia en los artistas Pre-Rafaelistas. El simbolismo y la tristeza en el poema, junto con su dama fatal han hecho difícil que no se puedan resistir. Ha inspirado numerosos cuadros, como este de John William Waterhouse.  Esta obra se inspira en los dos últimos versos de la quinta estrofa: She looked at me as she did love / And made sweet moan.

La Belle Dame sans Merci es un poema de John Keats, escrito en 1819, del que existen dos versiones. La primera es la original escrita por Keats el 21 de abril de 1819. La segunda es una alteración del manuscrito original publicada en el Indicador Hunt el 20 de mayo de 1819.

El título pertenece a un poema del siglo XV de Alain Chartier. Además, es probable que, para dar vida a su bella dama sin piedad, Keats se inspirara en Lamia, otro poema de su autoría en el que una mágica mujer serpiente se transforma en mujer al enamorarse de un joven, junto al que vive feliz hasta que el hechizo se rompe.

 

OBRA LITERARIA

 

 

Título original: La Belle Dame Sans Merci

Autor: John Keats

Año: 1819

Sinopsis: Un caballero relata al poeta su encuentro con un hada misteriosa, a la que subió a lomos de su caballo y acompañó hasta una gruta fabulosa, donde hicieron el amor incansablemente. Sin embargo, mientras duerme, el caballero tiene un sueño en el que reyes moribundos le advierten que la dama sin piedad lo ha esclavizado.

 

 

 

 

 

 

La bella dama sin piedad II

OBRA VISUAL

Título original: La Belle Dame Sans Merci

Año: 1902

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 137.2 x 188

Artista: Frank Dicksee

Descripción: La versión más cálida y luminosa de este tema. Se basa de nuevo en la sexta estrofa. El caballero de brillante armadura abre sus brazos extasiado ante la belleza y la voz de la hada, que se inclina desde su montura para cantarle y seducirle mientras parece querer cubrirlo con su cabellera. Ella lleva puesta además la guirnalda que le había hecho el caballero en la quinta estrofa: I made a garland for her head. El rostro de la dama es el vértice superior del triángulo compositivo, aunque su protagonismo está menos pronunciado por su acción inclinatoria. Aquí el centro de atención es la mirada entre los dos protagonistas.

 

Sir Frank Bernard Dicksee (1853 – 1928), otro de los artistas que trató temas épicos y clásicos con un estilo pre-rafaelista, aunque él mismo no llegase a pertenecer a la Hermandad Pre-Rafaelista.

La obra retrata a La bella dama sin piedad, una balada de John Keats escrita a principios del siglo XIX, que a su vez se inspira en un poema escrito por Alain Chartier en el siglo XV.

El poema y el cuadro describen el encuentro entre un caballero y un hada, aunque al final del poema nos queda la duda de si todo ha sido un sueño o no (cosa que en la pintura se consigue dando un aire onírico a la escena).

 

OBRA LITERARIA

 

 

Título original: La Belle Dame Sans Merci

Autor: John Keats

Año: 1819

Sinopsis: Un caballero relata al poeta su encuentro con un hada misteriosa, a la que subió a lomos de su caballo y acompañó hasta una gruta fabulosa, donde hicieron el amor incansablemente. Sin embargo, mientras duerme, el caballero tiene un sueño en el que reyes moribundos le advierten que la dama sin piedad lo ha esclavizado.

 

 

 

 

 

Isabella y la maceta de albahaca

OBRA VISUAL

Título original: Isabella and the Pot of Basil

Año: 1866-68

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 187x116.5

Artista: William Holman Hunt

Descripción: La historia es acerca de una muchacha llamada Isabella, hija única de un rico comerciante. Al fallecer su padre recibe como herencia una suculenta dote para que se case con un hombre rico y de bien. En cambio, sus avariciosos hermanos esperan casarla con un hombre rico que se conforme con una pequeña dote, para así poder quedarse una buena parte de la herencia de su difunto padre.

Isabella se enamora de un muchacho que trabaja con los hermanos como mozo de almacén y cuya cabellera desprende aroma a albahaca. Lorenzo es un muchacho pobre, pero la pareja está tan enamorada que ambos deciden casarse en secreto. Los hermanos para evitarlo lo envían a hacer un recado al bosque, donde lo asaltan, lo matan y lo entierran.

Lorenzo se le aparece en sueños a Isabella para contarle lo sucedido y donde está enterrado. Isabella que no da crédito, pero viendo que su amado tarda en volver, decide seguir las instrucciones del sueño y descubre el cadaver de Lorenzo. Toma la cabeza decapitada de su amante y la lleva consigo a casa, donde la entierra en una hermosa maceta sobre la que plantó albahaca en su honor.

La historia es recurrente en la pintura inglesa y sobre todo en el prerrafaelismo, debido a su procedencia de la cultura medieval y por ser un romance con un trágico final. Isabella enloquecida y abrazada a su maceta de albahaca.

El énfasis en la sensualidad, colores ricos y elaborados objetos de decoración refleja el creciente movimiento estético y características similares en el trabajo del pre-Rafaelita Hunt.

 

La historia de Isabella y Lorenzo está recogida en el poema de John Keats, Isabel o la Maceta de Albahaca inspirado a su vez en el cuento de Lisabetta y su maceta de Albahaca incluido en El Decameron de Boccaccio.

Cuando el cuadro se expuso por primera vez en Londres, en abril de 1868, la entrada de la exposición llevaba impresos los versos del poema de Keats, en los que está inspirado el cuadro.

 

OBRA LITERARIA

 

 

Título original: Isabella, or the Pot of Basil

Autor: John Keats

Año: 1818

Sinopsis: Isabel, o la maceta de albahaca, que describe la relación entre Isabel, la hermana de ricos mercaderes medievales, y Lorenzo, un empleado de los hermanos de la  reina Isabel.

 

 

 

 

Como hemos mencionado anteriormente, la historia de Isabela y Lorenzo está recogido en el poema de John Keats, Isabella, or the Pot of Basil, que a su vez esta inspirado en el cuento de Lisabetta y su maceta de Albahaca incluido en El Decameron de Boccaccio, una colección de cien historias en la que su autor pretende mostrarnos la pequeña distancia que hay entre lo carnal y lo trágico.

EL DECAMERÓN. CUARTA JORNADA, NARRACIÓN QUINTA

Los hermanos de Isabetta matan a su amante, éste se le aparece en sueños y le muestra dónde está enterrado, ella ocultamente le desentierra la cabeza y la pone en un tiesto de albahaca y llorando sobre él todos los días durante mucho tiempo, sus hermanos se lo quitan y ella se muere de dolor poco después. 

 

 

Lamia

OBRA VISUAL

 

 

 

Título original: Lamia

Año: 1905

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 57 x 36

Artista: John William Waterhouse

Descripción: Se ve al caballero medieval rendido a los pies de una dama Lamia. Está indefenso, su espada y escudo yacen fuera de su alcance, el yelmo descansa a su lado. Lamia con su mirada inmoviliza al caballero, mientras sus dedos lívidos acarician el frío acero de la armadura.

 

 

 

 

Lamia es una pintura del pintor inglés John William Waterhouse, terminada en 1905. Dicen que esta pintura está realizada bajo la luz del poema de John Keats, Lamia (1819), fuente de inspiración del cuadro. Este ultimo es un poema narrativo donde se exploran temas habituales de la obra de John Keats, como la tensión entre razón y sensación y la cualidad ilusoria pero potencialmente redentora de la poesía y el amor.

John Keats se inspiró en La novia de Corinto, una historia que aparece en la Anatomía de la melancolía de Robert Burton, quien a su vez la tomó de la Vida de Apolonio de Tiana de Filóstrato.

 

OBRA LITERARIA

 

Título original: Lamia

Autor: John Keats

Año: 1819

Sinopsis: El poema, cuenta cómo el dios Hermes escucha hablar sobre una ninfa que es la más hermosa de todas. Hermes busca a la ninfa, pero termina encontrándose con una Lamia, atrapada en la forma de una serpiente. Ella le ofrece revelarle a la hermosa ninfa a cambio de que le devuelva su forma humana. El dios acepta el trato y se marcha con la ninfa, y una vez en forma humana la Lamia va en busca de Licio, un joven de Corinto. Sin embargo, la relación entre Licio y la Lamia es destruida cuando el sabio Apolonio de Tiana revela la verdadera identidad de la Lamia en su banquete de bodas, momento en que ella regresa a su forma de serpiente y Licio muere de dolor y pena.

 

 

 

 

Lesbia y su gorrión II

OBRA VISUAL

 

 

Título original: Lesbia with her Sparrow

Año: 1916

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 99 x 49.5

Artista: John William Godward

Descripción:  Lesbia, con hermosa túnica azafranada prendida con cintas de púrpura y ceñida con estola, lo ha sacado de su jaula de marfil para que juegue con ella y lo mira absorta. La pintura que decora la habitación está inspirada en los frescos pompeyanos; la mesa de mármol sobre trapezóforos parece un correlato del de la casa de Octavio Primo de Pompeya; la silla tipo klismos sigue la moda griega.

 

 

 

 

 

El tema de Lesbia y su gorrión ha servido de inspiración a gran cantidad de pintores. El inglés John William Godward (1861-1922), protegido de Alma-Tadema, de quien aprendió el gusto por el detalle arqueológico, se ocupó del asunto en 1916. Aunque la pintura se conoce como Lesbia with her Sparrow, el pajarillo parece más bien un jilguero. la fuente de inspiración para realizar esta obra viene de un poema del poeta latino Gayo Valerio Catulo, más conocido como Catulo de Verona. El poema al que nos referimos es el llamado Lesbia, que entra dentro de los poemas más memorables de Catulo.

Lesbia era la mujer de sus amores y la musa de su poesía, no sabemos si real (Clodia, una de las hermanas de Publio Clodio) o de ficción, pero ella fue la que marcó el vaivén de sus sentimientos, que podían pasar del éxtasis al sufrimiento, dependiendo del grado de complacencia de esta musa/mujer.

 

OBRA LITERARIA

 

Título original: Lesbia

Autor: Gayo Valerio Catulo

Sinopsis: Los poemas a Lesbia, expresan profunda pasión, devoción, desprecio y odio hacia una dama misteriosa, identificada únicamente como Lesbia. Los eruditos conjeturan que Lesbia en realidad era Clodia, una mujer hermosa pero sin escrúpulos que habría sido infiel al joven poeta. Aunque el punto central es Lesbia, muchos de los poemas expresan las dudas, la autocrítica y la autocompasión del propio Catulo. Con independencia de los hechos exactos, los críticos por lo general coinciden en que los poemas de Lesbia se cuentan entre las expresiones más intensas y efectivas de la literatura romana. Suelen ser obras breves, de tema variado, escritas en forma lírica. Intercalados con los poemas de Lesbia hay versos epigramáticos en los que ataca a sus rivales y enemigos.

 

 

Shrinking Alice

OBRA VISUAL

 

 

Título original: Shrinking Alice

Año: 1956

Técnica y soporte: Tempera y óleo sobre tabla, 121x132.5

Artista: Charles Blackman

Descripción: Grandes distorsiones de escala. La disminución de Alice es ampliamente interpretado como una metáfora de la propia experiencia de Blackman en el círculo artístico apretado de Melbourne.

 

 

 

 

Los libros de Lewis Carroll Alicia en el País de las Maravillas y Alicia a través del espejo han sido muy populares en su forma original y han servido como base para muchas obras subsiguientes desde su publicación. Han sido directamente adaptados a otros soportes, se han introducido sus personajes y situaciones en otras obras, y todos estos elementos se han mencionado innumerables veces como elementos familiares en una cultura compartida.

En 1956, Charles Blackman escuchó un audiolibro de Alicia en el País de las Maravillas y pintó una serie de 46 pinturas de Alicia junto a otros personajes. Blackman es un completo romántico. Su trabajo ha sido descrito como poética y sondea el delicado mundo de las relaciones humanas. Su arte habla con ternura de la pena, la culpa, la pérdida, la persecución y la alegría de los sueños y recuerdos. Explora el gesto de afecto y empatía y su riqueza de imágenes han incluido las pinturas melancólicas escenas oníricas o encantadoras de las mujeres y las flores de niños absortos en sueños...

Lewis Carrols nos cuenta la historia con palabras inmortales y así nos traslada a Wonderland: Blackman con sus pinturas nos da el corazón de Alicia.

 

OBRA LITERARIA

 

 

Título original: Alice's Adventures in Wonderland

Autor: Lewis Carroll

Año: 1865

Sinopsis: Un día aburrido como tantos otros, Alicia se duerme y de este modo entra en el País de las Maravillas de la mano del Conejo Blanco. Allí conocerá a la Falsa Tortuga, la Reina de Corazones, el Gato de Chester, la Duquesa, el Sombrerero Loco o la Liebre de Marzo, entre muchos otros personajes fantásticos con los que vivirá aventuras de lo más variopintas.

En Biblioteca: INF 846

 

 

 

El Greco

 

NARRANDO DESDE EL GRECO. RELATOS DE ESCRITORES DE HOY SOBRE SUS OBRAS MAESTRAS

 

En 2014 se cumplen 400 años de la muerte de Domenicos Theotocopoulos, "El Greco" (Creta, 1541-Toledo, 1614). Para conmemorarlo, se ha invitado a un grupo de importantes narradores a imaginar un relato a partir de un cuadro del genial pintor, que les correspondería al azar. El resultado es este mosaico de sorprendentes y rotundas narraciones que permiten disfrutar de la fértil imaginación de autores con estilos y universos particulares muy diferentes. Además, también plantea un diálogo inesperado con la obra de un artista extravagante y singular, admirado por muchos e injustamente menospreciado por otros. Narrando desde EL GRECO es una fascinante antología de relatos españoles contemporáneos, un juego, un hallazgo, un divertimento, una aventura para disfrutar de la literatura y el arte.

 

Los 22 autores convocados en este homenaje al genio de Toledo -una éclectica muestra del panorama literario contemporáneo español-, nos ofrecen sus relatos exclusivos, en los que vemos desplegar tanto como su imaginación su talento literario bajo distintas formas, desde un breve ensayo o un cuento histórico hasta una intriga política o una trama de espionaje para dar a luz magníficos relatos que encuentran en un cuadro de El Greco su motor y su razón de ser.

 

En Biblioteca: LIT 317

 

 

Inmaculada Concepción

OBRA VISUAL

 

Título:  Inmaculada Concepción

Año: 1608-1613

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo

Artista: El Greco

Descripción: La Inmaculada Concepción era una de las imágenes predilectas del arte de la Contrarreforma, a la que servía El Greco. La Virgen María se sitúa en el centro del lienzo, acompañada por ángeles, querubines y la paloma del Espíritu Santo. A sus pies se encuentran varios símbolos marianos, como la luna. San Juan Evangelista está presente en esta obra, es una figura de gran naturalidad. La belleza del rostro de la Virgen contrasta con el gesto sereno y un poco adusto del apóstol.

 

 

 

La escritora extremeña Inma Chacón, utilizó esta pintura como base para se relato.

 

OBRA LITERARAIA

Título: La estampa

Autor: Inma Chacón

Año: 2013

Sinopsis: "Los ángeles que acompañaban a la figura central, en una suerte de torbellino que la obligaba a elevarse, tampoco se parecían a los de la Inmaculada del colegio. Ya no representaban a bebés que flotaban entre las nubes, sino a jóvenes entristecidos que se llevaban a María para protegerla de la oscuridad. De la espalda de uno de ellos, sobresalían unas alas enormes extendidas al vuelo".

En Biblioteca: LIT 317

 

Cardenal Fernando Niño de Guevara

OBRA VISUAL

 

Título: Cardenal Fernando Niño de Guevara

Año: 1600-1604

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 171x108

Artista: El Greco

Descripción: Fernando Niño de Guevara era uno de los personajes más influyentes de Toledo, pues era miembro del Consejo de Castilla, inquisidor general, arzobispo de Sevilla y cardenal. Se supone que fue retratado por El Greco en los primeros meses de 1600. Aparece representado de cuerpo entero y sentado sobre un sillón. El fondo está decorado en tonos dorados y una puerta de madera cierra el espacio. El mármol del suelo acentúa la perspectiva, recurso muy habitual en el Quattrocento. Niño de Guevera posee una expresión adusta y severa, muy bien concebida por El Greco. Este, a su vez, toma la inspiración de los mejores retratos de Rafael y Tiziano.

El escritor gallego José María Merino, se inspiró en esta obra para escribir su relato.

 

 

 

OBRA LITERARAIA

Título: El modelo Perenne

Autor: José María Merino

Año: 2013

Sinopsis: "Aunque se tratase de una broma peculiar; sus palabras sonaban con tanta verosimilitud que fui consciente de que me temblaba todo el cuerpo, y tuve que esforzarme mucho para que el temblor no restallase en mis manos, apoyándolas con fuerza sobre la mesa."

En Biblioteca: LIT 317

Concierto de ángeles

OBRA VISUAL

Título: Concierto de ángeles

Año: 1608-1614

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 112x205

Artista: El Greco

Descripción: Esta obra proviene de La anunciación, realizada para la capilla del Hospital de Tavera. No se trata de una composición independiente, sino de la parte inferior de dicho lienzo. Aquí aparece un coro celestial de ángeles, algunos de ellos con la espalda hacia el espectador, lo que significa uno de los más socorridos recursos del barroco y el manierismo. Las cabezas muy alargadas y la anatomía de los personajes es una herencia de Miguel Ángel, aunque también se aprecian retoques de Jorge Manuel, hijo del pintor.

El escritor, narrador y poeta oscense, tomó como referencia esta obra pictórica para la creación de su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: Birds in the night

Autor: Manuel Vilas

Año: 2013

Sinopsis: "Yo no me quería ir. Mi caso era distinto al vuestro, vosotros os pasasteis con todo, drogas, alcohol, heroína, sexo, intensidad, autodestrucción, suicidio, pero yo no, yo me cuidaba. Yo no tenía que estar aquí. No me lo merezco. Vosotros os lo estabais buscando, llevabais años en la cuerda floja, como decía Johnny Cash. No os lo tomeís a mal. Estoy bien aquí ahora, con todos vosotros, sí, eso es verdad. hemos formado nuestra pequeña comunidad arcangélica. Al fin y al cabo somos como una familia, pero cuando nos miramos en el espejo tengo la sensación de que los siete somos el mismo cuerpo: estos cuerpos alargados, esta cara tan holy que llevamos todos."

En Biblioteca: LIT 317

 

Cristo despidiéndose de su madre

OBRA VISUAL

 

Título: Cristo despidiéndose de su madre

Año: 1595

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo,131x83

Artista: El Greco

Descripción: Para realizar esta escena, El Greco se inspiró en las "Meditaciones" atribuidas a san Buenaventura ya que en la Biblia no existen referencias a este momento de la Pasión de Cristo. El episodio está cargado de emotividad y espiritualidad, más que de la tensión lógica ante la inminente muerte del Hijo. La bella figura de María se lleva su mano derecha al pecho y agarra con la izquierda a Jesús mientras éste mira con ternura a su madre. Precisamente, el juego de miradas entre ambos personajes resulta uno de los elementos más sugerentes de la composición, resaltado por las potentes luces que se dirigen a sus rostros. Las dos figuras están recortadas sobre un fondo nuboso, muy habitual en la pintura de Doménikos, con el que refuerza la espiritualidad del suceso y empuja a las figuras al primer plano. Los cánones empleados por el cretense aún mantienen cierta dependencia de Miguel Ángel, introduciendo su alargamiento característico, especialmente en las manos. Las tonalidades empleadas recuerdan a la Escuela veneciana por el un papel relevante a la luz, que modela las figuras.

 

El escritor zaragozano Antonio G. Iturbe, se inspiro en esta pieza para escribir su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: Cristo despidiéndose de su madre... ¿o no?

Autor: Antonio G. Iturbe

Año: 2013

Sinopsis: "Más llanura, más calor, más planicie ardiendo. Y uno se sigue preguntando quién era El Greco. Pintor de figuras estiradas como si se hubieran ablandado con el calor aplastante de La Mancha, artista que se reivindicaba como filósofo, que, en tiempos en que la Inquisición pegaba fuego a cualquier hereje, pleiteaba obstinadamente con la propia iglesia por no pagarle lo razonable. Unos dicen que era un místico. Otros (lo cuenta el pintor del XVII Jusepe Martínez, algo posterior), que los ducados le ardían en la faltriquera, que lo suyo era vivir a lo grande, que -para perplejidad de sus vecinos- contrataba músicos para que amenizaran con tarantelas mientras comía".

En Biblioteca: LIT 317

 

 

El Expolio

OBRA VISUAL

Título: El Expolio

Año: 1577-1579

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 285x173

Artista: El Greco

Descripción: Cuadro pintado para la Sacristía de la Catedral de Toledo. En la composición representa a Cristo en el centro, mirando al cielo con una expresión de serenidad, vestido con una túnica de color rojo intenso que domina el resto de la composición; y a su alrededor, una masa de figuras dispuestas a desnudarlo para comenzar la Pasión. Tanto el modelado de las figuras como el cromatismo provienen de su época veneciana.8

La idealizada figura de Jesucristo destaca vigorosamente del resto y parece ajena al gentío violento que lo rodea. Una figura en la parte trasera con un sombrero rojo apunta acusadoramente a Cristo, mientras otros dos discuten sobre sus vestiduras. Otro hombre vestido de verde a la izquierda de Cristo lo sujeta con una cuerda y va a proceder a desnudarlo para su crucifixión. Mientras otro vestido de amarillo en la parte inferior derecha se inclina hacia la cruz y perfora un agujero para facilitar la inserción de un clavo que atravesará los pies de Cristo. El rostro melancólico del Salvador queda violentamente yuxtapuesto a las figuras de sus ejecutores, que se amontonan en torno a él, creando una impresión de desorden con sus movimientos, gestos, picas y lanzas.9 En la parte inferior izquierda aparecen las tres Marías contemplando la escena con angustia.

La figura preparando la Cruz podría derivar de una figura similar inclinada hacia delante en un tapiz de Rafael y un cartón de la Milagrosa captura de peces, que podría haber conocido durante su estancia romana.

 

La escritora gallega, Lola Beccaria, se inspiró en esta conocidísima pintura del Greco para escribir su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: El rojo de la vida

Autor: Lola Beccaria

Año: 2013

Sinopsis: "Él era la estrella, plena de luz, envuelta en el rojo incandescente de la existencia. Ese rojo del atardecer y del fuego, que era el rojo de la destrucción y del final, pero que también era el rojo de la tierra fértil, de las rosas en su entero esplendor, del sol en el amanecer, de la sangre fuente de vida, del comienzo de todo. Ese era el fin, ciertamente, pero también era el principio de una nueva oportunidad".

En Biblioteca: LIT 317

 

 

 

El bautismo de Cristo

OBRA VISUAL

 

 

Título: El bautismo de Cristo

Año: 1608

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 330x211

Artista: El Greco

Descripción: Esta obra es producto casi en su totalidad de Jorge Manuel, hijo de El Greco, quien falleció en 1614. Jesús aparece arrodillado en primer plano. En la derecha san Juan Bautista vuelca la concha hacia Cristo. La parte superior del cuadro está presidida por Dios Padre y por la paloma del Espíritu Santo, con lo que las tres figuras de la Santísima Trinidad se unen. La fuerte luz y las tonalides recuerdan ligeramente la obra de Miguel Ángel.

El escritor arturiano Ricardo Menéndez Salmón, se inspiró en esta obra para escribir su relato.

 

 

OBRA LITERARIA

Título: La bella y los monstruos

Autor: Ricardo Menéndez Salmón

Año: 2013

Sinopsis: "El mundo es un cómputo milagroso, y existen demasiadas peripecias como para organizarlas en una contabilidad exacta, pero cabe deducir que a pocos hombres les habrá sido concedido un itinerario tan diáfano: nacer en la tierra donde Amaltea amamantó a Zeus, vivir en la ciudad más hermosa del mundo, morir en el laberinto de un imperio en su acmé. Conocer la insularidad, la belleza, la gloria. Amanecer en el mito, madurar en la leyenda, aquietarse en el poder."

En Biblioteca: LIT 317

 

El caballero de la mano en el pecho

OBRA VISUAL

 

Título: El caballero de la mano en el pecho

Año: 1578-1580

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 81,8x65,8

Artista: El Greco

Descripción: Es uno de los retratos españoles más conocidos en el mundo. Un caballero con la mano en el pecho mira al espectador como si hiciese un pacto con él. La postura de la mano parece un gesto de juramento. Este hombre está vestido de forma fina y elegante y porta una espada dorada. De oro es también el medallón con cadena que lleva. En su tiempo se convirtió en la representación clásica y honorable del español del Siglo de Oro. En la reciente restauración que se hizo, se descubrió que el fondo no era negro sino gris claro, lo que resalta la figura, además de una luz exterior que ilumina el rostro. Igualmente, puso en evidencia los ricos matices en el ropaje oscuro, lo que confirma la influencia de la escuela veneciana.

 

 

Este escritor zaragozano, tomó esta conocidísima obra del Greco como fuente de inspiración para su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: Guardar un secreto

Autor: Ignacio Martínez de Pisón

Año: 2013

Sinopsis: "La primera vez, para quitárselo de encima, le había dado su pluma. La segunda trató de resistirse, y el Dientes le derribó de un empujón y le arrancó del cuello la cadenita de plata. Desde entonces se suponía que eran socios. El Dientes guardaría lo que él consiguiera distraer. Después, cuando la guerra acabara, se repartirían las ganancias."

En Biblioteca: LIT 317

 

El entierro del Conde de Orgaz

OBRA VISUAL

Título: El entierro del Conde de Orgaz

Año: 1587

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 480x360

Artista: El Greco

Descripción: Está considerada una de las mejores y más admiradas obras del autor. El cuadro representa el milagro en el que, según la tradición, san Esteban y san Agustín bajaron del Cielo para personalmente enterrar a Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de la villa de Orgaz, en la iglesia de Santo Tomé, como premio por una vida ejemplar de devoción a los santos, su humildad y las obras de caridad llevadas a cabo.

El Greco aceptó el encargo de realizar la obra en 1586, algo más de dos siglos y medio después de los hechos que en ella representó. Recibió detalladas directrices sobre cómo debía aparecer el milagro de la zona inferior del lienzo, pero una vaga descripción de la zona de la Gloria. El pintor cretense incorporaría a la zona superior la representación del Juicio y la aceptación en el Cielo del alma del señor de Orgaz. También cargaría a la escena del entierro de un aire de actualidad, retratando a varones de su tiempo con ropajes del siglo XVI y situando los hechos en un oficio de difuntos con las características de la época.

La escritora asturiana Ángeles Caso, eligió esta obra para escribir su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: Mi padre y el señor de Orgaz

Autor: Ángeles Caso

Año: 2013

Sinopsis: "Viéndola aquí junto a mí en la página de un libro, no puedo dejar de pensar en el talento sin medida de ese hombre, en su perfecta simbiosos con el tiempo que le tocó vivir, y en la cantidad de horas y horas y horas de mirar y pensar y dibujar y pintar y volver a mirar y a pensar y a dibujar y a pintar que debió de precisar hasta plantarse un día ante ese enorme lienzo vacío y conseguir crear sobre él -acaso sacándolo a la luz desde su interior- una obra como esta".

En Biblioteca: LIT 317

 

 

El martirio de San Mauricio

OBRA VISUAL

 

Título: El martirio de San Mauricio

Año: 1580-1582

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 445x294

Artista: El Greco

Descripción: En este cuadro El Greco demuestra su capacidad para combinar complejas iconografías políticas con motivos ortodoxos medievales. Parece que la obra no fue del total agrado del Rey, por lo que no le hizo más encargos. El fallecimiento de Navarrete el Mudo en 1579 provocó la urgente demanda por parte de Felipe II de pintores que continuaran la decoración de El Escorial. El monarca eligió a El Greco como uno de los artistas consagrados que trabajarían en los retablos de la basílica, encargándole el que se instalaría en uno de los altares laterales dedicado al Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana que mandaba. Considerado uno de los santos patronos en la lucha contra la herejía y debido a la existencia de reliquias en la iglesia, se decidió que su presencia era necesaria. En el siglo III de nuestra era, San Mauricio era el jefe de una legión egipcia del ejército romano en la que todos profesaban el cristianismo.

Durante su estancia en las Galias recibieron la orden del emperador Maximiano de realizar una serie de sacrificios a los dioses romanos. Al negarse, la legión que mandaba el santo fue ejecutada, siendo martirizados sus 6.666 miembros.

El escritor madrileño Javier Moro, inspiró su relato de esta conocidísima obra del Greco.

 

OBRA LITERARIA

Título: El desacuerdo

Autor: Javier Moro

Año: 2013

Sinopsis: "Me atreví a desfigurar, a romper proporciones, a utilizar el color como nadie se había atrevido nunca. Tengo un cuadro de la ciudad de Toledo que bien podía haber sido pintado por Cézanne trescientos años después de mi muerte. Fuisteis un cegato."

En Biblioteca: LIT 317

 

El soplon y Fábula

OBRA VISUAL

 

Título: La fábula

Año: 1580

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo

Artista: El Greco

Descripción: Es una escena de sugerente carácter sexual, pues un pícaro y un mono contemplan a un soplón, tema de otro cuadro de El Greco. Esta alegoría puede estar inspirada en la Naturalis Historia de Plinio el Viejo. Los efectos lumínicos y la importancia del color son una herencia de Jacopo Bassano, mientras que los escorzos y la paleta amarillenta son una de las primeras innovaciones que El Greco emplearía en su estilo.

 

 

Título: El soplón

Año: 1571-1572

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 60,5x50,5

Artista: El Greco

Descripción: Tradicionalmente se ha considerado esta imagen como producto de la influencia de Jacopo Bassano, aunque recientes estudios han determinado que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido. En la obra, concebida tal vez durante la estancia de El Greco y otros intelectuales en el palacio Farnesio, un muchacho intenta encender una vela valiéndose de un ascua, que incide de diferente manera en la camisa. Un fogonazo de luz sobre el fondo oscuro impide ver cualquier referencia al espacio pictórico. El muchacho que protagoniza la escena evidencia la enorme calidad de los primeros retratos de El Greco, al igual que el retrato de Giulio Clovio, realizado también durante su época romana.

 

 

 

El escritor Hipólito G. Navarro, escogió estas dos pinturas del Greco para escribir su relato.

 

OBRA LITERARAIA

Título: Luisito Tristán, pintor de fondos

Autor: Hipólito G. Navarro

Año: 2013

Sinopsis: "Doménico me da un abrazo enorme cuando piso de nuevo el taller, adelantándose a mi padre icluso. Todavía camino dando bandazos, mareando por los días de navegación, y me abandono sobre su pecho. Mi niño querido de los fondos, dice, revolviéndome el cabello, aquí está por fin mi pintor de nubes preferido, ya era hora."

En Biblioteca: LIT 317

 

La anunciación

OBRA VISUAL

 

 

Título: La anunciación de doña María de Aragón

Año: 1597-1600

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 315x174

Artista: El Greco

Descripción:  La zarza ardiendo de Moisés simboliza la pureza de la Virgen María, a la vez que prefigura a Jesucristo, y el cesto una alusión al velo del Templo de Jerusalén. La composición se organiza en una doble diagonal que sitúa en el centro a la paloma del Espíritu Santo. El arcángel san Gabriel aparece ante la sorpresa de la Virgen María: una figura gigantesca aun arrodillada. La pincelada de la obra es muy suelta y aplicada con gran rapidez.

 

 

 

Este escritor vallisoletano tomo esta pintura del Greco como fuente de inspiración para su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: Un dedo en los labios

Autor: Gustavo Martín Garzo

Año: 2013

Sinopsis: "Era una Anunciación de El Greco y se oía la voz de la guía que lo explicaba. No me gusta mucho El Greco porque los cuerpos que pinta parecen cuerpos de ahogados, cuerpos fríos y húmedos que tratan de regresar de la muerte. Además, sus cuadros me recuerdan una historia muy triste de vida" "[...] a los pies de la Virgen había una rama ardiendo, lo que daba a la escena un aura misteriosa. La Virgen era muy guapa y el momento que había elegido El Greco para pintarla era el del consentimiento: cuando se ofrece al ángel y le dice que sí. Su delicadeza contrastaba sin embargo con el resto del cuadro, que me parecía vulgar. Ni siquiera el ángel me atraía en exceso. Estaba sobre una nube, en una actitud grave y un poco ridícula".

En Biblioteca: LIT 317

 

La expulsion de los mercaderes del templo

OBRA VISUAL

Título: La expulsión de los mercaderes del templo

Año: 1568

Técnica y soporte: Óleo sobre temple, 106x130

Artista: El Greco

Descripción: Existen otras cinco versiones de este mismo tema. Es considerada por varios autores como la obra maestra del período veneciano de El Greco. A pesar de contener algunos elementos cretenses, ya puede considerarse plenamente como una obra del Renacimiento italiano. Destaca la perspectiva, el manejo de la anatomía, la aplicación del color y el dramatismo de la escena.

Se trata de un cuadro de influencias muy variadas, desde Tintoretto hasta Miguel Ángel Buonarroti pasando por Rafael Sanzio y El Veronés, así como de otros pintores de la escuela veneceniana del Cinquecento. Aun así, se perciben ciertos errores: la ausencia de un punto de vista, la dificultad de realizar grupos complejos y la falta de experiencia al modelar figuras.

El escritor giennense Juan Bonilla se inspiro en esta obra del Greco para escribir su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: Greco entre los mercaderes del templo

Autor: Juan Bonilla

Año: 2013

Sinopsis: "Greco reflexionó, intuitivamente, sobre el rumbo al que se abocaba un arte asumido, no ya como proyecto fundamental para elevar el espíritu de un desconocido, sino como mero productor de mercancías, una mercancía más junto a las otras mercancías que se consumen y se desechan, lo que lo redireccionaba a un destino meramente decorativo que perdería el énfasis revolucionario que había adquirido con las vanguardias: las vanguardias mismas, las heroicas, las legendarias, se volverían ellas también mera decoración".

En Biblioteca: LIT317

La oración del huerto

OBRA VISUAL

Título: La oración del huerto

Año: 1590-1595

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 102x131

Artista: El Greco

Descripción: La pasión de Cristo es uno de los temas más especiales para El Greco. Aquí muestra una escena profundamente espiritual, donde Jesús está sumido en un poderoso éxtasis, eleva su mirada hacia el cielo. Frente a él, sostiene un cáliz en su mano izquierda un ángel. En la nube parece que los tres discípulos —Pedro, Juan y Santiago el Mayor— duermen, mientras que al fondo se aprecia a Judas Iscariote guiando a las tropas que prenderán al Mesías. El paisaje es especialmente árido y carente de vegetación. El foco lumínico principal proviene del ángel, que convierte a tonalidades blancas la túnica y el manto de Cristo. Es una obra que recuerda las mejores piezas del Manierismo, sobre todo de Tiziano, Tintoretto o Bassano. A pesar de las fuertes influencias mencionadas, El Greco sabe imponer a la composición su propio estilo personal.

 

La escritora zaragozana Soledad Puértolas, se inspiró en esta obra de arte para escribir su relato.

OBRA LITERARIA

Título: La oración del huerto

Autor: Soledad Puértolas

Año: 2013

Sinopsis: "El cielo está detrás de un velo. El sol queda oscurecido por las nubes. Negras columnas de humo se elevan desde la tierra. Arriba, en el techo del mundo, tinieblas. Más allá estará el verdadero cielo. Dios está lejos, separado de la tierra por una franja negra. está lejos cuando el presentimiento del dolor nos invade". "¿Y si esto que vemos es el infierno? Porque estamos por debajo de la franja negra. ¿Y si se trata de una pesadilla? No la de los apóstoles que aún no han nacido, sino una pesadilla nuestra, de los observadores."

En Biblioteca: LIT 317

 

La resurrección

OBRA VISUAL

 

Título: La resurrección de Cristo

Año: 1600

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 275x127

Artista: El Greco

Descripción: Se muestra el momento en el que Jesús resucita de entre los muertos, presentándose ante los sorprendidos soldados que habían puesto como guardia para que los discípulos no robaran el cuerpo de Jesucristo para decir luego que había resucitado. No es una escena que aparezcan en los Evangelios, sino que forma más bien parte de las leyendas medievales apócrifas. Por ese motivo, tras el Concilio de Trento, este tipo de representaciones fueron infrecuentes. En esta obra pueden apreciarse las características del estilo de El Greco: figuras alargadas, colores chillones y antinaturales, que hicieron que generaciones posteriores criticaran sus cuadros y que, en cambio, llegado el siglo XX, fuese aplaudido por su modernidad.

 

 

 

La escritora catalana, Clara Usón, se inspiró en esta pintura del Greco para escribir su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: Resurrección

Autor: Clara Usón

Año: 2013

Sinopsis: "...un grupo de contorsionistas (soldados romanos) que se retorcían a sus pies en las posturas más inverosímiles, cegado por el resplandor que irradiaba el hijo de Dios, admirados, extasiados, o desesperados, no quedaba claro. Los chafarriones de Nacho manchaban de negro el níveo estandarte, los cuerpos enredados de los soldados, los muslos blanquísimos del resucitado. El culpable dormía apaciblemente en mi regazo; inspeccioné sus manos, tiznadas de negro."

En Biblioteca: LIT 317

 

Laocoonte

OBRA VISUAL

Título: Laocoonte

Año: 1610

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 137x172

Artista: El Greco

Descripción: Es una de las pocas obras mitológicas de El Greco, quien era eminentemente un pintor religioso. Aquí representa la historia y el castigo de Laocoonte a manos del dios Poseidón. Para obtener la impresión de violencia, el pintor aplica fuertes escorzos. Al fondo de la escena podemos apreciar un paisaje de Toledo, y no de Troya como se creía, pues según la tradición fue fundada por dos descendientes de los troyanos: Telamón y Bruto. La violencia y el dramatismo de la obra se consiguen a través de una luz fantasmal que ilumina el primer plano. Esta es una de las últimas obras de El Greco, quien la dejó inconclusa a su muerte en abril de 1614. Se considera que en ella colaboró Jorge Manuel, hijo del pintor.

 

Este escritor cántabro, se inspiró para su relato en esta obra tan conocida del Greco.

 

OBRA LITERARIA

Título: El Laocoonte

Autor: Álvaro Pombo

Año: 2013

Sinopsis: "Lo más interesante de estas dos bellísimas descoyuntadas figuras de la derecha del cuadro es que tienen los sexos de las piernas cambiados: la joven tiene musculosas piernas de chico y el chico lamidas piernas de muchacha, eso sí, musculosas e intensamente erotizados los dos pares de piernas, con un erotismo descoyuntado que recuerda los descoyuntamientos salvajes de Francis Bacon."

En Biblioteca: LIT 317

 

Magdalena penitente con la cruz

OBRA VISUAL

Título: Magdalena penitente con la cruz

Año: 1585-1590

Técnica y soporte: Óleo sobre tela, 106x95

Artista: El Greco

Descripción: La fórmula que El Greco usó para representar la Magdalena es bastante diferente, y de todas, la menos veneciana; nos encontramos ante una Magdalena pensativa, en meditación ante el crucifijo y en actitud de señalar la calavera con la mano izquierda para indicar cómo es de corta la vida, una Magdalena que ha conseguido la paz de espíritu a través del arrepentimiento. Al parecer, la oración y la penitencia han regenerado a la mujer pecadora para convertirla en santa y, como antes, tampoco hay lágrimas en su cara, pero la diferencia se encuentra en el hecho de que aquí parece que ya se han derramado todas. No hay vestigios de su lujuria, ni tampoco figura el bote de los ungüentos, pero conserva su juventud y su excepcional belleza, ahora espiritualizada; nada se puede adivinar de su cuerpo cubierto con un austero manto rojizo de empaste grueso, un trozo de espléndida pintura.

 

 

El escritor madrileño, Lorenzo Silva, escogió esta obra para escribir su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: La mujer detrás

Autor: Lorenzo Silva

Año: 2013

Sinopsis: "¿Cómo aprendiste a estar y ser así, de dónde te vino esa amargura que no extingue tu luz, de dónde esa sombra que vela tus ojos sin lograr que deje de resplandecer la claridad de tu alma?"

En Biblioteca: LIT 317

 

Pentecostés

OBRA VISUAL

 

Título: Pentecostés

Año: 1597-1600

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 275x127

Artista: El Greco

Descripción: Pentecostés es una obra que pertenecía al conjunto pintado para el retablo de doña María de Aragón. Esta obra formaba de la parte superior del retablo. En ella, como en muchas de las demás piezas, El Greco organizó la composición a base de un triángulo invertido. La escena gira en torno a la Virgen María, María Magdalena y los Apóstoles. Al fondo se encuentra la paloma del Espíritu Santo, que irradia una luz que ilumina todo el escenario e incide en el vestuario de los personajes. La escena, basada en un pasaje relatado en los Hechos de los Apóstoles, utiliza figuras alargadas que se alejan del tradicional estereotipo de belleza clásica. No existe una sensación de perspectiva, mientras que los tonos fuertes de ciertas secciones son herencia directa de Tintoretto y Miguel Ángel.

 

 

 

El escritor vallisoletano Adolfo García Ortega, se inspiró en esta pintura para escribir su relato.

 

OBRA LITERARAIA

Título: La llama en la cabeza

Autor: Adolfo García Ortega

Año: 2013

Sinopsis: "Mientras caminaba, trataba de concentrarme en lo que íbamos a hacer, pero mi pensamiento se evadía hacia la geometría: como meter un círculo en un rectángulo vertical, cómo contener un triángulo dentro de una elipsis. Mi pensamiento solía dispararse con cosas así. Ideas demasiado complejas para un simple pintor de cristos, vírgenes y santos."

En Biblioteca: LIT 317

 

Retrato de Antonio de Covarrubias

OBRA VISUAL

 

Título: Retrato de Antonio de Covarrubias

Año: 1586-1600

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 65x52

Artista: El Greco

Descripción: Antonio de Covarrubias era uno de los mejores juristas de Toledo, profesor de Derecho en Salamanca y Consejero de Castilla, además de maestro en la Catedral de Santa María y hermano de Diego de Covarrubias. Amigo personal del pintor, en esta obra puede apreciarse su deterioro físico —era sordo— y su aislamiento del mundo exterior. Sin embargo, todo ello contrasta con la aparente serenidad que provoca el cuadro. La asimetría de la cara refuerza la ancianidad del personaje, mientras que el cabello gris aviva el tono melancólico. El fondo es neutro, tal como lo pusieron de moda Tiziano y la Escuela veneciana. Se dice que Antonio de Covarrubias es uno de los personajes que aparecen en la parte inferior del Entierro del señor de Orgaz, obra maestra del pintor.

 

El escritor, traductor y periodista granadino Justo Navarro, tomo como referencia para su relato esta obra del Greco.

OBRA LITERARIA

Título: El caballero de York

Autor: Justo Navarro

Año: 2013

Sinopsis: "Era un cuadro ennegrecido por los años, como las escaleras, y costaba ver la imagen pintada en el lienzo. Como si se acostumbraran a la oscuridad de la pintura, los ojos empezaron a ver a un anciano. Mi amigo me preguntó si lo reconocía. ¿Eres tu?, le pregunté. Y pensé que quizá, si se dejara crecer la barba y nos encontráramos frente a frente en Castlegate una noche nublada y sin luz eléctrica. Fred tendría la cara que me miraba desde el cuadro."

En Biblioteca: LIT 317

 

San Martín y el mendigo

OBRA VISUAL

 

Título: San Martín y el mendigo

Año: 1597-1600

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 193x103

Artista: El Greco

Descripción: Esta obra fue concebida como parte del programa decorativo de la Capilla de san José en Toledo. La pintura que aquí se contempla fue realizada para agradar al donante, Martín Ramírez, por lo que El Greco muestra a san Martín Caballero con su exquisita armadura socorriendo a un mendigo, que se encuentra a la izquierda de la composición. Los personajes están situados sobre un pequeño espacio de terreno. La figura del santo es armoniosa, aunque su caballo blanco y el mendigo están pintados con una altura sorprendente. En este cuadro existen dos cánones: el tradicional y el personal, lo que confiere a la escena un gran espiritualismo. Los colores azules y grises se adueñan del conjunto y, junto con la iluminación, crean una excelente obra.

 

 

 

El escritor madrileño Luis García Martín, más conocido como Luisgé Martí, tomo como referencia esta obra del Greco para su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: San Martín y el mendigo

Autor: Luisgé Martín

Año: 2013

Sinopsis: " El húngaro, sin embargo, averiguaba, leyendo códices casi mágicos y entrevistándose con individuos misteriosos que trasmitían oralmente inverosímiles legados desde el siglo XVI, que El Greco convenció a Martín Ramírez para que se dejara retratar no en el rostro del caballero santo, sino en el del mendigo, que aparece en el cuadro de perfil y con gesto un poco ido."

En Biblioteca: LIT 317

 

Señora con una flor en el pelo

OBRA VISUAL

 

 

Título: Señora con una flor en el pelo

Año: 1500

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo

Artista: El Greco

Descripción: El Greco hacía aparecer mujeres en sus pinturas, ya desde los primeros tiempos, y, aunque en la mayor parte de los casos, son impersonales, o no representan a un personaje preciso, de carácter histórico o real, es cierto que ocupan cierto espacio en sus creaciones, como veremos en los siguientes casos, muchos de los cuales son bastante anecdóticos.

 

 

El escritor y crítico lietarario Marcos Giralt Torrente, escogió esta obra del Greco para inspirar su relato.

 

OBRA LITERARIA

Título: Sobremesa

Autor: Marcos Giralt Torrente

Año: 2013

Sinopsis: "¿Dónde estábamos? Sí, ya sé...Le faltan joyas...Aunque fuera una noble retratada en la intimidad, el pintor habría incluido un símbolo de su linaje, como un vamafeo o algo así..."

En Biblioteca: LIT 317

 

 

Visión del Apocalipsis

OBRA VISUAL

 

Título: Visión Apocaliptica (La apertura del quinto sello del apocalipsis)

Año: 1608-1614

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 224,8x199,4

Artista: El Greco

Descripción: El tema está tomado del Libro del Apocalipsis (6:9-11), donde las almas de los mártires perseguidos gritan a Dios clamando justicia sobre sus perseguidores sobre la tierra. La extática figura de san Juan domina el lienzo, mientras que detrás de él almas desnudas se retuercen en una tormenta caótica de emoción cuando reciben las ropas blancas de la salvación. La porción superior del lienzo parece haber sido considerablemente cortada (fue destruida en 1880). Esta porción superior perdida podría haberse parecido a otro retablo, el Concierto de ángeles, pintado por El Greco para la misma iglesia, y también cortado. Muchos creen que la sección inferior, que se ha conservado, representa al amor profano, mientras que la parte superior sería el amor divino o sagrado.

 

Obra seleccionada por el escritor giennense, Juan eslava Galán, para escribir su relato.

OBRA LITERARIA

Título: Visión Apocalíptica (antes conocido como La apertura del quinto sello del Apocalipsis)

Autor: Juan Eslava Galán

Año: 2013

Sinopsis: "El cuadro tiene algo de misterioso porque en él, El Greco. ya al final de sus días, ensimismado en la obra se deja arrastrar por la libre inspiración y viola sistemáticamente todas las leyes establecidas en el racionalismo renacentista: proporción, iluminación, color, figuracion realista..." "El Grecp [...] regresa a las dos dimensiones del soporte para esforzarse en representar el espíritu a través de esas figuras deformes, puros volúmenes plasmados en trazo y color"

En Biblioteca: LIT 317

 

 

Vista de Toledo

OBRA VISUAL

 

Título: Vista de Toledo

Año: 1600

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 121x109

Artista: El Greco

Descripción: Pintado en un estilo manierista, o incluso barroco, el cuadro representa la ciudad de Toledo. Adopta un punto de vista bajo. No obstante, la obra se toma algunas libertades en relación con la verdadera disposición de Toledo. Algunos edificios están representados en posiciones diferentes a las de su verdadera ubicación, pero fielmente representa el castillo de San Servando a la izquierda. Por debajo de él, están representados otros edificios, quizá inventados por el pintor. A la derecha se ve el Alcázar y la catedral con su campanario; en el centro se ve el corte del Tajo, atravesando el puente de Alcántara. Los monumentos están iluminados por una luz fantasmagórica que retrata sus perfiles nítidamente.

 

 

El escritor y poeta leonés Andrés Trapiello, se inspiró en esta obra del Greco para escribir su relato.

 

OBRA LITERARAIA

Título: Trabajar para ser pobre (a propósito de El Greco y el Rastro)

Autor: Andrés Trapiello

Año: 2013

Sinopsis: "Creo que, en efecto, esa ausencia de suelo y cielo es lo que da a sus pinturas el aire sonánbulo que tienen, ese carácter alucinatorio que se desprende de la mayor parte de ellas, como si no fuesen de este mundo o estuviesen transportados de él en un sostenido y levitatorio arrebato religioso, incluido este retrato de toledo. Y esto sin duda fue lo que entusiasmó a unas vanguardias que irrumpían buscando lo mismo, el lado romántico, oscuro y metafísico de la existencia..."

En Biblioteca: LIT 317

 

La bella durmiente

OBRA VISUAL

 

 

Título original: Sleeping Beauty 

Año: 1912

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo

Artista: Maxfield Parrish

Descripción: Apenas rozó el huso con sus dedos se cumplió el maleficio y se pinchó con él, y en el acto cayó profundamente dormida, convirtiéndose en la más bella de las durmientes que jamás había existido. Aunque muchos príncipes, incluso de reinos muy lejanos, acudieron para salvar a la bella durmiente atraídos por la leyenda que sobre ella se contaba, todos ellos perecieron de una muerte infame y atroz al intentar atravesar el intrincado muro de zarzas, pues las espinas, como si fueran manos, se agarraban a ellos con tal firmeza, que entre ellas quedaban apresados y morían de inanición.

 

 

La Bella Durmiente es un cuento de hadas popular europeo nacido de la tradición oral. Las versiones más conocidas son las escritas por Charles Perrault Belle au Bois Dormant (La Bella Durmiente del Bosque) incluida en su libro Cuentos de Mamá Ganso publicado en 1697 y la de los Hermanos Grimm: Dornröschen (Bella Durmiente). En la actualidad, las versiones más populares suelen ser relatos basados en el cuento de Perrault e influenciados por elementos del de los Hermanos Grimm.

En 1697, Perrault, publicó su libro de relatos más conocido, Histoires ou Contes du Temps passé (Historias y Cuentos de Tiempos Pasados), que subtituló como Les Contes de ma Mère l'Oye (Los Cuentos de mi Madre la Oca), se refiere a una recopilación de ocho cuentos de hadas.

Perrault muy probablemente sería uno de los primeros recolectores o coleccionistas de estas historias para niños. Perrault, trabajó y modificó un poco las historias que escuchaba, puesto que las versiones orales de origen sin duda eran mucho más crudas y brutales. Fue necesario esperarl a la mitad del siglo XIX, para que este tipo de cuentos infantiles suscitaran entusiasmo. Entonces se puso a la moda, entre las familias burguesas, de leer en casa historias a los niños, y espléndidas ediciones de los Cuentos de Perrault, ilustrados particularmente por Gustave Doré.

 

OBRA LITERARIA

Título original: Les contes de Perrault

Autor: Charles Perrault

Año: 1867

Sinopsis: Para celebrar el nacimiento de su hija, los señores del reino organizaron una gran fiesta a la que invitan a todas las hadas de la región salvo una, de la que hacía años que no tenían noticia. Durante el festejo, cada una de las hadas otorgó a la princesa un don. Pero justo antes de que la última hada hablara, hizo acto de presencia aquella que había quedado sin invitar, la cual maldijo a la princesa: A la edad de dieciséis será herida por una aguja y en el acto morirá, advirtió. Por fortuna, el hada que aún no había otorgado su don enmendó la situación: La princesa no morirá a causa de ninguna aguja –predijo-, sólo caerá en un profundo sueño del que la rescatará un apuesto príncipe una vez pasados cien años.

 

 

 

La boda de Oberón y Titania

OBRA VISUAL

 

Título original: The Marriage of Oberon and Titania

Año: 1860

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo

Artista: John Anster Fitzgerald

Descripción: Teseo e Hipólita, antes enemigos en batalla, celebran las vísperas de su futura boda. En tanto, Titania y Oberón, reyes de las hadas, se hallan inmersos en una disputa de enamorados, la cual acabarán interfiriendo en las aventuras y desventuras de algunos de los invitados a las celebraciones.

 

 

 

Entre todas las hadas, existe una en especial que es considerada como la Reina de todas ellas: Titania. Titania cuenta con una extensa cantidad de mitos. Se la representó como la guardiana de príncipes medievales, como una de las colaboradoras más cercanas de Eros y como mensajera de la entrada de Apolo en su trono. Además, aseguran que Titania brindaba su auxilio en casos de melancolía, enfermedad, sueños inalcanzables y desasosiego familiar; aunque sus designios principales eran aquellos relacionados al encuentro del amor verdadero. Por su parte, Oberón es considerado el Rey de las Hadas en la mitología celta y en las leyendas medievales. Su incursión en la literatura data de la primera mitad del siglo XIII, en el Cantar de gesta Francés titulado Les Prouesses et faitz du noble Huon de Bordeaux, que dota a Oberón de atributos celtas, tal y como una copa mágica que siempre estará llena para los virtuosos. Sin embargo, donde ambos gozan de gran protagonismo es en el célebre Sueño de una Noche de Verano de William Shakespeare.

 

OBRA LITERARIA

 

Título original: A Midsummer Night's Dream

Autor: William Shakespeare

Año: 1595

Sinopsis: Durante la boda de Teseo e Hipólita tiene lugar una obra plagada de fantasía, sueños, amor y magia que se entremezclan en las historias de amor dos parejas nobles, de unos cómicos despreocupados y un grupo de miembros del mundo de las hadas. Teseo e Hipólita, antes enemigos en batalla, y las riñas de enamorados de Titania y Oberón, reyes de las Hadas, que acabarán interfiriendo en las aventuras y desventuras de sus protagonistas: dos parejas de enamorados, formadas por Hermia y Lisandro y Demetrio y Helena, y un grupo de artesanos que, dirigidos por Bottom, ensayan una obra de teatro para festejar las bodas.

 

 

Lesbia y su gorrión I

OBRA VISUAL

Título original: Lesbia with her Sparrow

Año: 1907

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo, 49 x 37

Artista: Edward John Poynter

Descripción:  Una mujer de belleza clásica llama la atención de su gorrión, que se posa sobre su brazo derecho; en el pelo lleva una guirnalda de violetas, símbolo de amor y fertilidad, flor empleada para fabricar pociones amorosas y, en época medieval, coronas para los poetas vencedores en concursos. Las rosas de Venus envuelven con su fragancia al personaje pero con ellas traen las espinas, las heridas de amor. Algunas son amarillas, símbolo de disminución del amor y la infidelidad. Tampoco la presencia de las uvas parece caprichosa: el grupo suspendido sobre el pecho tiene forma de corazón; las frutas simbolizan a menudo el hedonismo y, por supuesto, las uvas remiten a los placeres de Baco. Poynter presta gran atención a todos los detalles y al reflejo de las diferentes texturas, desde la del cojín con estampado dorado hasta la de la jaula de marfil colocada sobre la mesa de brilante mármol verde, o la del asiento tallado con su remate en forma de herma masculina.

 

El pintor Edward John Poynter, tomo los poemas de Catulo de Verona como inspiración para la creación de esta obra. Poynter es uno de los escasos exponentes del neoclasicismo victoriano, mostrando un gran gusto y atracción por mostrar en pintura y con el máximo detalle posible, lo que fue el mundo antiguo y la mitología (a la que dio hermosa forma), fuentes de las que bebió a lo largo de su exitosa carrera pictórica. La pintura está considerada una de las más importantes de Edward John Poynter (1836-1919), y fue presentada con gran éxito en la Royal Academy de Londres en 1907.

En 1906 había muerto Agnes (Aggie) Macdonald, esposa del artista. Probablemente sea esta escena un homenaje a aquélla quien, era conocida por su belleza y su inteligencia. En 1902 Poynter había realizado ya un boceto de la obra mostrando a la protagonista en una pose muy similar aunque el gorrión aparecía sobre su hombro, no iba tocada con corona sino con el pelo recogido y, en lugar de uvas, portaba cerezas. Quizá la razón de cambiar estos detalles hay que buscarla en el estado emocional del pintor: las violetas simbolizan también el duelo y el afecto por los muertos; los tonos  púrpura de las uvas, la espiritualidad.

El poema del gorrión de Catulo parece una parodia de los lamentos fúnebres de carácter popular (neniae), de donde toma elementos como el elogio del difunto, las repeticiones, las exclamaciones al comienzo y final de la composición, el tono familiar. La poesía de Catulo (87-54 a,C.) refleja con crudeza las experiencias de su propia vida. Parece que Lesbia fue su pasión, la amó profundamente. Pero algún acto de infidelidad por parte de ella debió cambiar sus sentimientos hacia ella hasta llegar al más profundo odio y desprecio.

 


OBRA LITERARIA

 

Título original: Lesbia

Autor: Gayo Valerio Catulo

Sinopsis:Los poemas a Lesbia, expresan profunda pasión, devoción, desprecio y odio hacia una dama misteriosa, identificada únicamente como Lesbia. Los eruditos conjeturan que Lesbia en realidad era Clodia, una mujer hermosa pero sin escrúpulos que habría sido infiel al joven poeta. Aunque el punto central es Lesbia, muchos de los poemas expresan las dudas, la autocrítica y la autocompasión del propio Catulo. Con independencia de los hechos exactos, los críticos por lo general coinciden en que los poemas de Lesbia se cuentan entre las expresiones más intensas y efectivas de la literatura romana. Suelen ser obras breves, de tema variado, escritas en forma lírica. Intercalados con los poemas de Lesbia hay versos epigramáticos en los que ataca a sus rivales y enemigos.

 

Vídeo

Janaúba

OBRA VISUAL

 

Título original: Janaúba

Año: 1993, versión 2012

Técnica y soporte: Vídeo

Artista: Eder Santos

Descripción: Janaúba es una película narrativa inspirada por la poesía, la literatura y por “historias de vida” básicas. Retomando casi veinte años más tarde el hilo de esta historia legendaria.

 

 

 

La película de Eder Santos Janaúba, de 1993, está inspirada en un libro escrito por el legendario escritor brasileño João Guimarães Rosa: Gran sertón: Veredas. Santos crea obras poéticas y llenas de vida que fusionan su experiencia personal, la observación cultural y el dominio técnico como el medio para expresar temas que son cruciales para la herencia africana, indígena y europea de Brasil. Por su don de evocar los ritmos y texturas de la memoria y la historia, Santos sabe todo sobre el poder de las imágenes en movimiento para narrar historias que merecen ser contadas.

Retomando casi veinte años más tarde el hilo de esta historia legendaria, Santos inserta Janaúba en el contexto de una nueva instalación, lo que brinda una perspectiva fresca a la historia original.

 

OBRA LITERARIA

Título original: Grande Sertão: Veredas

Autor: João Guimarães Rosa

Año: 1956

Sinopsis: Novela cuyo escenario es el sertón –un área geográfica situada al nordeste del Brasil que figura en la literatura brasileña como una concepción de la identidad nacional–, la trama está constituida por un largo e ininterrumpido monólogo que el yagunzo Riobaldo le relata a un médico urbano. Se trata de un yagunzo (un valentón asalariado que está ligado a la idea de prestación de servicios, típica en las disputas grupales o familiares, según Antonio Candido) que durante una etapa de su vida fue maestro. Su condición de maestro torna verosímil un monólogo cargado de citas, referencias y ecos de la literatura universal: desde el infierno dantesco a la urbs joyceana, pasando por la leyenda de Fausto y la literatura de caballería. Con este monólogo, Guimarães Rosa evocó una realidad particular, de una forma tan minuciosa y exhaustiva que –por la radicalidad de su lenguaje– logró anular el pintoresquismo alcanzando reverberaciones universales. Y al mismo tiempo resulta ineludible en toda discusión sobre la literatura latinoamericana que articule aspiraciones experimentales y la definición de una identidad regional.

 

 

Galería fotográfica

 

 

Exposición

 

 

 

 

Montaje

 


 

Recursos

Recursos en línea

"The 50 Greatest Novels for Art Students" [Recurso en línea]. Online College Courses. Dirección URL: <http://www.onlinecollegecourses.com/2011/07/06/the-50-greatest-novels-for-art-students/> [Consulta: 09 de abril del 2015].
*Artículo sobre las novelas más recomendadas para estudiantes de arte, como posible fuente de inspiración.

"La obra maestra desconocida, el juicio estético de Honoré De Balzac" [Recurso en línea]. Cultura Colectiva. Dirección URL: <http://culturacolectiva.com/la-obra-maestra-desconocida-el-juicio-estetico-de-honore-de-balzac/> [Consulta: 10 de abril de 2015].
*El juicio estético de Honoré de Balzac oculto tras la obra maestra desconocida: el ideal de la obra maestra y el conocimiento filosófico-libre.

. "David Hockney dibujó los cuentos de los Hermanos Grimm" [Recurso en línea]. Revista Ñ. Dirección URL: <http://www.revistaenie.clarin.com/arte/David-Hockney-dibujo-los-cuentos-de-los-Hermanos-Grimm_0_856114588.html> [Consulta: 27 de abril de 2015].
*Post sobre la exposición celebrada en Madrid del artista David Hockney, en el 200 aniversario de la primera edición del los cuentos de los hermanos Grimm.

[Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.hockneypictures.com/> [Consulta: 27 de abril de 2015].
*Página web del artista británico donde se puede consultar tanto su biografía como sus obras.

Elida Tessler [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.elidatessler.com/> [Consulta: 27 de abril de 2015].

*Página web de la artista Elida Tessler,donde se puede encontrar diferente información sobre su biografia y obra.

"Elida Tessler" [Recurso en línea]. Paradigma. Dirección URL: <http://www.paradigmasgaleria.com/archives/252> [Consulta: 27 de abril de 2015].

*Artículo sobre la obra de la artista Elida Tessler.

Figueroa, Meudys. "La literatura" [Recurso en línea]. Slideshare. Dirección URL: <http://es.slideshare.net/lenguaprofe/la-literatura-17330526?related=1> [Consulta: 09 de abril de 2015].
*PowerPoint que trata sobre la literatura.

[Recurso en línea]. Fundación canal. Dirección URL: <http://www.fundacioncanal.com/wp-content/uploads/2013/01/dossier_hockney.pdf> [Consulta: 27 de abril de 2015].
*PDF sobre el dossier de prensa realizado para la exposición de David Hockney en la Fundación Canal.

Fundación Pablo Neruda. [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.fundacionneruda.org/es> [Consulta: 27 de abril de 2015].

*Página web sobre la Fundación Pablo Neruda, donde se recoge diferente información sobre el poeta chileno.

Gallardo, Elena. "La literatura y otras artes" [Recurso en línea]. Slideshare. Dirección URL: <http://es.slideshare.net/ElenaGallardo/tema-2-literatura-y-otras-artes-11845407?qid=ebf5b3e3-d2de-4798-b9f0-37031a79a33f&v=default&b=&from_search=7> [Consulta: 09 de abril de 2015].
*Power Point que trata sobre las relaciones de la literatura con las demas artes.

Genovés Estrada, Isabel. "Relación entre literatura, pintura y música impresionista" [Recurso en línea]. Los ojos de HipatiaDirección URL: <http://losojosdehipatia.com.es/cultura/arte-2/relacion-entre-literatura-pintura-y-musica-impresionista-2%C2%AA-parte/> [Consulta: 27 de abril de 2015].
*Artículo compuesto por dos partes sobre la relación entre literatura, pintura y música impresionista.

"Gertrude Stein" [Recurso en línea]. Poetry Foundation. Dirección URL: <http://www.poetryfoundation.org/bio/gertrude-stein> [Consulta: 16 de abril de 2015].
*Paágina web que recoge la biografía de Gertrude Stein, una de las figuras clave del ambiente artístico y literario de su tiempo.

Gregory Norminton [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.gregorynorminton.co.uk/> [Consulta: 15 de abril de 2015].
*Página web oficial del escritor Gregory Norminton.

Guerra Sánchez, Oswaldo. "Pintura y literatura: la necesaria integración cultural." [Recurso en línea]. Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. Dirección URL: <http://ruc.udc.es/bitstream/2183/9227/1/CC-009_art_13.pdf> [Consulta: 09 de abril de 2015].
*Pdf sobre la integración cultural de la pintura y de la literatura.

La Gruta De Los Lienzos. [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://lienzos.blogspot.com.es/p/que-es-lagrutadeloslienzos.html> [Consulta: 27 de abril de 2015].

*Blog sobre el arte de la pintura, donde se recoge diferente información sobre pintores, movimientos artisticos, etc.

"Los habladores: Narrativas en el arte contemporáneo internacional" [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.artishock.cl/2013/07/los-habladores-narrativas-en-el-arte-contemporaneo-internacional/> [Consulta: 27 de abril de 2015].

*Post sobre la muestra organizada por el Banco de la República de Colombia en la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá.

Herrera Pérez, Ana. "22 escritores se inspiran en las pinturas del Greco para rendirle homenaje en un libro" [Recurso en línea]. ABC. (27 enero 2014). Dirección URL: <http://www.abc.es/toledo/ciudad/20140125/abci-escritores-inspiran-pinturas-greco-201401251704.html> [Consulta: 09 de abril de 2015].
*ArtÍculo sobre la presentaciÓn del libro Narrando desde El Greco, un homenaje de veintidós escritores que se han inspirado en las pinturas del artista para crear sus relatos.

"Honoré de Balzac" [Recurso en línea]. El Poder de la Palabra. Dirección URL: <http://www.epdlp.com/escritor.php?id=1432> [Consulta: 16 de abril de 2015].
*Página web que recoge información sobre la vida y obras del escritor Balzac.

"La literatura como base de otras artes" [Recurso en línea]. Slideshare. Dirección URL: <http://es.slideshare.net/xiu/la-literatura-como-base-de-otras-artes> [Consulta: 09 de abril de 2015].
*PowerPoint que muestra cómo influye la literatura en el desarrollo de otras artes.

Oscar Wilde [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://oscarwilde.es.tl/Home.htm> [Consulta: 09 de abril de 2015].
*Página web sobre el escritor Oscar Wilde.

"Paloma Díaz-Mas" [Recurso en línea]. Centro de Ciencias Humanas y Sociales. Dirección URL: <http://www.cchs.csic.es/personal/paloma.diazmas> [Consulta: 16 de abril de 2015].
*Página web en la que se recoge información sobre la trayectoria de la escritora Paloma Díaz-Mas.

Parreño, José María. "La obra maestra desconocida" [Recurso en línea]. El Cultural. Dirección URL: <http://www.elcultural.es/revista/letras/La-obra-maestra-desconocida/1046> [Consulta: 10 de abril de 2015].
*Post sobre la influencia y relación de la literatura con el arte, como ejemplo, La obra maestra desconocida de Honoré de Balzac.

Pascual Molina,   Jesús Félix. "La presencia del arte en la obra de Arturo Pérez Reverte" [Recurso en línea]. Dirección URL: < http://cvc.cervantes.es/ensenanza/biblioteca_ele/aepe/pdf/congreso_42/congreso_42_31.pdf > [Consulta: 16 de abril de 2015].
*Documento PDF. XLII Congreso Coincidiendo con el 40 aniversario de la fundación del AEPE en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (Santander, 2007).

PerezReverte.com [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.perezreverte.com/> [Consulta: 16 de abril de 2015].
*Página web oficial del escritor Arturo Pérez Reverte.

. "Los cuentos de los hermanos Grimm, según David Hockney" [Recurso en línea]. ABC.  Dirección URL: <http://www.abc.es/cultura/arte/20130128/abci-hockney-201301281823.html> [Consulta: 27 de abril de 2015].
*Artículo sobre la exposición del artista británico David Hockney celebrada en Madrid por la Fundación Canal.

[Recurso en línea]. Arte y Critica. Dirección URL: <http://www.arteycritica.org/criticas-de-arte/silencios-estridentes-y-parpadeos-rapidos-comentarios-sobre-la-obra-de-cristina-lucas/> [Consulta: 27 de abril de 2015].
*Artículo sobre la obra de la artista española Cristina Lucas, con motivo de su exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile.

Quintero Tobón, Carlos Andrés. "Fantasia y realidad: relaciones entre palabras e imágenes en Elogio de la madrastra de Mario Vargas Llosa" [Recurso en línea]. Universidad Eafit, Colombia. Dirección URL: <http://www.452f.com/pdf/numero11/11_452f_Quintero_orgnl.pdf> [Consulta: 09 de abril de 2015].
*Pdf sobre el tipo de relación que existe entre las palabras y las imágenes en la novela Elogio de la madrastra del escritor peruano Mario Vargas Llosa.

Rexach, Eva . "Un viaje por la memoria de W.G. Sebald" [Recurso en línea]. Kosmopolis. Dirección URL: <http://kosmopolis.cccb.org/es/noticies/un-viatge-per-la-memoria-de-w-g-sebald/> [Consulta: 09 de abril de 2015].
*Post sobre el escritor W.G. Sebald, coincidiendo con la exposición Las variaciones Sebald organizado por Kosmopolis.

Stevens, Wallace. "La relación entre poesía y pintura" [Recurso en línea]. Esquimal.ucoz. Dirección URL: <http://esquimal.ucoz.com/publ/literatura/la_relacion_entre_poesia_pintura/1-1-0-79> [Consulta: 09 de abril de 2015].
*Ensayos sobre la realidad y la imaginación.

Thomas Pynchon [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://thomaspynchon.com/> [Consulta: 16 de abril de 2015].
*Página web oficial del novelista Thomas Pynchon.

[Recurso en línea]. Oral Memories. Dirección URL: <http://oralmemories.com/cristina-lucas/> [Consulta: 27 de abril de 2015].
*Video que recoge una entrevista realizada a la artista española Cristina Lucas.

Tracey Chevalier [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.tchevalier.com/> [Consulta: 16 de abril de 2015].
*Página web oficial de la escritora Tracey Chevalier.

[Recurso en línea]. Dirección URL: <http://traceysnelling.com/home.html> [Consulta: 27 de abril de 2015].
*Página web de la artista Tracey Snelling, donde puede consultar biografia y obra.

Wendt, Selene. "Los habladores: narrativas en el arte contemporáneo internacional" [Recurso en línea]. Museo del Banco de la Republica. Dirección URL: <http://www.banrepcultural.org/los-habladores/obras> [Consulta: 27 de abril de 2015].

*Post donde se recoge diferente información sobre artistas y sus obras inspiradas en obras literarias.

[Recurso en línea]. Biblio3. Dirección URL: <http://biblio3.url.edu.gt/Libros/wilde/habitacion.pdf> [Consulta: 27 de abril de 2015].
*PDF con la obra literaria "Una habitación propia" de Virginia Wolf.

. "La obra maestra desconocida, De Honoré De Balzac" [Recurso en línea]. El carnaval de Wolfville. Dirección URL: <http://elcarnavaldewolfville.blogspot.com.es/2013/01/la-obra-maestra-desconocida-de-honore.html> [Consulta: 09 de abril de 2015].
*Post sobre la obra literaria de Honoré De Balzac y su relación e influencia en el arte.

 

Cartel