Arquitectura civil

Depósito de aguas

Sala de Exposiciones Depósito Elevado. Canal Isabel II, Madrid

 

 

Uso original: antiguo depósito elevado de agua

Fecha construcción principios s. XX

Fecha inauguración: 1911

 

 

 

                                                    

                            

 

 

Uso actual: Sala de Exposiciones Depósito Elevado. Canal Isabel II
Fecha inauguración: 1986
Fecha rehabilitación: mediados años 80
Arquitectos: Javier Alau y Antonio Lopera
Dirección: C/ Santa Engracia, 125 , 28003 Madrid
Tel/Fax: 91 5451000
E-mail: isabel.escribano@comadrid.es
 

 

 

 

Historia del edificio:

Con el inicio del siglo veinte se constató en Madrid la imposibilidad de dar servido a las viviendas situadas por encima de los 670 metros de altitud.

Así, surgió la idea de construir el Primer Depósito Elevado que con el adecuado bombeo de las aguas enterradas de los depósitos inmediatos, conseguiría elevar la cota y garantizar el suministro hasta los pisos más altos de las nuevas viviendas de las zonas del ensanche: los barrios de Salamanca, Chamberí y Cuatro Caminos.

Situado entre la calle Santa Engracia y el Depósito Mayor, este depósito se levantó al tiempo que se construía el Tercer Depósito. Tiene forma de torre cilíndrica con una altura de 36 metros fabricada en acero y ladrillo. En la parte superior, se alojaba una cuba de estructura metálica de 1.500 m3 de capacidad con una cubierta forrada de zinc.

Su visión desde el exterior nos muestra claras influencias estéticas y formales de la arquitectura industrial de la época.

En sus inmediaciones, se construyó una Central Elevadora de planta rectangular y esbeltas arcadas de ladrillo en los ventanales y en las puertas de acceso, que aprovechando la fuerza eléctrica traída de Torrelaguna, impulsaría el agua hasta la cuba del depósito.

Precisamente, en este entorno se puede apreciar el edificio de la vieja central -completamente remodelado en su interior- y la enorme chimenea de ladrillo testimonio de la antigua fábrica térmica que ponía en movimiento las bombas elevadoras. Inaugurado en 1911, el Depósito Elevado se mantuvo en funcionamiento hasta 1952 que pasó a ser utilizado como dependencias provisionales del Archivo del Canal. A mediados de los años ochenta la torre del Depósito fue restaurada y rehabilitada por los arquitectos Javier Alau y Antonio Lopera que realizaron una intervención ejemplar adecuando el espacio interior del depósito a las exigencias de una magnífica Sala de Exposiciones. El énfasis en conservar las características y elementos originales del depósito y el respeto hacia un espacio que debía ser perfectamente equipado, en su adecuación a un nuevo uso, sin perder su memoria, son algunos de los méritos más destacados de la recuperación de esta singular obra. Esta reconversión obtuvo el premio Europa Nostra. (Fuente: Madridmas.org)

Actividades:

Con una trayectoria de más de dos décadas dedicadas, casi en exclusiva, a la fotografía, esta sala se ha ido labrando un sitio en el espacio cultural de Madrid. Por ella han pasado las propuestas y los artistas más interesantes del panorama nacional e internacional, colaborando anualmente con los certámenes de Arco y Photoespaña. (Fuente: Canal Isabel II)

 

 

Academia de Bellas Artes

Museo de Cádiz

 

 

Uso original: Academia de Bellas Artes

Fecha construcción: 1838

Arquitecto: Juan Daura

 

 

 

                        

                                         

 

Uso actual: Museo de Cádiz
Fecha rehabilitación: 1980 (remodelación completa)
Fecha inauguración: 1970
Arquitecto: Javier Feduchi
Dirección: Plaza de Mina, s/n 11004 Cádiz
Tel/Fax: 956 203368 / 956 203377
Email: museocadiz.ccul@juntadeandalucia.es
Museo de Cádiz en FACEBOOK

 

 

 

 

Historia del edificio:

El origen del actual Museo de Cádiz se inicia con la Desamortización de Mendizábal en 1835 y el depósito en la Academia de Bellas Artes de la ciudad de una serie de pinturas procedentes de diversos conventos exclaustrados. Entre estas obras se encontraba la serie de Zurbarán procedente de la Cartuja de Jerez de la Frontera. Mientras, en torno a la Academia de Bellas Artes, a lo largo del siglo XIX, se fue aglutinando un núcleo de obras de la floreciente escuela de pintura gaditana, con los ecos finales del neoclasicismo, el romanticismo, el costumbrismo y el cuadro de historia.

El hallazgo casual en 1887 del sarcófago antropoide fenicio masculino en los terrenos de los Astilleros de Cádiz fue el punto de arranque de la colección arqueológica, lo que justificó la creación de un museo de esta naturaleza en la ciudad, que fue nutriéndose de los hallazgos de las propias excavaciones arqueológicas de aquellos momentos, donaciones de particulares y de los objetos que había reunido la Comisión Provincial de Monumentos Histórico Artísticos, creada a tal efecto por la legislación elaborada por los diferentes gobiernos liberales desde el reinado de Isabel II, tras la Revolución Gloriosa de 1868. El Museo ha conocido varias sedes a lo largo del tiempo, como el Callejón del Tinte o el Paseo de Canalejas, y se estableció definitivamente en el edificio de la Plaza de Mina en 1935, ocupando sólo la planta baja y compartiendo sede con la Academia de Bellas Artes. No obstante, el Arqueológico y el Bellas Artes se constituyen en museos separados, con directores y personal diferentes. No será hasta 1970 cuando se fusionen ambas instituciones en el actual Museo de Cádiz, incluyéndose también una Sección de Etnografía. A partir de 1980 se inicia una profunda reforma en el edificio a cargo del arquitecto Javier Feduchi. Se han realizado ya dos fases de este Plan Director estando pendiente una tercera. (Fuente: Museo de Cádiz)

Fondos:

Sección de Arqueología. Los fondos arqueológicos, proceden en su gran mayoría de las excavaciones de las necrópolis fenicia y romana de Cádiz, de importantes yacimientos de la provincia y de hallazgos submarinos. Estos materiales, en ocasiones piezas excepcionales, documentan ampliamente la remota presencia del hombre en la provincia gaditana y su importancia en el mundo antiguo.

Sección de Bellas Artes. Los fondos de Bellas Artes conforman una de las grandes pinacotecas nacionales. Representan en su conjunto la evolución de la pintura española desde el siglo XVI a la primera mitad del siglo XX. Estos fondos proceden principalmente de la desamortización de los bienes de la Iglesia, así como de depósitos públicos y legados particulares.

Sección de Etnografía. En época reciente, con ocasión del ingreso del Teatro de Títeres de la Tía Norica en el museo, se inició la sección de Etnografía. (Fuente: http://www.infocadiz.com/museos/Welcome.htm)

 

 

Cárcel

Domus Artium 2002, Salamanca

 

 

Uso original: Cárcel Provincial de Salamanca

Fecha construcción: 1930

 

 

  

 

                                                                    

                      

Uso actual: Domus Artium 2002
Fecha rehabilitación: 2000-2002
Fecha inauguración: abril 2002
Arquitecto: Horacio Fernández del Castillo
Dirección: Avda. de la Aldehuela, s/n 37003 Salamanca
Tel/Fax: 923 184916 / 923 183235
Web: http://www.salamancaciudaddecultura.org/
Email: da2@ciudaddecultura.org
DA2 en FACEBOOK

 

 

 

 

Historia del edificio:

El centro de arte está edificado sobre lo que fue la  antigua cárcel provincial, un edificio de estilo ecléctico construido  en 1930. La reforma actual fue realizada por el arquitecto español Horacio Fernández del Castillo. En dicha reforma se intentó respetar la memoria histórica del edificio en algunas de sus salas (como por ejemplo en la sala central que conserva las puertas de las celdas y la reja de hierro original) y al mismo tiempo, se  han creado nuevos espacios expositivos y de gestión que se adaptan de un modo más funcional a las necesidades programáticas del centro.

El centro tiene una superficie construida de 9.500 m2  de los cuales más de 2600 metros cuadrados están destinados a salas de  exposición. El centro está dotado de biblioteca, centro de documentación, sala de conferencias, tienda, cafetería, restaurante y parking.

Desde el principio la rehabilitación trató de potenciar los valores arquitectónicos que poseía el edificio, así se individualizan elementos como el pabellón de acceso exterior al recinto, el muro exterior que delimita el conjunto, dos cuerpos de edificación interiores y los patios con sus muros de cerramiento.

Se conserva la imagen del edificio original tanto en su fachada frontal como en los pabellones interiores que integran la gran cruz central y se han aportado elementos  de la nueva arquitectura que hacen valorar de forma positiva la imagen de conjunto. Destaca entre ellos el nuevo vestíbulo acristalado edificado en el antiguo edificio de ronda de cárcel. Este vestíbulo acristalado levantado como un muro cortina que separa la zona de acceso a la antigua prisión y las salas de exposiciones. El acceso se salva con una pasarela en forma de cajón cerrado.
Uno de los ejes más interesantes es la gran sala central de exposiciones de doble altura donde se conserva la galería original de acceso a las celdas, recuperando la funcionalidad de la escalera y pasarela de la planta superior. Las puertas de las antiguas celdas sirven como recordatorio de la función que un día tuvo el edificio. Al mismo tiempo en el espacio se decidió mantener la gran reja que separa esta sala y el vestíbulo modificándola ligeramente para adaptarla al espacio.

Finalmente se demolieron las tapias que forman los patios interiores y parte de los exteriores reinterpretándose la zona de patios en función de los nuevos usos del edificio. (Fuente: DA2)

Fondos:

El programa expositivo desarrollado desde su inauguración hasta hoy destaca por una apuesta decidida  por las últimas tendencias del arte nacional e internacional y muy especialmente del desarrollado desde la década de los noventa hasta  hoy y el apoyo a los artistas emergentes de la ciudad y la comunidad castellanoleonesa.

En los últimos dos años se está prestando especial atención a los artistas que trabajan con vídeo y nuevos soportes audiovisuales, habiendo varias salas del centro habilitadas para mantener una programación permanente sobre estos soportes. (Fuente: DA2)

 

 

MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo

 

Uso original: antigua sede de la cárcel y juzgados de Vigo

Fecha construcción: 1880

 

 

 

 

                                  

                                                      

Uso actual: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Fecha rehabilitación: 1999-2001
Fecha inauguración: 2002
Arquitectos: Salvador Fraga Rivas, Francisco Javier García-Quijada Romero y Manuel Portolés Sanjuán.
Dirección: C/ Príncipe, 54 36202 Vigo
Tel/Fax: 986 113900 / 986 113901
Web: http://wwhttp://www.marcovigo.com/w.marcovigo.com/
Email:  info@marcovigo.com
MARCO en FACEBOOK

 

 

 

 

 

Historia del edificio:

El MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, está situado en plena zona comercial de la ciudad, en la céntrica y peatonal calle del Príncipe, y ocupa el espacio de lo que fue la antigua sede de la cárcel y juzgados de Vigo (1880), un lugar muy ligado a la memoria colectiva y que constituye uno de los principales atractivos del centro.

La idea primigenia de crear un museo de arte contemporáneo en Vigo se planteó en 1994, siendo alcalde D. Carlos González Príncipe. Desde entonces hasta el 22 de octubre de 2002, fecha de constitución de la Fundación MARCO, pasaron varios años de trabajos a favor del museo, durante los que se realizó y ejecutó el proyecto de rehabilitación y reconstrucción del antiguo edificio de los juzgados y cárcel de Vigo (1880).

La elaboración del proyecto, una reforma cofinanciada entre el Ayuntamiento de Vigo y la Unión Europea (FEDER), por medio del Programa INTERREG II ESPAÑA-PORTUGAL, fue adjudicada al equipo vigués de arquitectos formado por Manuel Portolés Sanjuán, Francisco Javier García-Quijada Romero y Salvador Fraga Rivas, el 24 de marzo de 1995.

Se prestó especial atención a la integración del edificio en el contexto urbano, dotándolo de un paseo peatonal, con escalinata, que lo comunica con las calles posteriores y con su entorno. (Fuente: MARCO)

Actividades:

Con la apertura de puertas al público en 2002 el MARCO se convertía en uno de los más jóvenes museos de Galicia. Si bien su nombre y acrónimo lo definen como Museo, el MARCO no tiene colección permanente y funciona como centro de arte contemporáneo, con un programa de exposiciones temporales y un conjunto de actividades paralelas de las que el programa educativo es una parte esencial.

El principal objetivo del museo es comunicar, conectar con los visitantes y, por encima de todo, crear y fomentar hábitos de consumo cultural, un reto difícil y a largo plazo. La línea de programación del MARCO se centra en exposiciones temporales, hasta ahora temáticas y colectivas, y que a partir del año 2009 se completa con una nueva línea de exposiciones individuales. El programa educativo -visitas y talleres para escolares, actividades para familias, talleres infantiles de verano, cursos de adultos, visitas guiadas, talleres de artista- y el conjunto de actividades paralelas y complementarias de las exposiciones -jornadas, seminarios, conferencias, conciertos, ciclos de cine...- además de los servicios de la Biblioteca-Centro de Documentación y de las actividades de la Agrupación de Amigos, son otros componentes esenciales en la oferta del MARCO a sus visitantes. (Fuente: MARCO)

 

 

MEIAC, Badajoz

 

 

 

 

Uso original: Fortín de Pardaleras, y posteriormente cárcel

Fecha construcción: s. XVIII (fortín), mediados de los cincuenta (cárcel)                       

                   

 

       

 

 

 

                 

 

Uso actual: MEIAC, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz
Fecha rehabilitación: 1995
Arquitecto: José Antonio Galea
Dirección: C/ Museo, s/n Badajoz
Tel: 924 013068
Web: http://http://www.meiac.es/www.meiac.es/
Email:  meiac@juntaextremadura.net

 

 

 

 

Historia del edificio:

El Museo está situado sobre el solar de la antigua Prisión Preventiva y Correccional de Badajoz, que había sido construida a mediados de los años cincuenta sobre el recinto de un antiguo baluarte militar del siglo XVIII conocido como el Fuerte de Pardaleras.

La creación del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo supuso, no sólo suponía la reconversión de un sórdido recinto penitenciario en un espacio para la comunicación y la cultura, sino que respondía también a una explícita voluntad modernizadora y replanteaba con un sentido nuevo la importancia estratégica de la ciudad y su futuro en la zona fronteriza.

Obra del arquitecto José Antonio Galea, el proyecto que configura el nuevo museo prescindió de las naves radiales de la antigua cárcel y planteó la creación de un complejo museístico organizado en función de un eje axial y ordenado en tres apartados o zonas diferentes, aunque globalmente integradas: un edificio para la colección permanente y las exposiciones temporales, un edificio de uso administrativo y una amplia zona ajardinada.

De la antigua cárcel se mantuvo en el nuevo proyecto la torre circular del panóptico por tratarse de su elemento formal y simbólico más significativo, rehabilitándose para sus nuevas funciones, mejorando su capacidad, sus limitaciones de altura y la circularidad de sus recorridos mediante la construcción bajo su planta de una sala hipóstila de grandes proporciones.

En un edificio de nuevo alzado se asientan el área administrativa, el salón de actos, los almacenes, talleres y servicios de apoyo al museo.

Los espacios abiertos se configuran como toda una "arquitectura exterior" en la que los muros y elementos constructivos se combinan con palmerales, paseos y zonas ajardinadas.

En cuanto a su superficie útil, sin contar con la pequeña sala de exposiciones situada en el ágora del edificio anexo, ni con las posibilidades que en ese sentido puedan ofrecer los espacios exteriores, el Museo dispone de un generoso espacio expositivo repartido en sus cuatro plantas circulares. (Fuente: MEIAC)

Fondos:

Un conjunto de los fondos del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo se encuentran vinculados de manera directa a Extremadura, bien por tratarse de obras realizadas por artistas locales, bien por haber formado parte de las adquisiciones realizadas por la Junta desde 1987 o, por último, por haber resultado galardonadas en el apartado plástico de los Premios Constitución.

En este grupo de creaciones relacionadas con algunos de los exponentes de la renovación artística extremeña en el siglo XX se inscriben las obras de Timoteo Pérez Rubio o Isaías Díaz- vinculados a la vanguardia de comienzos de la centuria, integrantes de los Salones de los Independientes y de la Sociedad de Artistas Ibéricos-, del pintor Godofredo Ortega Muñoz o del escultor Enrique Pérez Comendador.

No pueden olvisarse, asimismo, los nombres de Juan Barjola, Ángel Duarte, Pablo Palazuelo, Wolf Wostell, Eduardo Naranjo, Gastón Orellana, Susana Solano, Juan Muñoz, Adolf Scholsser, Juan Navarro Baldeweg, José María Sicilia, Juan Uslé o el fotógrafo Javier Vallhonrat, por mencionar una brevísima selección de la nómina de artistas aquí representados. (Fuente: Summa artis. XLIX-II)

 

 

Juzgado

MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo

 

 

Uso original: antigua sede de la cárcel y juzgados de Vigo

Fecha construcción: 1880

 

 

 

 

                                                                                           

Uso actual: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Fecha rehabilitación: 1999-2001
Fecha inauguración: 2002
Arquitectos: Salvador Fraga Rivas, Francisco Javier García-Quijada Romero y Manuel Portolés Sanjuán.
Dirección: C/ Príncipe, 54 36202 Vigo
Tel/Fax: 986 113900 / 986 113901
Web: http://www.marcovigo.com/
Email: info@marcovigo.com
MARCO en Facebook

 

 

 

 

 

Historia del edificio:

El MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, está situado en plena zona comercial de la ciudad, en la céntrica y peatonal calle del Príncipe, y ocupa el espacio de lo que fue la antigua sede de la cárcel y juzgados de Vigo (1880), un lugar muy ligado a la memoria colectiva y que constituye uno de los principales atractivos del centro.

La idea primigenia de crear un museo de arte contemporáneo en Vigo se planteó en 1994, siendo alcalde D. Carlos González Príncipe. Desde entonces hasta el 22 de octubre de 2002, fecha de constitución de la Fundación MARCO, pasaron varios años de trabajos a favor del museo, durante los que se realizó y ejecutó el proyecto de rehabilitación y reconstrucción del antiguo edificio de los juzgados y cárcel de Vigo (1880).

La elaboración del proyecto, una reforma cofinanciada entre el Ayuntamiento de Vigo y la Unión Europea (FEDER), por medio del Programa INTERREG II ESPAÑA-PORTUGAL, fue adjudicada al equipo vigués de arquitectos formado por Manuel Portolés Sanjuán, Francisco Javier García-Quijada Romero y Salvador Fraga Rivas, el 24 de marzo de 1995.

Se prestó especial atención a la integración del edificio en el contexto urbano, dotándolo de un paseo peatonal, con escalinata, que lo comunica con las calles posteriores y con su entorno. (Fuente: MARCO)

Actividades:

Con la apertura de puertas al público en 2002 el MARCO se convertía en uno de los más jóvenes museos de Galicia. Si bien su nombre y acrónimo lo definen como Museo, el MARCO no tiene colección permanente y funciona como centro de arte contemporáneo, con un programa de exposiciones temporales y un conjunto de actividades paralelas de las que el programa educativo es una parte esencial.

El principal objetivo del museo es comunicar, conectar con los visitantes y, por encima de todo, crear y fomentar hábitos de consumo cultural, un reto difícil y a largo plazo. La línea de programación del MARCO se centra en exposiciones temporales, hasta ahora temáticas y colectivas, y que a partir del año 2009 se completa con una nueva línea de exposiciones individuales. El programa educativo -visitas y talleres para escolares, actividades para familias, talleres infantiles de verano, cursos de adultos, visitas guiadas, talleres de artista- y el conjunto de actividades paralelas y complementarias de las exposiciones -jornadas, seminarios, conferencias, conciertos, ciclos de cine...- además de los servicios de la Biblioteca-Centro de Documentación y de las actividades de la Agrupación de Amigos, son otros componentes esenciales en la oferta del MARCO a sus visitantes. (Fuente: MARCO)

 

 

Casa de empeño

La Casa Encendida de Madrid

 

Uso original: Casa de Empeños Monte de Piedad y sucursal de la Caja de Ahorros de Madrid.

Fecha construcción: 1911

Arquitecto: Fernando Arbós y Tremanti

     

 

                                                                      

Uso actual: La Casa Encendida
Fecha restauración: 1989, 1999, 2002
Arquitectos: Guillermo Escribano Villanueva (primera rehabilitación),Carlos Manzano (segunda rehabilitación)
Dirección: C/ Ronda de Valencia, 2, 28012 Madrid
Tel/Fax: 91 6024641 / 91 5063876
Web: http://www.lacasaencendida.com
E-mail: casaencendida@cajamadrid.es

 

 

 

Historia del edificio:

La Casa Encendida se encuentra en un gran edificio de estilo neomudéjar, proyectado por el arquitecto Fernando Arbós y Tremantí. Se empezó a construir en 1911y se inauguró en 1913. Antiguamente fue Casa de Empeños Monte de Piedad y sucursal de la Caja de Ahorros de Madrid, hoy Caja Madrid. De valor histórico artístico, está protegido con el máximo nivel por los distintos planes de conservación y ordenación.

En el siglo XIX existe en toda Europa una corriente historicista en arquitectura, que consiste en realizar edificios inspirándose en antiguos estilos del pasado. Estamos viviendo el momento del romanticismo y de los primeros nacionalismos, y esto lleva a que los arquitectos busquen la inspiración en aquellos estilos que se consideran propios del país.

En España, una de estas fuentes de inspiración se encontrará en el neomudejarismo. Los arquitectos encontraron una fuente de recursos en el mudéjar toledano de los siglos XIV y XV, cuya presencia se mantenía viva en la ciudad de Toledo. Los diversos estudios sobre este estilo por parte de arqueólogos, eruditos y arquitectos del momento contribuyeron al desarrollo de este estilo. Otro aspecto a tener en cuenta es que a finales del siglo XIX se empiezan a emplear nuevos materiales como el hierro y se recupera el uso del ladrillo, por lo que entre los arquitectos existe un especial interés por camuflar el uso de estos materiales, que se consideraban pobres y antiestéticos. Mediante la recuperación del estilo mudéjar, los arquitectos encontraron un lenguaje racional idóneo que permitía a la vez un correcto uso del ladrillo.

Con el paso del siglo XIX al XX Madrid crece enormemente, por lo que el Consejo de Administración Del Monte de Piedad de Caja de Ahorros deciden crear nuevas sucursales para facilitar al público de las zonas más alejadas del centro su acceso a las oficinas. Esto hace que en 1909 se cree una comisión tripartita encargada de comprar los terrenos y realizar los trabajos preliminares. Finalmente se adquieren los solares en dos barrios populares: uno en Ronda de Valencia con vuelta a las calles Valencia y Amparo (de aproximadamente 21000 pies) y otro en la Calle Eloy Gonzalo. Inmediatamente Arbós se encarga del trazado de los planos, que son presentados al ministerio de gobernación en 1911. Ese mismo año, el 1 de mayo, se produce el acto de colocación de la primera piedra. A pesar de la necesidad de poner en funcionamiento las nuevas oficinas, la apertura se retrasa y no se produce hasta un año después, el 1 de mayo de 1912, debido a la inestable situación sociopolítica española, que generaba continuas huelgas. Finalmente el edificio se inaugura el 1 de mayo de 1913 y acogería la segunda sucursal de la Caja de Ahorros y el Monte de Piedad de Madrid.

A lo largo de casi un siglo y medio de vida ha albergado usos diversos, desde oficina del Monte de la Piedad y Caja de Ahorros de Madrid hasta archivos y almacén de empeños del mismo Monte de la piedad, hecho por el que durante muchos años fue conocido como Casa de Empeños.

Para la realización del edificio Arbós emplea un estilo neomudéjar, muy común en la arquitectura madrileña del momento y que ya había sido empleado por el arquitecto. Este estilo se puede observar en el característico uso del ladrillo de distinto color, en su aparejo, en el estudio de los vanos y en la concepción del edificio en sí. El edificio, resuelto con la funcionalidad que requiere un edificio de estas características, se construyó sobre un solar rectangular, por lo que tiene una planta rectangular dispuesta en torno a un gran patio central. No responde a la tipología de arquitectura bancaria del primer cuarto del siglo XX tanto en la planta como en el tratamiento exterior, por lo que es un tratamiento singular. La articulación del espacio en torno a un patio nos remite a la arquitectura palaciega.

En cuanto a la estructura interior, el edificio tenía tres plantas además de la azotea, con los dos pabellones y el sótano almacén. La planta baja estaba reservada a oficinas, mientras que el piso principal y el primero tenían algunas oficinas y viviendas individuales para jefes y empleados. Los almacenes eran amplias plantas corridas con estanterías y departamentos para que los enseres empeñados pudieran ser colocados en perfecto orden. Un aspecto importante del edificio es la novedad que suponía en estos años el uso en la arquitectura de materiales como el hierro, que se empleaba en las vigas que forman los forjados de los pisos. Todos los adelantos técnicos del momento, divulgados Los dos pabellones laterales, que sobresalen en altura comunicados por la azotea, tenían por fin ventilar las ropas que custodiaban, principalmente por las exposiciones universales, se aplicaron en el edificio. Así, se dotó de modernos servicios de higiene, calefacción por vapor y ascensores eléctricos.

En el exterior destaca el carácter horizontal de edificio, ya que es un gran bloque rectangular en el que tan sólo destacan los dos torreones laterales. En este sentido el edificio se adopta a forma tradicional de los palacios franceses del s. XVIII, en los que la fachada aparece flanqueada por dos torreones que sobresalen ligeramente en altura y que rompen con la horizontalidad. Asimismo, también es tradicional la división exterior del edificio en dos bloques horizontales mediante el uso de una cornisa. El bloque central se diferencia de los torreones laterales mediante el uso de unas pilastras laterales que se elevan sobre una especie de plintos en el primer piso. Todo el exterior se encuentra rematado por una balaustrada en ladrillo decorada con formas geométricas. También es interesante la composición simétrica de sus tres fachadas, donde utiliza una ordenación de grandes huecos rasgados verticalmente que forman una retícula. Remata las esquinas con torreones, que le dan un aspecto de muro cortina y de arquitectura industrial. La fachada se encuentra abierta por una gran cantidad de vanos, que se ocupan toda la longitud del piso inferior y se dividen en dos vanos en el piso superior. En todos los casos los huecos finalizan en un arco rebajado y se protege con una balaustrada en hierro. De una manera muy clásica Arbós destaca el eje central del edificio mediante la alineación de la puerta principal con el frontón escalonado con reloj de la parte superior. Todas las fachadas están decoradas por diferentes forma geométricas realizadas en ladrillo de diferentes colores, inspirados en la arquitectura mudéjar, pero poco habitual en el neomudéjar madrileño. Todo ello hace que la estética de sus fachadas sea muy novedosa, especialmente si lo comparamos con otros edificios bancarios que se construyen en la misma época. Al mezclar los componentes tradicionales de la arquitectura fabril, con claro predominio del ladrillo, con recursos italianizantes y neomudéjares, Arbós consiguió crear una fachada principal de bella factura, simétrica y reticulante.

La restauración del edificio de La Casa Encendida se encargó a Carlos Manzano y asociados, que realizaron el proyecto de rehabilitación en 1999 y lo finalizaron en el 2002. En esta rehabilitación se ha querido mantener intacta la esencia del edificio ya que así se respecta el valor histórico- artístico del mismo. Carlos Manzano debía reconvertir el edificio eclecticista, proyectado por el arquitecto Fernando Arbós, en un centro dedicado a diversos contenidos multidisciplinares, artísticos y ecológicos dirigidos a un público amplio. En este caso, la intervención arquitectónica es de escaso interés, y lo que destaca es el contraste entre el edificio eclecticista y la innovación de las actividades que allí se desarrollan.

La necesidad de crear un edificio versátil, capaz de albergar diferentes actividades, permitió adaptarlo a los nuevos usos y necesidades sin apenas transformarlo estructuralmente, conservando los valores arquitectónicos y espaciales que hacen de él un edificio singular en la arquitectura madrileña del siglo XX:

El proyecto de rehabilitación ha conservando los elementos fundamentales de la arquitectura original, fachada, patio, escalera y los dos torreones. Los espacios interiores han sido completamente renovados, y el nuevo diseño elimina las barreras arquitectónicas, facilitando así el acceso a las instalaciones a los distintos colectivos de la sociedad. El exterior del edificio permanece prácticamente intacto, y en la fachada tan sólo se han modificado las ventanas y la puerta de cristal de acceso. Además se han incorporado unos toldos de colores, que son una instalación de la artista donostiarra Maider López. Estos elementos cotidianos sirven para romper con la imagen institucionalizada del edificio.

En cuanto al interior, se decidió realizar una reforma muy sobria, seguramente con la intención de contrastar con el recargado exterior. El interior es tremendamente austero y un tanto frío, y parece que sigue la estética fabril o de los hospitales. La ausencia de color es total, ya que emplea el color blanco para las paredes y el gris del hormigón para el suelo y escaleras, todo ello unido al aluminio de las barandillas. En el interior no existe ningún elemento decorativo. Los muebles que hay son sencillos y funcionales de formas rectas y realizados en aluminio (como los bancos o estanterías) o bien en madera, como es el caso de las mesas y sillas de la biblioteca y hemeroteca. Las únicas notas de color que hay en el edificio las da la señalética, realizada en el verde corporativo de Caja Madrid. En la rehabilitación el arquitecto ha decidido intervenir de una manera lo más neutra posible, sin apenas dejar huella. Quizás se haya querido remarcar el carácter fabril de La Casa Encendida, entendida como un laboratorio de ideas, un centro vivo con múltiples actividades en las que los espacios deben ser polivalentes y funcionales, capaces de adaptarse a diferentes usos. Por tanto, se ha optado por un tipo de diseño muy moderno en el que se emplea el hormigón a la vista, algo propio de un centro que quiere dar un aire de vanguardia, alejado de otro tipo de centros más tradicionales.

En cuanto a la distribución interior, se sigue manteniendo el patio como eje central del edificio, como un sitio de paso obligatorio pero también como un espacio vivo en el que se realizan múltiples actividades. La Casa Encendida cuenta con una superficie útil aproximada de 6.500 metros cuadrados, distribuidos en cuatro plantas más una azotea, al igual que el edificio de Arbós.

En la planta sótano se encuentra el auditorio (con capacidad para 175 personas), sala audiovisual (para 72 personas) y dos salas de exposiciones (espacio E y D) en las que no existe ningún punto de luz. La planta sótano se comunica con la planta principal mediante unas escaleras de hormigón con una barandilla de aluminio. Aquí se encuentra la el patio (con una superficie aproximada de 300 metros cuadrados), la tienda y otras tres salas de exposiciones (espacio A, B, y C), dos de ellas comunicadas entre sí. De nuevo el problema es que no tienen puntos de luz natural a lo que hay que unir su reducido tamaño. Debemos tener en cuenta que estamos ante un centro que acoge propuestas de arte muy novedosas, y el hecho de que no sean espacios expositivos amplios puede llegar a ser un problema.

En el primer piso se encuentra una biblioteca de trabajo, que incluye una sala principal de estudio, mediática, hemeroteca, sala de lectura y un centro de trabajo con ordenadores. En esta planta también hay salas de trabajo y talleres, así como dependencias administrativas. En el segundo piso existen más salas de trabajo y talleres y el punto de información al voluntariado. La azotea se ha conservado prácticamente intacta al proyecto original. Aquí se encuentra un acceso a la parte superior de los pabellones que se aprovechan para diferentes usos. (Fuente: Intermediaireculturel).

Actividades:

La Casa Encendida es un centro social y cultural de Obra Social Caja Madrid abierto y dinámico, comprometido con actitudes solidarias y cuyo público preferente, aunque no exclusivo, son los jóvenes. Apuesta por difundir valores como empeño personal, trabajo en equipo o integración a través de sus actividades. Para llevar a cabo sus objetivos, ha definido cinco grandes áreas de actuación: cultura, solidaridad, medio ambiente, educación y ocio.

El centro se dedica a la promoción y difusión de las manifestaciones más vanguardistas del panorama cultural, ofreciendo desde ciclos de cine, teatro, música, danza y arte, hasta cursos y talleres de literatura, cooperación, idiomas e informática. Sus completas instalaciones, que cuentan con biblioteca, hemeroteca y audioteca, junto con sus actividades, hacen de La Casa Encendida un innovador punto de encuentro en Madrid.

La Casa Encendida constituye uno de los proyectos creados siguiendo la nueva política social y cultural de Obra Social Caja Madrid. Entre los objetivos del centro, sepretende fomentar el esfuerzo individual y colectivo, y apoyar el desarrollo de proyectos en el ámbito de la cultura contemporánea, así como en necesidades sociales de actualidad. Para cumplir este objetivo, defiende una serie de valores como solidar idad,trabajo en equipo, participación, integración, apoyo mutuo, etc.

 Por ello, La Casa Encendida es, ante todo, un espacio de vocación multidisciplinar que se define como: Un centro cultural que ofrece una amplia gama de actividades culturales, en campos como las artes plásticas, las artes escénicas y las artes audiovisuales, combinando la promoción de nuevos creadores con la presencia de artistas reconocidos.

Un centro social que promueve la integración y la participación de los distintos colectivos, y pone en marcha una Escuela de Solidaridad, y otra de Medio Ambiente, destinadas a formar voluntarios y gestores de asociaciones. El conocimiento mutuo, el intercambio de ideas y la puesta en marcha de iniciativas colectivas de interés social son algunas de las claves. (Fuente: Ministerio de Cultura).

 

 

Vivienda, palacio

Centro Atlántico de Arte, Las Palmas de Gran Canaria

 

 

 

Uso original: residencia neoclásica

Fecha construcción: s. XVIII

 

 

 

 

         

                                                                            

 

 

Uso actual: Centro Atlántico de Arte Moderno
Fecha inauguración: 4 diciembre 1989
Arquitecto: Francisco Javier Sáenz de Oiza
Dirección: C. Los Balcones, 11, 35001 Las Palmas de Gran Canaria
Tel/Fax: 928 311800 / 928 321629
Web: http://www.caam.net
Email: info@caam.net

 

 

 

 

 

Historia del edificio:

El Centro Atlántico de Arte Moderno, dependiente del Cabildo de Gran Canaria, fue inaugurado el 4 de diciembre de 1989. Desde su primer texto programático el CAAM ya manifestaba su firme voluntad de aunar 2 líneas de acción institucional en la vida cultural de la sociedad canaria: la de constituirse en un Centro de Arte, en un lugar que recoge y difunde mediante sus diversas actividades los debates artísticos más recientes; y a la vez, erigirse en Museo de Arte Contemporáneo que aspira a convertirse en un referente ineludible de nuestra memoria histórica mediante la formación de una colección permanente.

Hasta el momento el aspecto más destacado y público de este Centro ha sido el de su programación de exposiciones temporales y de seminarios y cursos que giran, generalmente, en torno al tema central de nuestro mestizaje cultural atlántico. El concepto de tricontinentalidad, como espacio de cruce de culturas entre los tres continentes: Europa, África y América, que orienta el proyecto global del CAAM como Centro de Arte también es el eje vertebral de su colección.

En la memoria que se realizó en su momento se expresaba “...el deseo del Cabildo de Gran Canaria de dotar a la Isla de un nuevo museo vivo y dinámico que sirva de cobertura a las necesidades de las Artes Plásticas y sea también un Centro de animación socio-cultural...ha de ser un ente vivo y dinámico a base de exposiciones temporales de carácter rotativo y dinámico que tenga fondos permanentes del museo perfectamente codificados y ordenados...”

Con estos objetivos se realizó la construcción del actual Centro Atlántico de Arte Moderno en la calle Los Balcones nº 11, en el histórico barrio de Vegueta, en un solar de 935’70 metros cuadrados. Siguiendo las ordenanzas aplicadas al centro histórico de Las Palmas de Gran Canaria el edificio solamente podía constar de un sótano, dos plantas y un ático, con una fachada principal del siglo XVIII que había que respetar.
Las necesidades a cubrir y que se le indicaron a don Francisco Javier Sáenz de Oíza para su proyecto arquitectónico fueron:

  • Tres plantas de exposición
  • Biblioteca-Centro de Documentación
  • Despachos y oficinas
  • Almacén-depósito de obras de arte
  • Restaurante – Cafetería
  • Tienda
  • Complementos necesarios

Con este encargo se alzó el actual edificio de Los Balcones nº 11, cuya superficie total construida es de 3.682’14 metros cuadrados. Actualmente, y después de recuperado y rehabilitado, es el edificio anexo, sito en Los Balcones nº 9, el que da cabida a los despachos, oficinas y taller de restauración además de 3 salas de exposiciones habilitadas para obras de arte de pequeño formato, así como para otro tipo de exposiciones: fotografía, arquitectura, diseño..., lo que se presta a que dichos espacios puedan albergar muestras de otras instituciones que acuden a este centro solicitando colaboración.

Bajo esta fórmula el CAAM ha albergado diversas exposiciones organizadas en colaboración con el Colegio Oficial de Arquitectos. También la exposición La otra mirada, una propuesta de creadores grancanarios, que reivindican una nueva artesanía, organizada por la Fundación para la Etnografía y el Desarrollo de la Artesanía Canaria (FEDAC) en colaboración con el proyecto Leader II de la Comunidad Europea, así como la exposición de los trabajos realizados por los becarios del Centro Canario de Diseño Integrado (CCDI) perteneciente al Instituto Tecnológico de Canarias, S.A. (ITC) de la Consejería de Industria y Comercio del Gobierno de Canarias, entre otras.

Con estas colaboraciones el CAAM cumple uno de los objetivos para los que fue creado: constituirse en un Centro de Arte que recoja y difunda los debates artísticos más recientes siendo motor dinamizador de la vida cultural de la sociedad canaria. El espacio expositivo de San Antonio Abad, anexo al CAAM, se inauguró en mayo de 1999 después de ser remodelado y se destina a la investigación, análisis y difusión de la última creación plástica de artistas que trabajan en Canarias. Esta tarea de difusión del trabajo artístico de Canarias, principalmente del arte joven y emergente, permitirá a este Centro consolidar una extraordinaria herramienta de trabajo a todas luces beneficiosa para la sensibilidad propia de la tradición artística canaria.

A lo largo de estos años el CAAM ha desarrollado una importante labor de producción de muestras. Más de un centenar de exposiciones forman parte ya del imaginario del centro entre las que merecen destacarse proyectos comoEl Surrealismo entre Viejo y Nuevo Mundo; Artistas Rusos Contemporáneos; Hacia el Paisaje; Desplazamientos; Africa Hoy; El Museo Imaginado; Automatismos Paralelos; Historia Natural. El Doble Hermético; Voces de Ultramar; Millares; La Vanguardia Rusa; Los Géneros de la Pintura; Otro País. Escalas africanas; Miguel Martín; Herejías; Expresionismo Alemán; Óscar Domínguez; Cuba Siglo XX; Gaceta de Arte; De Juan Hidalgo; Islas; Trasatlántico; Juan Ismael; Forjar el Espacio; A Rebours; Convergencias/Divergencias; Aires: Luces y sombras en Las Palmas de Gran Canaria; Máquinas; El Arte Abstracto y la Galería Denise René; Rumbos de la Escultura Española; Arquitectura Radical; Mesoamérica; La Colección – la muestra más visitada de nuestra historia, con más de dieciocho mil entradas – o Dokoupil. Cuadros de Vela.

Paralelamente el centro ha desarrollado una intensa labor de difusión y análisis a través de cursos y seminarios que han hecho de su gestión un referente ineludible en su entorno. (Fuente: Centro Atlántico de Arte Moderno)

Fondos:

Desde sus inicios, el CAAM no ha perdido de vista una de sus bases fundacionales: la creación de un espacio para la conservación, catalogación y estudio de las obras de arte. La Colección del Centro Atlántico de Arte Moderno se nutre en un primer momento de los fondos de arte canario adquiridos desde los años cuarenta por el Cabildo de Gran Canaria. Este fondo contaba con obras de artistas de los años 30 y 40, vinculados a la Escuela de Arte Decorativas “Luján Pérez”: Jorge Oramas, Plácido Fleitas, Eduardo Gregorio, Felo Monzón y Santiago Santana, entre otros, a las que se unen las de otros creadores canarios más contemporáneos, procedentes de exposiciones realizadas en la Casa de Colón y en la Sala San Antonio Abad.

Desde las primeras reuniones del equipo fundacional del CAAM, se establece el grupo “El Paso”, inicio de la vanguardia española, como el punto de arranque de la Colección, teniendo en cuenta que dos de sus miembros son canarios: Manolo Millares y Martín Chirino. A esta premisa se une la tesis inaugural de la tricontinentalidad que abre los fondos del museo al arte creado en África, Latinoamérica y el continente europeo. En este sentido, se ha adquirido obras de artistas que han participado en algunas de las exposiciones temporales que han ocupado el espacio del CAAM: Willie Bester, Sokari Douglas Camp, Berry Bicke, Jesús Soto, Marcos Lora Read o Thomas Ruff, entre otros.

Paralelamente, el CAAM ha completado su Colección conpiezas de algunos períodos que estima no están suficientemente representados; como es el caso del arte español de los años 80 y 90: José María Sicilia, Cristina Iglesias, Alberto García Alix, o Luis Gordillo. La reapertura del la Sala San Antonio Abad y su línea de investigación y difusión de la última creación plástica, abre una nueva dinámica en la Colección y la nutre de las representaciones últimas de la contemporaneidad.

La adquisición de la Colección APM en 2002 produce un cambio significativo en los fondos del CAAM. Integrada por alrededor de 1.600 obras, se centra en el desarrollo de los movimientos culturales canarios de los años 70, 80 y 90. La presencia de autores centroeuropeos como Walter Dahn o Andreas Schulze, es también digna de mención.

Ahondando en este apartado, ingresan en la colección 48 obras sobre papel y lienzo de autores claves de los años 80 y 90 europeo: Dokoupil, Condo, Longobardi y Salvo, entre otros.

El CAAM prosigue su trayectoria de contacto con la contemporaneidad mediante el acercamiento a las galerías circundantes, a los propios artistas y al devenir de las obras presentes en las exposiciones temporales que programa, para nutrir a su colección de obras que reflejen su compromiso con sus principios fundacionales y su entornoespacial y temporal. (Fuente: Centro Atlántico de Arte Moderno)

 

 

Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo, Gijón

 

 

 

Uso original: palacio

 

 

 

 

                                                  

 

 

Uso actual: Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo

Fecha inauguración:  agosto 1991

Dirección: Plaza del Marqués, 2, 33201 Gijón

Tel/Fax: 985 346921 / 985 358123

 

 

 

 

Historia del edificio:

Ubicado en un edificio histórico emblemático para la ciudad de Gijón, se inauguró en agosto de 1991 el Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo, tras una importante restauración y adecuación de sus instalaciones, convirtiéndose en uno de los más prestigiosos espacios dedicados a las exposiciones temporales en nuestro país.

Con clara vocación de difundir y confrontar las distintas expresiones del arte y la cultura contemporánea, se han dado cita en las salas del Palacio Revillagigedo desde las oportunas revisiones del panorama plástico asturiano hasta el análisis de las últimas tendencias de la creación internacional, perfilando su carácter de gran centro de arte a nivel nacional. El Centro cuenta con un permanente programa de actividades: exposiciones temporales, conferencias, cursos, proyecciones, actividades escénicas y musicales, etc.

La labor museográfica de difusión que se lleva a cabo en el Centro se apoya en un servicio de visitas guiadas y talleres didácticos, de gran interés educativo, tanto de cara a la comunidad escolar de la región -principales usuarios del servicio-, como para cualquier colectivo interesado en recibir una información adicional adaptada a sus conocimientos. El objetivo fundamental es crear un público motivado y sensible, con capacidad de disfrute de los recursos naturales.(Fuente: CajAstur )
 
 

Museo Barjola, Gijón

 

 

Uso original: Casa palacio de los Jove-Huergo y capilla anexa

Fecha construcción: 1676

Fotografías: Museo Barjola

 

 

  

                                                                                         

 

Uso actual: Museo Barjola

Fecha inauguración: 1988

Dirección: C/ Trinidad, 17, 33201 Gijón

Tel/Fax: 985 357939 / 985 176231

Web: http://www.museobarjola.es

Email: mbarjola@princast.es

 

 

 

 

Historia del edificio:

El museo se ubica en un edificio histórico situado en el casco antiguo de la ciudad conocido como el Conjunto de la Trinidad y que da nombre a la calle, se compone del Palacio de Jove-Huergo y su capilla anexa acabado de construir en 1676, como consta en la inscripción fundacional colocada en un lateral de la capilla, y que constituye uno de los mejores exponentes de arquitectura barroca local.

Este conjunto propiedad de Cajastur fue cedido al Gobierno del Principado de Asturias como sede del museo. El palacio lo constituyen dos edificios yuxtapuestos de planta rectangular divididos en tres plantas. En ambos cuerpos hay una simétrica distribución de huecos y los pisos se separan por una línea de impostas. Un escudo con las armas de Hevia, Miranda y Lavandera, situado en el eje central del edificio es el único elemento decorativo de la fachada. Frente a la sobriedad del palacio destaca la capilla adosada la izquierda de este, con planta de nave única, dividida en dos tramos. La fachada soporta una monumental portada barroca, estructurada por un hueco adintelado recorrido por pilastras molduradas. Sobre el dintel un panel alberga el escudo de los Jove y se corona por un frontón semicircular con luneto que ilumina el coro. La fachada finaliza con una graciosa espadaña rematada por un frontón curvo. Tanto el frente del palacio como la capilla son de buena sillería.

El interior de la nave se cubre con bóveda de arista, y el presbiterio con cúpula sobre pechinas decoradas con las figuras de los cuatro evangelistas. A ambos lados del presbiterio hay dos hornacinas de piedra rematadas con frontón partido.

La Capilla de la Trinidad fue restaurada en 1963, y en 1989 todo el conjunto se rehabilitó como Museo de Pintura Barjola, según proyecto de los arquitectos José Antonio Galea Fernández y Álvaro Llano.

Esta rehabilitación, conservó la fachada delantera y los elementos constructivos de la capilla, reconstruyéndose el interior del palacio atendiendo a necesidades museográficas que generaron espacios luminosos, diáfanos, interrelacionados entre si y articulados torno a un gran patio central a modo de vestíbulo desde donde se accede a la capilla, a las tres plantas superiores, a la hemeroteca y a las zonas de almacenaje y oficinas. Ese espacio está rematado por un lucernario que, junto con los ventanales de la fachada, dotan de luminosidad al conjunto.

El espacio rehabilitado dejó aproximadamente 1.500 m² de superficie expositiva. A estos efectos la Capilla de la Trinidad es el lugar tradicionalmente dedicado a las exposiciones temporales mientras que el resto de las plantas y huecos del museo albergan la colección permanente de obra de Juan Barjola. En los últimos años la especialización de las exposiciones temporales del museo en escultura e instalaciones se ha ido abriendo a nuevas formas artísticas —pintura, fotografía, obra gráfica—, por lo que varias veces al año se descuelga parte de la colección permanente para albergar estas muestras que no tienen cabida en el peculiar espacio que la capilla propone.

El Museo Barjola está financiado y dirigido por el Gobierno del Principado de Asturias, a través de la Consejería de Cultura y Turismo. (Fuente: Museo Barjola)

Fondos:

El 9 de marzo de 1985 Juan Galea Barjola y su esposa Honesta Fernández Calzón formalizan una generosa donación al Gobierno del Principado de Asturias.

Como motivación Juan Barjola destaca: el hecho de estar casado con una asturiana, de la que en todo momento y durante su ya dilatada vida matrimonial recibió ayuda, comprensión y estímulo para la realización de su obra, y el conocimiento de la preocupación e inquietudes culturales por parte de las instituciones asturianas, todo lo cual determina la voluntad del artista para efectuar la donación.

Esta se materializa en seis obras con destino al Museo de Bellas Artes de Asturias y en más de un centenar de obras para formar la colección permanente del Museo Barjola, con la condición de disponer de una sede que permita su exhibición inseparable en el edificio que a tal efecto se procure y habilite.

También se precisa que esta donación se entienda como mínima, por lo que en años posteriores, concretamente en 1992, 1993 y 1994 Juan Barjola volvió a depositar obras en el museo, actualizando y completando la colección del centro. La mayor parte de las obras son oleos sobre lienzo, pero también se incluye obra gráfica (aguafuertes), y dibujo (tintas chinas).

Estas obras nos acercan al universo de Juan Barjola, que es denso, drámático y comprometido, crónica existencial y desgarrada de la realidad y de la humanidad.

Permiten observar la temática recurrente del pintor que se puede agrupar en diversas series: suburbios, multitudes, niños, maternidades, violencia y guerra, erotismo, perros, mujeres, retratos apócrifos, prostíbulos, tauromaquias, camerinos, mundo onírico o crucifixiones, temas propios del mundo barjoliano presentes a lo largo de toda la obra de Barjola.

De este modo Asturias posee la más importante colección pública de obras del pintor extremeño, maestro indiscutible del expresionismo figurativo del pasado siglo en España, pero también, y mediante esta donación, en Asturias se genera un museo que complementa la exhibición de esta espléndida colección permanente con la de muestras temporales de arte contemporáneo y la celebración de actos culturales diversos. (Fuente: Museo Barjola)

 

Museo Pablo Gargallo, Zaragoza

 

 

Uso original: Palacio de los condes de Argillo

Fecha construcción: 1659 - 1661

Arquitecto: Juan de Mondragón y Felipe de Busiñac y Borbón

 

  

 

 

 

Uso actual: Museo Pablo Gargallo

Fecha inauguración: julio 1985

Fecha rehabilitación: 2001

Dirección: Plaza San Felipe, 3, 50003 Zaragoza

Tel/Fax: 976 724922 / 976 392076

 

 

 

 

Historia del edificio:

El nombre con que es conocido actualmente es el de sus propietarios en el siglo XIX, los condes de Argillo; siendo una valiosa muestra de la evolución de la arquitectura civil de Zaragoza en el s.XVII. Aunque fue construido en el siglo XVII presenta una clara pervivencia de elementos góticos y renacentistas. El Palacio de Argillo, muy remodelado, sólo conserva de su estructura original la fachada y el patio de forma cuadrada. En la fachada destacaremos su clara expresión barroca con escaso paramento, grandes huecos y un alero muy amplio con motivos vegetales.

El palacio lo hizo construir Francisco Sanz Cortés, los arquitectos fueron: Juan de Mondragón y Felipe de Busiñac y Borbón; y su construcción se prolongó entre los años 1659 y 1661. El palacio se hizo como ampliación de la casa que ya poseía en la parte posterior de este edificio, por lo que sólo consta de los elementos más representativos: fachada, patio, escalera y salón en planta noble. Fue declarado Monumento Nacional en 1943. Museo monográfico dedicado a la obra del escultor aragonés Pablo Gargallo (Maella, 1881- Reus, 1934).

Su construcción fue posible gracias a un acuerdo de colaboración entre la hija del escultor, quién donó la obra expuesta, y el Ayuntamiento, que asumió la rehabilitación de la casa-palacio de Argillo, edificio del siglo XVII que acoje la obra de este genial artista. Contiene esculturas en bronce y otros materiales, dibujos, grabados y varias plantillas de cartón para formar algunas de sus esculturas, así como el Fondo de Documentación relativo al propio artista y a la escultura contemporánea. Dispone también de una sala de exposiciones temporales y de un centro de documentación sobre arte contemporáneo. (Fuente: InfoZaragoza)

Fondos:

Desde su inauguración en julio de 1985, las colecciones del Museo Pablo Gargallo han crecido de manera pausada pero ininterrumpida, gracias sobre todo a las sucesivas donaciones de Pierrette Gargallo de Anguera, que siguen ampliando la inicial donación Anguera-Gargallo, aunque también merced a las adquisiciones a terceros del Ayuntamiento de Zaragoza e incluso a la generosidad de dos particulares. Como ya publicamos en su momento, durante los dos primeros años de existencia del Museo el Ayuntamiento de Zaragoza adquirió cinco nuevas esculturas de Gargallo (El amor, ca. 1906, Retrato de la señora Grant, 1913, Caballo I, Caballo II y Caballo III, todas de 1927-28) y sufragó los costes de fundición de otras tres (los dos grupos ecuestres monumentales que forman Saludo olímpico -El atleta clásico y El atleta moderno-, 1929, y el relieve Los humildes, 1904), cuyos derechos de autor habían sido previamente donados por Pierrette Gargallo. Al mismo tiempo, Joaquín Ventulà Roure, pariente de Gargallo, donó la escultura Virgen, ca. 1894, quizá la primera obra modelada por el artista, y la propia Pierrette aumentó sus donaciones con las cuatro planchas originales, y una estampación en papel de tres de ellas, de las cuatro únicas puntas secas realizadas por su padre (Autorretrato, Cabeza de arlequín, Desnudo femenino (Bañista) y Bailarina, todas fechadas en 1928), así como con tres dibujos más (Apunte para San Martín compartiendo su capa con los pobres, Apunte para San Jorge y Figura de espalda, los tres datados ca. 1910), que inicialmente había dejado en depósito poco antes de la inauguración del Museo, todo lo cual supuso la entrada definitiva de un total de 19 obras nuevas, que no sólo incrementaban de manera notable las colecciones fundacionales, sino que además contribuían de modo decisivo al desarrollo paulatino del plan inicial de completar y mejorar progresivamente la representación de los distintos periodos, técnicas, tendencias y temáticas del trabajo de Gargallo.

Este primer impulso, que venía a reforzar la extraordinaria ampliación experimentada por las colecciones durante el proceso de creación y puesta en marcha del Museo, tuvo su continuidad en años sucesivos, de manera más lenta pero muy selectiva y exigente, lo que permitió la incorporación de obras de extraordinaria calidad y muy alta significación en el conjunto de la biografía creativa del artista. Desde 1988 hasta 1993 ingresaron en el Museo las esculturas Boceto de desnudo acostado, 1933, y Muchacho en la playa, 1934 (la primera fruto de una nueva donación Anguera-Gargallo y la segunda -única terracota con que contamos hasta la fecha- adquirida a un coleccionista particular por el Ayuntamiento de Zaragoza), y los dibujos Estudio para Muchacho en la playa, I,Estudio para Muchacho en la playa, II y Estudio para Muchacho en la playa, III, todos de 1933 y donados por Pierrette Gargallo para complementar la escultura homónima. Entre 1994 y 2001 las colecciones del Museo recibieron la joya Anillo, 1916 (pieza en oro y piedra verde donada por los señores Dargallo, primeros particulares no vinculados familiarmente con el artista que actuaban como benefactores del Museo Pablo Gargallo) y cinco nuevas donaciones de Pierrette Gargallo: la joya Colgante, 1915, las esculturas Desnudo femenino en pie, 1916, Galgo, 1921, y Ángel rezando, 1910-11, y el dibujo Retrato de Joan Canellas, ca. 1896-97. Por su parte, el Ayuntamiento de Zaragoza aportó, después de adquirirlo a un particular, el extraordinario dibujo Mujer secándose, tinta y acuarela de ca. 1909 que representa de modo excepcional uno de los momentos más significativos de la obra de Gargallo como dibujante. Como fácilmente puede imaginarse, en un proyecto de este tipo, planteado y desarrollado con todo entusiasmo y, si cabe, mayor rigor, las improvisaciones quedan excluidas de antemano, lógicamente en beneficio e interés de los resultados que se pretende conseguir. Por ello, las colecciones del Museo Pablo Gargallo están formadas con la evidente intencionalidad de reunir, hasta donde sea posible, un conjunto verdaderamente representativo de la producción del artista, de modo que tanto la selección de las obras incluidas en el Contrato fundacional y en el subsiguiente incremento de las previsiones contenidas en el mismo como todas las adquisiciones posteriores, por unos u otros procedimientos, se han realizado con esa misma finalidad, eligiendo en ocasiones determinadas obras que permitían incluir o mejorar un aspecto o periodo de la trayectoria de Gargallo, y prescindiendo momentáneamente (nunca, por supuesto, de modo definitivo, sino sólo obligados por las limitaciones de esa circunstancia concreta) de otras menos necesarias en el proyecto de completar, diversificar y categorizar el conjunto.

De acuerdo con esos planteamientos, las colecciones cuentan con piezas pertenecientes a todas las épocas y todas las tendencias de la producción de Gargallo, estando también representadas casi todas las temáticas que fueron objeto de sus trabajos y la mayor parte de los materiales y técnicas que utilizó para la ejecución de los mismos.

A diferencia de lo que ocurre con los dibujos, según veremos más adelante, el Museo Pablo Gargallo sólo cuenta con una escultura de los años de formación del artista, la escayola Virgen, ca. 1894, aunque la representación es mucho más extensa y completa cuando se trata del periodo en que inicia y consolida su independencia profesional, desde 1904 hasta 1910-11, al que pertenecen La Bestia del Hombre, Los humildes, y La pareja, todas de 1904, El amor, ca. 1906, Enrique Borrás, 1906 (modelo para medalla, única muestra de esta especialidad en las colecciones del Museo), Retrato de la señorita Sureda, ca. 1907, piezas que ofrecen características naturalistas y expresionistas (en línea con las corrientes de exaltación del realismo social que despuntaban en la Europa del momento), pero también simbolistas y modernistas, por utilizar adjetivos de identificación aproximada. A esta fugaz etapa de transición, influida por algunos autores del centro y norte de Europa, le siguió un corto pero apasionante periodo de búsqueda y afianzamiento de una personalidad creativa que muy pronto se revelaría extraordinariamente singular, con esculturas tan excelentes, depuradas y sintéticas como Pequeña voluptuosidad arrodillada, 1907, su ampliación parcial Cabeza inclinada de mujer, 1908, y la sugerente Pequeña faunesa de pie, 1908, que señalan ya el claro dominio de unos recursos expresivos propios y diferenciados.

El definitivo impulso de las crecientes inquietudes innovadoras de Gargallo se produce a partir de 1910-11 con el comienzo de la primera época del cobre, que se prolongará hasta 1920-21 y está caracterizada por la ejecución de máscaras y cabezas en chapa metálica -especialmente cobre, aunque también hierro-, cuya estructura es siempre convexa y de las que son inmejorables ejemplos La risa y la serie de Faunos y Faunesas, todas de ca. 1915. Pero al tiempo que construye sus excepcionales obras en chapa metálica, no abandona la otra tendencia de su trabajo, de manera que, a partir de una talla en piedra y bulto redondo del mismo año, ejecuta la Máscara de Picasso, 1913, modelada para fundir bronces, camino que seguirá también con el Retrato de la señora Grant, 1913, sin duda influido por las máscaras en chapa, como se demuestra con la incorporación al mismo de ciertos recursos expresivos y significantes (vaciado de ojos y boca, caligrafía de las pestañas) propios de éstas. Aunque existían algunos antecedentes, durante 1915 y 1916 desarrolla su interesante faceta de orfebre -realizando alfileres, broches, colgantes, anillos en plata, oro, hierro-, disciplina representada en el Museo con las piezas Colgante, 1915, y Anillo, 1916, y se consolida como repujador de pequeños bajorrelieves -en placa de latón, hierro y cobre- tan excelentes como Mujer peinándose, ca. 1916, Caín, Desnudo femenino en pie, Mujer tumbada sobre la mies, Pequeña maternidad y Retrato de Magali, todos de 1916, en los que aparecen sus temas preferidos y las características formales que identifican obras anteriores, cuando no anuncian los rasgos definitorios de próximas realizaciones. Siguiendo una línea que mantuvo a lo largo de toda su trayectoria, no deja de cultivar la faceta clasicista de su escultura, depurando y esencializando un lenguaje tan moderno como personal, con el que logra insuperables y emocionantes ejemplos de representación de la figura humana, de lo que puede ser buena muestra el vigoroso Pastor, 1917-18.

 

Antes de concluir la primera época del cobre, a partir de 1920 y hasta 1923 Gargallo desarrolla el fundamental intermedio del plomo, que dará lugar, con esculturas construidas en chapa de plomo, caso del Retrato de Ángel [Fernández] de Soto, 1920, la Joven española y el Galgo, ambas de 1921, pero también modeladas para fundir bronces -entre otras, la Maternidad de 1922-, al decisivo modelado o construcción en  negativo, mediante el cual suprime buena parte de las masas volumétricas (según puede comprobarse en obras tan decisivas como Mujer sentada, 1922, y Mujer acostada, 1923) utilizando el hueco y la reflexión de la luz para inducir la recreación visual de las mismas, técnica cuyo posterior desarrollo dará lugar a la revolucionaria incorporación del vacío total como elemento escultórico.

A partir de 1924, Gargallo se instalará definitivamente en París, donde había residido entre 1912 y 1915 y donde transcurrirán los últimos diez años de su vida. En el periodo de transición entre Barcelona y París comienza la segunda época del cobre y avanza en la otra tendencia de su trabajo escultórico, la representación clasicista y rigurosamente moderna de la figura humana, motivo fundamental en el conjunto de su obra, con independencia de los materiales y lenguajes utilizados en las distintas épocas. En estos años de consolidación formal talla en piedra el excepcional Torso de gitanillo, 1923 (luego modificado para fundir bronces), y modela sus dos Bañista (cabeza baja y cabeza levantada), y la casi exótica Esclava, todas ellas de 1924, al tiempo que realiza los retratos de tres de sus mejores amigos -Retrato del doctor Reventós y Retrato de Maurice Raynal, ambos de 1923, y Retrato del pintor Xavier Nogués, 1924-, que son inmejorables ejemplos de esta poco frecuente faceta de su obra.

Lasegunda época del cobre, iniciada en 1923-24, se caracteriza por la utilización habitual de plantillas de cartón recortado (que Gargallo emplea como patrones para diseñar, trazar y recortar las piezas con que luego construirá las esculturas en chapa metálica), por la aparición de figuras de cuerpo entero, progresivamente de mayor tamaño y complejidad (es decir, más esenciales y sintéticas) y por la modificación estructural de todas las esculturas, que pasan a ser cóncavas, cambio especialmente significativo en el caso de las cabezas y las máscaras -construidas ahora con mucho más hueco que materia y generando volúmenes con los fragmentarios límites del vacío-, entre las que sólo existe una excepción, la melancólica y misteriosa Pequeña máscara de Pierrot, 1927, que sigue siendo convexa. El uso de las plantillas de cartón le permite realizar varias versiones (todas distintas -porque presentan diferencias de diversa naturaleza- y todas piezas únicas) de algunas esculturas tan significativas como Romántica, 1929. Si con las sugerentes Aguadoras, 1925, y El joven de la margarita y la Maternidad de 1927 mantiene Gargallo en esta época una dedicación casi testimonial a la tendencia clasicista de su trabajo, con la exquisita Kiki de Montparnasse, 1928, ensaya la utilización de otros materiales y procedimientos para sus cada día más sorprendentes y eficaces avances en el uso del vacío y las sinécdoques visuales, trasladando, por primera y única vez, a una máscara modelada y fundida en bronce los recursos formales y el revolucionario lenguaje constructivo -elisión fragmentada- de sus máscaras en chapa metálica.

En el último tramo de la segunda época del cobre Pablo recibirá desde Barcelona sendos encargos de obras monumentales: tres para la plaza de Cataluña (El pastor de la flauta y La vendimiadora, ambas de 1928, en piedra -de cuyas maquetas previas, datadas en 1927, existe ejemplar en bronce en el Museo- y El pastor del águila, 1928, en bronce, cuyo segundo ejemplar pertenece también al Museo, aunque está instalado al aire libre en la calle Alfonso I, esquina calle Candalija); y cuatro para el estadio olímpico de Montjuich (los dos jinetes en bronce que forman el Saludo olímpico: El atleta clásico y El atleta moderno, 1929 -cuyos segundos ejemplares están instalados ante la fachada del Museo, que también cuenta con la maqueta de la montura, Caballito, 1927-28, y el Torso de jinete, 1928-29, del atleta moderno-, y las dos bigas en piedra artificial -Auriga femenino y Auriga masculino- de las que las maquetas en escayola de tres de sus caballos, y los bronces de cada una de ellas -Caballo, I, II y III, 1927-28-, forman parte de las colecciones del Museo, que así muestra una interesante representación de los trabajos monumentales de Gargallo.

A partir de 1929, sin abandonar la realización de esculturas en bronce y en chapa de cobre y dedicando más atención al carácter y la entidad de sus dibujos, Gargallo inicia la época del hierro, que se prolongará hasta 1934 y a lo largo de la cual no sólo modelará un importantísimo conjunto de esculturas de carácter clasicista, cada vez más depuradas en su rigurosa y compleja sencillez, como bien demuestran la Pequeña maternidad, 1931, Baño de sol, 1932, Eco, 1933, Academia, 1933-34, Torso de adolescente, 1933-34, Muchacho en la playa, 1934, Mujer del espejo, 1934, sino que también ejecutará, con ayuda de las plantillas de cartón que venía utilizando, sus principales obras en chapa y plancha de hierro, realizadas con una extraordinaria economía de medios expresivos y un uso certero del vacio, las líneas de fuerza y los elementos fragmentarios, como se demuestra en la sólida pero casi transparente cabeza del Hommage a Chagall, 1933, y el ligero cuanto esquemático David, 1934, lo que también sucede con los bronces de Pequeña bacante con hoja, 1932, Gran profeta, 1933, y Urano, 1933, que son cifra y resumen de la mayor parte de sus inquietudes y sus logros artísticos, incluida la definitiva consolidación del vacío como fundamental elemento compositivo, estructural y volumétrico.

En cuanto a los cartones (nunca expuestos antes de formar parte de las colecciones del Museo, cuyo papel ha sido decisivo en el proceso de reconocimiento del gran interés conceptual y artístico de estas singulares herramientas de trabajo, que además de su trascendente significado procesual reúnen y atesoran extraordinarios valores didácticos), la representación se limita, puesto que comenzó a usarlos en la segunda mitad de los años veinte, a los dos últimos lustros de su vida, por lo que incluye piezas pertenecientes a la segunda época del cobre y a la época del hierro, abarcando toda la gama de posibilidades: los conjuntos aparentemente más simples y fieles al resultado final -Buey, Gallo, Insignificante, los tres de 1930-, la complejidad de los detalles reiterados -Bailarina, 1930-, los ejemplos vinculados a obras que cuentan con más de una versión, concluida o no -Pequeña bailarina española, 1927, Gran bailarina, 1929, Pequeña bacante reclinada, 1929, Greta Garbo con sombrero, 1931-, y los cartones correspondientes a esculturas hoy no localizadas y a otras que nunca llegó a realizar -Violonchelista, 1931, Gran violonchelista, ca. 1933-, que son, además, representación óptima de los proyectos de ampliación, a veces materializados -Pequeño arlequín con flauta y Gran arlequín, ambos de 1931- y a veces no, de obras anteriores.

El desarrollo y la evolución de la obra dibujada de Gargallo pueden seguirse perfectamente a través de la colección de dibujos que conserva el Museo, comenzando desde los primeros momentos de su formación, es decir, cuando todavía adolescente y alumno de la Lonja ejercitaba sus precoces capacidades realizando academias tan destacables como Venus y El niño del cordero, datadas ca. 1896. A lo largo del último lustro de ese siglo Pablo dibujará de modo cotidiano, tomando apuntes del natural, muchas veces en la calle y otros espacios públicos, generalmente al carbón y en ocasiones con apoyo del pastel, de lo que son buen ejemplo Personajes hablando, uno se aleja, ca. 1896, Viejecita con paraguas, ca. 1896, y El palco, ca. 1898. Al propio tiempo está ensayando su faceta de retratista, consigo mismo y con personas de su entorno, en obras como Retrato de Joan Canellas, ca. 1896-97, Ramonet visto por debajo, ca. 1897, y Retrato de Ceferino Pallás, ca. 1898, si bien otras veces ignoramos la identidad concreta de la persona retratada, según sucede con Cabeza de mujer, ca. 1897, Cara de joven, con bigote, ca. 1898, Jovencita con lazo, ca. 1898, y Retrato de joven, con gafas, ca. 1900. Con el inicio del nuevo siglo y de la consolidación de las cualidades profesionales de Gargallo, se reduce el número de sus dibujos (al menos de los conservados), que denotan una mayor complejidad y riqueza, caso del pictórico carbón y pastel En Nogueras, 1900, o de su Autorretrato con pipa, 1901, mientras se sirve con mayor frecuencia de la acuarela y la tinta, que utilizará con pincel pero sobre todo mediante pluma, como en la muy moderna imagen acuarelada del Desnudo de muchacha rubia, 1900.

El primer viaje a París en 1903 supondrá para Pablo el descubrimiento de un nuevo mundo de posibilidades, en el que jugarán un notable papel las relativas influencias de ciertos autores del centro y el norte de Europa, según puede apreciarse en algunos dibujos del momento, como los cuatro Estudio para El Juicio Final, 1903, y Cabeza de mujer, ca. 1904. Durante la primera década del siglo lo más destacable será un reducido conjunto de tintas, por lo general con acuarela y gouache, dedicadas sobre todo a representar desnudos femeninos de excepcional belleza, datables de 1909, grupo al que pertenece Mujer secándose, ca. 1909. Desde 1910 hasta mitad de los años veinte la producción de dibujos disminuye de nuevo, quizá porque está más dedicado al trabajo escultórico, de tal modo que buena parte de los conservados, como Mujer con cántaro, 1920, y Atleta, 1926, tienen relación con esculturas realizadas años después. A partir de este momento se incrementa el número de los dibujos y su autonomía, si bien el tema de algunas piezas es muy habitual y reiterado en este periodo, caso de la Bailarina, 1930. Entre los más notables dibujos fechados en los años treinta, sobresalen las cuatro versiones de Caballos, 1930, y varios pasteles de cualidades muy pictóricas, como las Bañistas, 1932, motivo también frecuente desde mitad de la década anterior. El resto de los dibujos son estudios o apuntes previos para esculturas y permiten acercarse al modo que tenía Pablo de representar sobre el papel sus obras en tres dimensiones, de manera que tanto los dos Apunte para Academia como los tres Estudio para Muchacho en la playa y el Boceto para Eco, II, todos de 1933, completan una visión extensa y representativa de la producción de Gargallo en su faceta de dibujante, cuyo conocimiento es imprescindible para comprender y valorar la totalidad de su obra.

Por lo referido a la escasa incidencia de la producción de Gargallo en el campo del grabado, el Museo conserva y expone las planchas originales (y un ejemplar de la edición de tres de ellas) de cuatro puntas secas -Autorretrato, Bailarina, Cabeza de arlequín, Desnudo femenino (Bañista), todas de 1928-, única obra grabada que debió realizar y en la que se manifiesta fiel a sus concepciones formales e intereses temáticos. (Fuente: Ayuntamiento de Zaragoza )

 

 

Museo Ibercaja Camón Aznar, Zaragoza

 

 

Uso original: Palacio de los Pardo

Fecha construcción: 1551

Arquitecto: Morlanes y Tudelilla

 

 

 

                                                                      

 

 

Uso actual: Museo Ibercaja Camón Aznar

Fecha inauguración: 30 noviembre 1979

Dirección: C/ Espoz y Mina, 23, 50003 Zaragoza

Tel/Fax: 976 397328, 976 397387 / 976 39 7387

 

 

 

 

Historia del edificio:

En 1979, abría sus puertas este museo, recogiendo las colecciones de arte donadas a Aragón por el profesor y académico zaragozano José Camón Aznar y su esposa. Se encuentra ubicado en el palacio del siglo XVI llamado “de los Pardo”, que tras una historia azarosa, fue recuperado y acondicionado para uso museístico, por Ibercaja, actual titular y gestora de la institución. En él cabe destacar su bello patio porticado interior, con rica decoración plateresca. Sus salas acogen una extensa colección de pintura, escultura, acuarela, dibujo y grabado, que van desde el siglo XVI al XX. En ella hay que señalar la presencia de autores como El Greco, Juan Valdés Leal, Meléndez, Bayeu, Goya, Rosales, Pradilla, Sorolla, Benjamín Palencia [+], García Condoy y Serrano, entre otros. Así como la colección completa de grabados de Goya (Caprichos, Desastres, Tauromaquia y Disparates).(Fuente: Sistema de Museos de Aragón)

Fondos:

El museo se reincorpora al activo cultural zaragozano tras acometer una importante transformación en aras de proporcionar al visitante una lectura más precisa y ordenada de sus fondos, que gira en torno a la figura del genio de Fuendetodos. El proyecto intenta sublimar la figura del aragonés José Camón como coleccionista y como crítico de arte, para lo que se ha elaborado un discurso que toma como base la obra de Goya con su peculiar forma de enseñar a mirar el mundo a través de sus grabados, que conectan con el papel que Camón Aznar ejerció en la difusión de la obra y la figura de nuestro artista más universal.

Con el nuevo discurso museográfico se exponen 244 grabados de Goya y 333 obras entre pinturas y esculturas (300 de la Colección Camón y 33 de los fondos de Ibercaja). Se trata de los 14 goyas, 3 de Bayeu, 3 de Maella, 1 de Berruguete, 2 de Pedro de Campaña y sendas de Blasco de Grañén, Escalante, Megs y un Anónimo flamenco, además de las 4 litografías de los Toros de Burdeos y otros dos grabados más.

Para Antonio Meléndez, responsable de la dirección museográfica y que ha trabajado en la misma durante dos años, “estamos en un museo sobre Goya desplegado en un edificio doble: la primera parte, con el patio y el salón noble, pertenecen al palacio renacentista aragonés, del siglo XVI, propiedad de los condes de Bobadilla y de la familia de los Pardo, al que se le añadió, ya en el siglo XX, un edificio casi gemelo, del que, con la actual reforma, se descubre y pone en valor su patio interior”.

ARTISTAS ANTERIORES A GOYA (SIGLOS XV-XVIII)

Bajo este contexto los nuevos espacios del MICAZ se articulan ordenados cronológicamente desde la primera planta hasta la tercera. En primer lugar, el visitante se encontrará con una cuidada selección de la pintura y escultura de los siglos XV al XVIII. De este modo, se abre con no demasiadas obras del paso del siglo XV al siglo XVI, aunque de extraordinaria calidad formal, para ir creciendo en número en los siglos finales del XVII y XVIII. La influencia italiana y flamenca se convierten, a través de las 83 obras de esta muestra, en los vehículos que para llevar al visitante a Aragón y a las tierras de España el Renacimiento, que están tan soberanamente representadas por obras como La sagrada conversación, de un autor desconocido italiano y el San Jerónimo, de Metsys, que no se puede pasar por alto y que permiten asomar sus raíces en obras como El Salvador de Pedro Berruguete, El profeta Zacarías o el fragmento de La adoración de los pastores, de Francisco de Osona.

Por otro lado, de un ya maduro siglo XVI, se muestra un Cristo con la cruz a cuestas, cuya autoría se busca en la escuela valenciana o en las cercanías del Divino Morales. Se trata de una obra de extraordinaria belleza, así como el San Luís Beltrán, de Francisco de Ribalta. Más representativa en número es la colección en el siglo XVII, con obras tan importantes como Cristo Crucificado, de Zurbarán; el Arquímedes, de Ribera o el San Ramón Nonato, de Antonio del Castillo. Además, completan la visita dos pequeñas tallas, un Cristo atado a la columna, cercano a Juan de Anchieta, y un Cristo Resucitado, de Gregorio Fernández. La planta se cierra con obras del siglo XVIII, españolas, flamencas, francesas e italianas, entre las que hay que señalar a Luis Meléndez o los dibujos de Vicente López, que sitúan al público en los tiempos de Goya.

En esta planta, de la colección Ibercaja proceden, entre otras piezas, El Salvador, de Berruguete, y la Virgen con el niño y ángeles músicos, de Blasco de Grañén.

EL SALÓN DORADO

En la planta superior del patio, el visitante se encuentra con cinco esculturas de bronce y madera, del artista aragonés contemporáneo García Condoy, quien trata en estas piezas el desnudo femenino. Estas piezas dan paso a la estancia que ha recibido el nombre de Salón Dorado por su decoración, que ha sido escrupulosamente restaurado. Esta suntuosa habitación reúne 60 extraordinarias obras, que se convierten en nexo de encuentro de los aragoneses, Francisco de Goya (1746 –1828) y José Camón Aznar (1898-1979).

Por un lado, con ocasión de la Expo, se van a mostrar los goyas de la colección Ibercaja y de la Real Sociedad Económica de Amigos del País. De Ibercaja son: Autorretrato, Retrato de la Reina María Luisa de Parma con traje de Corte, Retrato de Don Félix de Azara y Perera, Retrato de Don José de Cistué y Coll, barón de la Menglana, Dos de Mayo en Madrid o Carga de los mamelucos en la Puerta del Sol; Baile de Máscaras, Danzantes enmascarados bajo un arco, San Joaquín, Santa Ana y la última adquisición, La Adoración del Nombre de Dios por los Ángeles, que es el boceto de los frescos que Goya realizó en 1772 para el Coreto de la Basílica del Pilar. De la Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País, se exhiben: Esopo, Menipo, Escena no identificada, Aparición de la Virgen a Santa Teresa, La Virgen impone el collar a Santa Teresa, en presencia de San José. El conjunto, con el retrato de Azara a la cabeza, sin duda aporta un gran valor añadido a la propuesta del Museo.

La sala reúne además la serie de grabados sobre otro gran artista, Velázquez y las obras de Meifrén y Lizcano sobre Zaragoza, así como el lienzo de González Velázquez sobre la construcción del Templo del Pilar, sirven al visitante para hacer de la ciudad esa tierra que convoca a los dos. Además, los grabados de las trece estampas sueltas en las que Goya copia otras tantas obras de Velázquez; más dos grabados sueltos, que representan a San Francisco de Paula y El agarrotado; dos de sus dibujos; y otros tantos que discípulos del maestro como es el caso de Alenza. En la pequeña estancia añadida al salón se han reunido distintos retratos de Camón Aznar, de su esposa y de su hija. La última estancia muestra importantes obras de autores contemporáneos a Goya, con los cuales él mantuvo una estrecha relación, incluso de parentesco. Tal fue el caso de los Bayeu. También están algunas otras obras de Corrado Giaquinto, González Velázquez o Mariano Salvador Maella.

De estos últimos, tres maellas y tres bayeus proceden de los fondos de Ibercaja y se exponen conjuntamente por primera vez. Se trata de las piezas Inmaculada bajo el espíritu santo y rodeado de ángeles, Cristo crucificado en la agonía y San José con el niño Jesús, de Francisco Bayeu, y Aparición de Santiago Apóstol al Rey Ramiro I de Castilla en la Batalla de Clavijo, Aparición del Niño Jesús a San Antonio de Padua y Aparición del Ángel de la Eucaristía a San Pascual Bailón, de Salvador Maella.

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

Desde la galería de arquillos de la primera planta se accede a la segunda planta, dedicada exclusivamente a las cuatro series de grabados del genio aragonés (Caprichos, Tauromaquia, Disparates y Desastres de la Guerra). Ambientados sobradamente, el público puede contemplarlos juntos, enriquecidos con la serie de Los Toros de Burdeos, propiedad también de Ibercaja y aportados al renovado museo.

La propia ambientación ayuda a trasladarse a los momentos históricos tan dramáticos como los que vivió España y quedaron apresados para siempre en las series de los Caprichos, compuesta por 80 grabados. La serie se abre con su autorretrato y supuso para Goya la consagración como grabador. En Los Caprichos mezcla lo que podríamos llamar intelectual con lo popular, pues lo que hace Goya es plasmar su visión más crítica de la realidad. Los Desastres, compuesta por 82 grabados, es la serie que Goya realiza entre los años 1810-1814, coincidiendo con el desarrollo de la Guerra de la Independencia, de la que es casi una crónica gráfica. Sin embargo, Goya trasciende los propios acontecimientos y su aventura vital, para hacer un alegato contra toda guerra. En la Tauromaquia, el artista dedica sus 33 grabados al arte del toreo y los toros. Tras la guerra, el toreo experimentó un momento de auge que Goya aprovechó con el fin de poner a la venta esta serie.

Los Disparates, compuesta por 22 grabados, la empezó a realizar Goya en 1816, pero la debió dejar sin concluir debido a que hubo de exiliarse de España ante la llegada del Absolutismo, tras el Trienio Liberal. Los títulos que se conocen empiezan todos ellos con la palabra “disparate” y ponen de relieve la desconfianza que había desarrollado Goya ante el hombre. La noche, que es el momento en el que se producen, los reviste a todos ellos de un dramatismo y de un aire siniestro y tenebroso.

Los Toros de Burdeos son el resultado del trabajo que Goya realizó en Burdeos, con la técnica, entonces casi desconocida, de la litografía, con la que llevó a cabo en 1825 una serie de cuatro escenas taurinas, que están consideradas entre las mejores de su género.

SIGLOS XIX-XX

Camino de la tercera planta se pueden contemplar nuevas obras de Honorio García Condoy, que sirven de presentación a las consecuencias de Goya, es decir, los siglos XIX y XX, que cuentan con una interesante representación de 84 piezas, situadas ya en la tercera planta. Las primeras obras son las de seguidores de Goya, como Eugenio Lucas, Lucas Villamil o Alenza, entre otros. Luego le sigue una interesante nómina de autores españoles, como Antonio Pérez Rubio, Ángel Lizcano, Eduardo Rosales, Antonio Muñoz Degrain, Cecilio Pla, Mariano Fortuny. No pequeña y menos interesante es la representación de autores franceses, como Miguel Ángel Houasse, Berthe Morrisot, Eugene Carriere o Auguste Renoir. Los momentos finales del siglo están representados por autores tan importantes como Joaquín Sorrolla, Federico de Madrazo, Francisco Domingo Marqués, Francisco Pradilla, Ricardo Villotas, Valentín de Zubiaurre, Juan de Echevarría o Ramón Casas.

De este modo, se pretende enlazar con la pintura impresionista, paisajistas y costumbristas del XIX. Para ir acabando el amplio recorrido, la instalación exhibe 34 piezas que representan al siglo XX. Las obras están articuladas en torno a dos ejes principales: la Escuela de Vallecas con Benjamín Palencia, Francisco Arias, Francisco San José o Alvaro Delgado; y los autores aragoneses y de Zaragoza, con García Condoy, Lahoz, Gonzalvo, Grau o Fortún; y la Escuela de Madrid con Francisco San José, Rafael Zabaleta o Joaquín Vaquero Palacios. Entre ambas escuelas se pueden encontrar maravillosas excepciones, como el dibujo de Salvador Dalí o los lienzos de Godofredo Ortega y de Cristino Vera, por poner un ejemplo, que sirven para cerrar esta planta.

El catedrático Camón Aznar tuvo un protagonismo indudable en las dos escuelas. Como también lo tuvo su colección de autores aragoneses del siglo XX, que cierra la exposición con una selección de 64 piezas, que responden a la línea de trabajo del museo de apoyar la carrera profesional de reconocidos artistas aragoneses pertenecientes a generaciones de posguerra. Además, en la planta baja se mantiene la sala de exposiciones temporales mejorada y ampliada. (Fuente: Ibercaja)

 

 

CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles

 

 

 

Uso original: vivienda La Casona
Fecha construcción: s. XIX
Uso actual: CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo
Fecha inauguración: mayo 2008
Arquitectos: Celia Vinuesa, Pablo Pérez-Urruti
Dirección: Avda. Constitución, 23–25, 28931 Móstoles, Madrid
Tel/Fax: 91 2760213 / 91 6180469
E-mail: centrodeartedosdemayo@madrid.org

 

 

 

 

Historia del edificio:

Dentro del solar, situado en el centro histórico del municipio, se erige un edificio protegido y catalogado, La Casona, un inmueble tradicional del siglo XIX con una superficie de 208,70 m² construidos por planta, en dos alturas, y un bajo cubierta algo menor; está incluido en el Catálogo de Edificios y Conjuntos a proteger, por lo que se prohíben intervenciones que afecten a su volumetría y composición exterior.

El proyecto arquitectónico acometido pone en valor La Casona, además de construir en torno a ella un edificio de nueva planta, funcional, versátil, operativo y que cumple con todas las premisas de seguridad, conservación, capacidad y accesibilidad de un museo del siglo XXI, capaz de albergar la Colección de Arte Contemporáneo de la Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno, que se encuentra en continuo crecimiento, y otros conjuntos artísticos articulados como exposiciones temporales, donaciones, depósitos, etc.

El Centro de Arte, que colinda en tres de sus lados con edificios de viviendas y se encuentra en una zona comercial, se aísla del entorno próximo mediante una fachada de estructura metálica, que lo delimita y se convierte en elemento de transición entre un exterior ruidoso y desordenado y el nuevo espacio interior, más sereno, que invita a la contemplación de las obras de arte.

En el diseño de los espacios públicos interiores se ha tendido a soluciones constructivas lo más versátiles posible que suponen ahorro energético y uso de materiales reciclados o sostenibles.

En una primera fase, las obras se centraron en la definición de las obras de estructuras bajo rasante, con todos los informes técnicos necesarios: geotécnico, topográfico, arqueológico, de características constructivas de La Casona e instrucciones para su desmontaje y reconstrucción,

además de un programa de necesidades con la definición de las superficies de los espacios.

Con un total de 5.886 metros cuadrados, el Centro incluye espacios de exposición, repartidos en tres plantas, una sala de actos para cien personas, un bar / tienda, la mediateca y una terraza apta para numerosas actividades al aire libre. Cuenta también con espacios de administración e investigación, además de los almacenes equipados para albergar las obras de la Colección. El proyecto arquitectónico básico de este nuevo equipamiento es de Celia Vinuesa y el proyecto de ejecución de Pablo Pérez-Urruti.

El conjunto se percibe como una arquitectura antigua (La Casona) dentro de otra contemporánea y también como arquitecturas diferentes tras una misma fachada envolvente. La Casona es el primer objeto expositivo del centro, pero también el contenedor que, integrado en el recorrido, alberga parte del espacio público del Centro. (Fuente: Centro de Arte Dos de Mayo).

Fondos:

En mayo de 2008 se inauguró el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid. Tras la incorporación de Ferran Barenblit como Director, el Centro se va perfilando como un equipamiento básico para la oferta cultural madrileña a través de sus exposiciones y actividades.

El CA2M es un centro de arte vivo, que concentra su interés en el arte más actual. Acoge la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid, que reúne cerca de 1.500 obras de todas las disciplinas. Al mismo tiempo, desarrolla un ambicioso programa de exposiciones, mediación e investigación con el objetivo de posicionarlo entre los centros de arte más avanzados de Europa. Entre los interrogantes básicos que quiere plantear el Centro están el estudio del sentido que tiene el arte en la cultura y la sociedad actual; la efectividad política del arte y la cultura; las alternativas a los modelos tradicionales de trabajo en arte; el análisis de la institución arte como perpetuadora de relaciones de poder simbólico y económico; los conceptos relacionados con la vida en comunidad y, en concreto, el papel de la periferia de las grandes ciudades.

La programación del Centro se articula en torno a cuatro ejes. Un primer eje está definido por la exposición rotatoria de los fondos de la Colección, en presentaciones que le confieren sentido y la ponen en relación con las corrientes internacionales. Un segundo eje lo constituyen las exposiciones colectivas, que, bajo el comisariado de diferentes expertos, generan puntos de vista sobre el arte más actual. El tercer eje es el de las exposiciones individuales de artistas emergentes, en las que se apuesta por la producción de nuevos proyectos para generar nuevas obras de arte. Por último, el cuarto eje es el de las actividades no expositivas, en las que el Centro pone un especial énfasis: desde las más tradicionales como conferencias, proyecciones o debates hasta formatos novedosos para poner en contacto arte y amplias audiencias.

La relación con su público es uno de los aspectos en los que el CA2M está poniendo mayor interés. Situado en el sur de Madrid -como oferta cultural inmediata para más de un millón de habitantes y, en un radio más amplio, a los cinco millones de habitantes de toda la región- el Centro está trabajando en innovadoras estrategias de mediación para que el arte cumpla plenamente su función de estímulo intelectual en la sociedad y la cultura contemporánea. (Fuente: Centro de Arte Dos de Mayo).

 

 

Anterior sede de la Fundación Sancho el Sabio, Vitoria-Gasteiz

 

Uso original:  Palacio Elvira Zulueta

Fecha construcción: principios siglo XX

Arquitecto: Fausto Iñiguez de Betolaza

 

                    

 

                                                                  

 

 

Uso actual: anterior sede de la Fundación Sancho el Sabio

Fecha rehabilitación: 1991

Dirección: Paseo de la Senda, 2, 01007 Vitoria-Gasteiz

 

 

 

 

Historia del edificio:

El Palacio Zulueta, una casa familiar de principios del siglo XX del arquitecto Fausto Iñiguez de Betolaza, fue sede durante diecinueve años de la Fundación Sancho el Sabio. El Palacio Zulueta procede como tantos otros edificios de la época, como el Seminario Diocesano, los chalés de la calle Elvira Zulueta o el Palacio de Augusti ahora Museo de Bellas Artes, de los capitales acumulados en Cuba por la familia Zulueta, especialmente por el Marqués de Álava, don Julián Zulueta y Amondo. Nacido en la pequeña aldea de Anucita en 1814, este personaje fue uno de los más influyentes Un aldeano alavés, convertido en un terrateniente de Cuba, alcalde de La Habana, hombre de peso en la política de ultramar española y uno de los hombres más ricos de su época.

El gran historiador Hugh Thomas en el libro La trata de esclavos, le dedica las primeras palabras de la obra: “Me interesó especialmente un vasco, Julián Zulueta, el último gran negrero de Cuba ­si se me permite el adjetivo­, y por tanto de las Américas, un hombre que comenzó desde muy abajo, comerciando con toda clase de mercancías en La Habana de los años 1830, y que a finales de la década siguiente era un hombre maldito en la mente y en los diarios de a bordo de las patrullas navales británicas que intentaban impedir la trata, pues Zulueta poseía en Cuba sus propias plantaciones de caña de azúcar, a las que llevaba, en rápidos clipers, a menudo construidos en Baltimore, cuatrocientos o quinientos esclavos, directamente desde Cabinda, en la orilla septentrional del río Congo. Como era hombre moderno, Zulueta solía hacer vacunar a sus esclavos antes de que emprendieran el viaje a través del Atlántico, y en la década de 1850 empezó a emplear vapores que podían transportar hasta mil cautivos. Como era católico, hacía bautizar a sus esclavos antes de que abandonaran África...” (Fuente: El correo digital)

Fondos:

Desde su nacimiento mantiene los mismos objetivos: recopilar, ordenar, conservar y difundir documentación referida a la cultura vasca. Su amplia trayectoria temporal ha posibilitado la formación de uno de los fondos documentales vascos más ricos y completos: manuscritos desde el siglo XV, impresos y material cartográfico desde el siglo XVI, material gráfico desde el siglo XVIII y otros materiales en soportes derivados de las nuevas tecnologías.

Así mismo desde su origen, el ámbito geográfico contemplado incluye los territorios actuales de la Comunidad Autónoma del País Vasco (Euskadi), Comunidad Autónoma de Navarra y País Vasco Francés dentro del Departamento de Pirineos Atlánticos, ampliado por razones históricas a las zonas limítrofes comprendidas entre el río Ebro al Sur, y el río Garona, al Norte. (Fuente: Fundación Sancho el Sabio)

 

 

Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona

 

 

Uso original: Palacio Nacional de Montjuïc

Fecha construcción: 1926

Arquitecto: Enric Catà y Pedro Cendoya

  

 

  

 

                                                                            

Uso actual: Museu Nacional d’Art de Catalunya
Fecha inauguración: 2004
Fecha rehabilitación: 1990, 2000
Arquitectos: Gae Aulenti y Enric Steegman (1990), Gae Aulenti y Josep Benedito (2000)
Dirección: Parque de Montjuïc, 08038 Barcelona
Tel/Fax: 93 6220376 / 93 6220383
Web: http://www.mnac.cat/
E-mail: mnac@mnac.cat
MNAC en FACEBOOK
 

 

 

 

Historia del edificio:

El Palacio Nacional de Montjuïc es un edificio proyectado por los arquitectos Enric Catà y Pedro Cendoya en 1926, cuya función inicial fue dar acogida a diversas actividades vinculadas con la Exposición Internacional de Barcelona del año 1929.

En la segunda mitad del siglo XX han sido varias las intervenciones restauradoras emprendidas en el edificio, que han motivado cierres temporales. En los años setenta se llevaron a cabo obras de consolidación en la estructura del inmueble, al tiempo que se procedía a la reorganización de las colecciones. En 1990 se puso en marcha una nueva remodelación del conjunto, con proyecto de Gae Aulenti-Enric Steegman. En septiembre de 1995 se inauguraba la sección de arte románico; a finales de 1997, la correspondiente al gótico.

Los trabajos de rehabilitación se prolongaron y determinaron periodos de cierre del museo. En el año 2000 dio comienzo la segunda etapa de esta labor de remodelación integral –con una nueva intervención de Gae Aulenti y Josep Benedito-, que finalizaba cuatro años después. En el 2004 se inauguraba definitivamente el Museo de Arte de Cataluña. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)

Fondos:

El MNAC comprende todas las artes (escultura, pintura, artes del objeto, dibujos, grabados, carteles, colección de fotografía y colección de numismática) y tiene la misión de explicar un discurso global del arte catalán, desde el románico hasta mediados del siglo XX. En el caso de las colecciones de románico y de gótico, este discurso viene marcado por la procedencia catalana de gran parte de las piezas, a pesar de que, concretamente en el gótico, se hace una comparación con el arte de otras procedencias. En cuanto a la colección de renacimiento y barroco, las obras que la integran conducen hacia un discurso más internacional, de la mano de grandes pintores, como, por ejemplo, El Greco, Zurbarán, Velázquez, Cranach, Rubens... Los fondos del MNAC pertenecientes al arte de finales del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX vuelven a estar constituidos mayoritariamente por ejemplos de artistas catalanes, que se articulan en un discurso que explica el modernismo, el noucentisme y las vanguardias, siempre teniendo en cuenta todas las artes. (Fuente: MNAC)

 

Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, Segovia

 

 

Uso original: Palacio de Enrique IV

Fecha construcción: 1455

 

  

                                                                                   

 

 

 

Uso actual: Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente
Fecha inauguración: 28 abril 1998
Fecha rehabilitación: 1997
Arquitecto: Juan Ariño
Dirección: Plazuela de las Bellas Artes, s/n, 40001 Segovia
Tel/Fax: 921 462010 / 921 462277
Web: http://www.museoestebanvicente.es/
E-mail: museo@museoestebanvicente.es

 

 

 

 

 

Historia del edificio:

El Museo esta ubicado en un inmueble del mayor significado histórico: el Palacio del Rey Enrique IV, cuya edificación se remonta al año 1455.

Tras la muerte del Rey, el edificio fue repartido entre distintas familias que, para adecuarlo a las diversas necesidades de habitabilidad, destruyeron de forma irreversible el plano original del conjunto.

En 1518 Pedro López de Medina y su mujer, Catalina de Barros, decidieron fundar en las estancias de su propiedad un Hospital de Viejos, al que Pertenece la Capilla con el artesonado mudéjar original y las estatuas yacentes de sus fundadores, que ahora cumple las funciones de auditorio del Museo.

Siempre ligado a la historia viva de la ciudad, el edificio ha cumplido a lo largo de los siglos los cometidos más dispares, sufriendo también importantes transformaciones. Finalmente, en 1974, hubo de ser clausurado por su estado ruinoso.

Su rehabilitación se ha llevado a cabo según el plan museográfico trazado por Juan Ariño, optando por un modelo de espacios amplios, asépticos y austeros, que otorgan el protagonismo a las obras. Se pusieron en valor los escasos restos históricos que quedaban y se cuidó especialmente el entorno urbanístico del palacio y sus elementos exteriores. (Fuente: Museo Esteban Vicente)

Fondos:

La colección del Museo tiene como núcleo la donación de 153 obras otorgada generosamente por el pintor Esteban Vicente y su esposa, Harriet G. Vicente. Este legado está compuesto por 48 óleos, 27 collages, 51 dibujos, 4 acuarelas, 16 esculturas de pequeño formato, 1 tapiz, 2 litografías y 4 serigrafías. El conjunto abarca con amplitud la evolución del pintor y las distintas etapas de su obra. (Fuente: Museo Esteban Vicente )

 

Museo de Huelva

 

Uso original: vivienda

Fecha construcción: principios s. XX

 

                                                               

                       

 

 

 

Uso actual: Museo de Huelva

Fecha rehabilitación: 2003

Dirección: Alameda Sundheim, 13 21003 Huelva

Tel/Fax: 959 650 424/ 956 650425

Email: museohuelva.ccul@juntadeandalucia.es

 

 

 

 

Historia del edificio:

El Museo de Huelva está situado en la Alameda Sundheim, una de las avenidas más emblemáticas de la ciudad, configurada como paseo de invierno y residencia de la alta burguesía en las primeras décadas del siglo XX. En la actualidad, sirve de nexo entre los dos principales núcleos poblacionales de la ciudad: el casco antiguo e “Isla Chica”.

En esta avenida, verdadero ensanche de la Huelva decimonónica, se erigió el “Velódromo”, campo de deportes donde se jugó el primer campeonato del recién importado football, consecuencia inevitable del afán colonialista de los ingleses instalados en Huelva para explotar su mineral. Encontramos también en este paseo buenos ejemplos edilicios de esta influencia extranjera, como la “Casa Colón”, antiguo hotel inaugurado con motivo del IV Centenario del Descubrimiento de América (1892); el “Barrio de la Reina Victoria", también llamado "Barrio Obrero" (1916), que fue encargado por la Compañía Minera de Riotinto para cobijar a su masa obrera; o el ecléctico edificio de ambiente modernista erigido en el solar contiguo al museo, que actúa de abanderado del anhelo europeísta que alimentó la incipiente industria manufacturera onubense durante este periodo.

Inmerso en ese entusiasta ambiente de influencia europeísta, un pequeño grupo de intelectuales onubenses crea en la calle Ricos, antigua Castelar, un primer museo bajo el título de Museo Provincial de Bellas Artes, incorporado al Estado en 1922, que contaba con unos fondos fundacionales procedentes casi en su totalidad de particulares, salvo un pequeño lote de maestros de los siglos XIX y XX depositado por el entonces Museo de Arte Moderno de Madrid. Con la Guerra Civil, gran parte de estas obras se devolvieron a sus propietarios, almacenándose las procedentes del Estado en el Instituto de Enseñanzas Medias “La Rábida”, hasta la constitución del actual museo.

La década de los cuarenta supuso un nuevo intento de dotar a Huelva de un museo, esta vez de arqueología, consecuencia inevitable del la prolífera actividad del ingeniero D. Carlos Cerdán Márquez, nombrado a tal efecto comisario de actividades arqueológicas en la provincia. Tuvo su sede en un pequeño edificio cedido por el Puerto de Huelva, donde malvivió hasta que en 1973 se inaugura el actual edificio, dotando a la Institución de un facultativo del Cuerpo Superior de Archiveros, Bibliotecarios y Arqueólogos, D. Mariano del Amo, que fue el primer director del nuevo Museo Provincial de Huelva. (Fuente: Museo de Huelva)

Fondos:

El actual Museo de Huelva se constituye sobre un edificio de nueva planta que cuenta con una superficie útil de 3.000 m² repartidos en tres plantas y un semisótano. Al igual que ocurre con otros museos de sus mismas características, su contenido se estructuró inicialmente en tres secciones: Arqueología, Bellas Artes y Etnografía. Esta última sección nunca estuvo en realidad instalada en el museo, ya que el Estado crea en 1971 el "Museo de Artes y Costumbres Populares de Aracena" como sección etnográfica del Museo de Huelva, en un intento por dotar a la provincia de cierta infraestructura cultural. Un sinfín de despropósitos obligaron a su cierre entrada ya la década de los 80, trasladándose la mayor parte de sus fondos al Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla. Para paliar esta ausencia, se promueven desde el museo exposiciones de carácter temporal, en un intento por mantener vivo el entendimiento, conservación y difusión del rico patrimonio cultural de nuestra provincia.

La Sección de Arqueología se establece sobre una superficie aproximada de 950 m², divididos en una sala para la exposición permanente de aproximadamente 300 m² y un fondo o depósito en ocasiones visitable. Sustentada sobre el rico pasado histórico de la provincia, destacan entre sus colecciones los elementos procedentes del los conjuntos dolménicos de La Zarcita y El Pozuelo, los ricos ajuares de la necrópolis orientalizante de La Joya, los materiales de origen fenicio y griego documentados en las excavaciones urbanas de la capital, y los objetos cerámicos y metálicos que constatan el alto desarrollo alcanzado por la cultura tartésica a través del beneficio minero-metalúrgico de las minas onubenses, con yacimientos tan importantes como Tejada la Vieja (Escacena del Campo) o Niebla.

Resulta de particular interés la colección de materiales mineros de época romana procedentes de Riotinto, con piezas tan singulares como la rueda hidráulica presente en el vestíbulo de acceso al museo. Esta noria de canjilones, que servía para la evacuación de las aguas del interior de las minas, evidencia los logros tecnológicos alcanzados durante el periodo romano. También muestra la labor de recuperación y difusión patrimonial ejercida por las instituciones culturales andaluzas, con ejemplos tan evidentes como la reciente restauración de este ingenio hidráulico, único conservado completo en España y uno de los escasos exponentes existentes en el mundo. Ocupando una superficie aproximada de 650 m², la sección de Bellas Artes se distribuye en cuatro salas expositivas y un área de reserva, todo ello ubicado en la primera planta del edificio.

Tras la inauguración del museo, la colección se acrecienta mediante depósitos procedentes del Museo de Bellas Artes de Sevilla y el Museo Español de Arte Contemporáneo (MEAC), hoy Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).

Con el transcurso de los años, nuestro fondo pictórico se ha visto aumentado también con la incorporación de obras provenientes tanto del marco institucional como de donaciones particulares. Destacan dos conjuntos expuestos de manera casi permanente:

Vázquez Díaz. La obra del pintor nervense Daniel Vázquez Díaz, conjunto constituido por un importante depósito que hiciera el MEAC en 1973, posteriormente acrecentado mediante compra por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Podemos hacer mención a la obra "Muerte de un torero", en la que, además de mostrar toda su fuerza plástica, el pintor realiza un homenaje a su pueblo natal retratando en el lienzo a alguno de sus conciudadanos.

Plástica onubense. El conjunto que recoge la historia de la plástica onubense, desde los alumnos de la antigua Escuela de Bellas Artes de principios del siglo XX hasta la actualidad. Destacan las obras de José Caballero, la mayoría adquiridas recientemente por la Junta de Andalucía y alguna, como "Premonición del verano", donada por un particular; y las donaciones de artistas locales como Mateo Orduña Castellanos, Granado Valdés, Castro Crespo, José María Franco o Juan Manuel Vidal entre otros. (Fuente: Museo de Huelva)

 

 

Casa Museo Victorio-Macho, Toledo

 

 

Uso original: vivienda

Fecha construcción: 1953

Arquitecto: Secundino Zuazo

 

 

                                    

                                                      

 

Uso actual: Museo Victorio Macho
Fecha rehabilitación: 1998
Fecha inauguración: 13 mayo 1967
Responsables: Fundación Victorio Macho y Real Fundación de Toledo
Dirección: Plaza Victorio Macho, 2 45002 Toledo
Tel/Fax: 925 284225 / 925 284238
Web: http://www.realfundaciontoledo.es
Email: rftoledo@realfundaciontoledo.es

 

 

 

Historia del edificio:

En un singular emplazamiento de un escarpado promontorio sobre el Tajo se encuentra Roca Tarpeya, lugar elegido por el escultor Victorio Macho para edificar en 1953 su casa y su taller. En esta casa vivió y trabajó el escultor hasta su muerte. Por disposición testamentaria, Macho cedió al pueblo español una parte importante de sus obras, núcleo con el que se constituyó el museo y fundación de su nombre. El museo fue inaugurado el 13 de mayo de 1967 y permaneció abierto hasta 1984, año en que hubo de cerrarse, debido fundamentalmente a problemas de financiación.

En 1998 la Fundación Victorio Macho se fusionó con la Real Fundación de Toledo, procediéndose entonces a la restauración del edificio y a su reapertura. Hoy, la Casa Museo es sede de la mencionada institución y cumple también los servicios de centro de documentación especializado en temas locales. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)

Fondos:

En Roca Tarpeya se muestra parte de la colección legada por el escultor, distribuida en tres espacios. En el Museo destacan esculturas como el Autorretrato a los diecisiete años, La Madre, el Torso Gitano, el Danielillo, el Marinero vasco, retratos de personalidades como Unamuno, Marañón, Cajal, Pasionaria, así como bocetos de los grandes monumentos que realizó en España y América. Una interesante representación de dibujos completa la visión del artista, como los autorretratos, la serie de hombres del campo y los desnudos de mujer.

En la cripta, la escultura yacente de su Hermano Marcelo, una de sus obras más famosa. También se exhibe aquí el modelo en terracota del Cristo del Otero, el Cristo de Los Corrales de Buelna, los relieves en bronce del Monumento a Grau, y maquetas de monumentos.

En el jardín, permanecen las mismas obras que el artista tenía expuestas y que caracterizaron la imagen tradicional de Roca Tarpeya. Destacan la grandiosa Eva de América y La Máscara y La Cariátide, sobre la balaustrada. (Fuente: Museo Victorio Macho)

 

 

Casa Pedrilla de Cáceres

 

 

Uso original: antiguo lavadero público, allmazara, vivienda familiar de la familia Pedrilla.

Fecha construcción: El conjunto agrícola se remonta al s. XVI, la vivienda data de los años cuarenta.

Arquitectos: José María López Montenegro y García Pelayo

 

             

 

                                                                                      

 

Uso actual: Museo de Historia y Cultura “Casa Pedrilla”, Cáceres

Fecha rehabilitación: 1992

Fecha inauguración: julio 1995

Dirección: C/ Ronda de San Francisco Cáceres

Tel/Fax: 927 241633, 927 240762

  

 

 

Historia del edificio:

El Museo de Historia y Cultura “Casa Pedrilla” se encuentra ubicado en un complejo agrícola industrial adquirido en 1990 por la Diputación Provincial en los alrededores de Cáceres. Una de las dependencias que integraron el conjunto era la vivienda unifamiliar, construcción de los años cuarenta erigida sobre los restos del viejo lavadero, que fue rehabilitada y adaptada a su función museística. En julio de 1995 abría sus puertas el Museo de Historia y Cultura, al que se añadió el sobrenombre de “Casa Pedrilla” en recuerdo de quienes fueron propietarios de estos terrenos durante el siglo XIX.

El edificio que alberga el museo, construido en los años cuarenta del siglo XX por el arquitecto José María López-Montenegro y García Pelayo, se encontraba en avanzado estado de deterioro hasta que, en 1992 se puso en marcha el proyecto de rehabilitación. Contemplaba esta intervención, en primer lugar, detener el proceso de ruina; además, devolver al inmueble su aspecto original y adaptarlo a su nueva función como museo.

En su apariencia externa recuerda a la arquitectura portuguesa, de acuerdo con los gustos de sus constructores, el matrimonio formado por don Pedro Martín Pedrilla y doña Ana de Lancastre Laboeiro. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II).

Fondos:

Los fondos proceden del patrimonio artístico de la Diputación y de la colaboración desinteresada de muchos particulares, descendientes y herederos de los personajes contenidos en el museo. La finalidad era llenar el vacío existente, en cuanto a contenidos museísticos se refiere, en relación sobre todo, al comienzo de la Edad Contemporánea, al concebir su discurso conceptual en los siglos XIX y XX, en el germen de nuestro pasado inmediato más alguna referencia actual.

El edificio se distribuye en tres plantas con diversas salas cada una distribuidas de la siguiente manera:

Planta baja: junto a algunas obras puntuales de artistas cacereños que completan su representación en la planta primera, se encuentran los testimonios de personajes cacereños que destacaron en el mundo de la música, las letras, la investigación o la política. Ocupan el espacio como representantes de una trayectoria musical: Santiago Berzosa, Manuel García Matos y Cangela Capdevielle. En las letras, la historia y la política, aunque resulta difícil efectuar una selección, podemos encontrar nombres como José Ibarrola, León Leal, José Canal, Publio Hurtado, Mario Roso de Luna, el Conde de Canilleros, Antonio Hurtado, Antonio Silva Núñez o Pureza Canelo.

Planta primera: se distribuyen los artistas plásticos, desde Lucenqui hasta Juan José Nárbón, único autor vivo como puerta abierta a la creación artística actual. Otros nombres de interés son José Bermudo, Conrado Sánchez Varona, Gustavo Hurtado Muro, Enrique Pérez Comendador o Eulogio Blasco.

Planta superior: denominada "Didáctica de la Historia", presenta un recorrido por la historia de Extremadura, con medios visuales sofisticados y un diseño contemporizador, desde la prehistoria, pasando por una breve síntesis de la relación con América, hasta nuestros días. (Fuente: Junta de Extremadura)

 

Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca

 

 

 

Uso original: Casas Colgadas

Fecha construcción: s. XVI

 

 

 

  

 

                                                                                    

Uso actual: Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca
Fecha inauguración: 1966
Fecha rehabilitación: 1978, 2001
Arquitectos: Fernando Barja y Francisco León Meler (1978)
Dirección: Casas Colgadas, 16001 Cuenca
Tel/Fax: 969 212983 / 969 212285
Web: http://www.march.es/arte/cuenca/
E-mail: agarrote@mail.march.es

 

 

 

Historia del edificio:

El museo ocupa dos de las denominadas Casas Colgadas, conjunto arquitectónico del siglo XVI que constituye una muestra representativa de la arquitectura gótica popular conquense. Conocidas también como Casas del Rey, aunque han sido restauradas conservan algunos elementos originales, como un artesonado mudéjar, un fragmento de la escalera o un arco gótico. La Fundación Juan March se ha encargado recientemente de la remodelación de la sala Gonzalo González de Cañamares, con la incorporación de restos de la fábrica original del siglo XV.

Fueron sede de la Casa Consistorial hasta mediados del siglo XVIII y, tras la decisión de crear un museo de arte abstracto en Cuenca, el Ayuntamiento las cedió como espacio de exposición. En 1978 fueron objeto de restauración, encargada a los arquitectos Fernando Barja –autor también del proyecto de ampliación del propio museo- y Francisco León Meler.

Desde la etapa final del siglo XX se han sucedido en el museo las intervenciones encaminadas a mejorar las instalaciones; la última de ellas tuvo lugar en 2001 y supuso la redistribución de la colección y nuevos sistemas de iluminación.

Las Casas Colgadas configuran la estampa característica de la ciudad. Por su peculiar emplazamiento –asomado a la pared rocosa que da al río Huécar-, el Museo de Arte Abstracto es único en su género; ha sido galardonado, entre otros, con el Premio del Consejo de Europa al Museo Europeo del Año (1981). (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)

Fondos:

La iniciativa de la creación del museo se debió a varios artistas encabezados por el pintor Fernando Zóbel, alma mater de un proyecto que pretendía evitar la dispersión de las obras de sus amigos, todos ellos continuadores en alguna medida de la orientación renovadora iniciada por Pablo Picasso, Joan Miró y Juan Gris. Poseedor de una completa colección de cuadros y esculturas de diversos artistas de su generación, Zóbel eligió como espacio para su exposición las recién restauradas Casas Colgadas de Cuenca, a sugerencia de su amigo y compañero de oficio Gustavo Torner, y después de desechar como posible emplazamiento la ciudad de Toledo. Gerardo Rueda se unió poco después al proyecto que supuso, además de la creación de un espacio donde exhibir las obras más representativas realizadas en los años 50 y 60 por los artistas abstractos españoles, la llegada a la ciudad de otros creadores que establecieron en Cuenca su residencia y contibuyeron de manera decisiva a configurar su casco antiguo como un ámbito de enorme dinamismo artístico y de indudable carácter cosmopolita.

En el museo se exponen de forma permanente más de un centenar de obras de artistas españoles que cultivaron la abstracción en las décadas centrales del siglo XX, junto con realizaciones posteriores, correspondientes a las décadas de los años ochenta y noventa del pasado siglo.

Pinturas, esculturas, obra gráfica, dibujos, carteles y otros trabajos de más de ciento cincuenta creadores, en su mayoría directamente vinculados con los grupos que, desde el final de los años cuarenta, contribuyeron a difundir el lenguaje de la abstracción: Dau al Set [+], El Paso, Parpalló o Gaur.

La nómina de artistas representados en el Museo de Arte Abstracto Español es extensa; incluye, entre otros, a Basterrechea, Canogar, Cuixart, Chillida, Chirino, Farreras, Feito, Amadeo Gabino, Guerrero, Hernández-Pijuán, Lorenzo, Manrique, Millares, Mompó, Lucio Muñoz, Oteiza, Palazuelo, Rivera, Rubio Camín, Rueda, Saura, Sempere, Serrano, Tápies, Teixidor, Torner, Iturralde, Viola y Zóbel.

Las obras expuestas evidencian el cruce de influencias que vivieron sus autores: expresionismo abstracto, abstracción lírica, Op-Art o constructivismo, entre otras. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)

 

 

Casa Taller del Museo Oteiza, Alzuza

 

 

 

 

Uso original: vivienda. Desde 1975, casa taller de Jorge Oteiza

 

 

 

                                                                         

 

Uso actual: Casa Taller del Museo Oteiza
Fecha inauguración: 1 noviembre 2003
Fecha rehabilitación: 2000-2003
Arquitectos: Francisco Javier Sáenz de Oiza, Concha Lapayese, Darío Gazapo y Vicente Sáenz
Dirección:C/ de la Cuesta, 7, 31486 Alzuza, Navarra
Tel/Fax: 948 332074 / 948 332066
Web: http://www.museooteiza.org/
E-mail: info@museooteiza.org

 

 

 

 

Historia del edificio:

El Museo Oteiza es obra del arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza, que ha proyectado un gran cubo de hormigón rojizo, que acoge la colección del escultor e integra la vivienda ocupada por Jorge Oteiza durante dos décadas.

Jorge Oteiza y su mujer Itziar Carreño se instalaron en esta casa abandonada de Alzuza en 1975 y lo convirtieron en su vivienda, centro de trabajo y refugio. Alzuza se convirtió en el escenario de la anunciada voluntad del artista de alejamiento, donde encontró el necesario aislamiento para centrarse en su creación poética, ensayística y de investigación, aunque resultó también un punto de encuentro para la comunidad intelectual en contacto con Oteiza. (Fuente: Museo Oteiza)

Fondos:

El Museo Oteiza Museoa alberga la colección personal del reconocido escultor y artista integral (Orio,1908 - San Sebastián, 2003), compuesta por 1.650 esculturas, 2.000 piezas de su laboratorio experimental, además de una extensa presencia de dibujos y collages.

La Casa Taller ofrece un acercamiento a la personalidad creativa del artista a través de la exposición de unidades temáticas, geográficas y audiovisuales, que ayudan a recomponer el itinerario vital y creativo del artista.

Entre estos elementos expositivos, destaca la numerosa documentación escrita y gráfica inédita, algunas maquetas de sus proyectos arquitectónicos, esculturas, estudios de su laboratorio de tizas y otros objetos del artista. La reordenación de los espacios y los fondos actualmente presentes se articulan en dos ejes, uno geográfico y otro temático.

El eje geográfico contiene numerosas imágenes de la vida de Oteiza junto con textos explicativos de diferentes periodos de la vida del artista.

El eje temático que rige la ordenación de los materiales expuestos presenta diferentes unidades vinculadas a los numerosos proyectos artísticos y culturales desarrollados por el artista y que hacen mención a su relación con la arquitectura, sus estudios sobre el euskera preindoeuropeo, su quehacer poético, su vinculación con el cine, los problemas estéticos planteados en sus textos y libros, la acción social y cultural desarrollada a lo largo de su vida, o su vinculación con la Escuela Vasca de grupos de vanguardia. Cada uno de estos epígrafes va acompañado por numerosa documentación que recoge e ilustra el pensamiento de Oteiza en referencia a los aspectos abordados en cada uno de los grupos. (Fuente: Museo Oteiza)

 

 

Museo de la Alhambra, Granada

 

 

Uso original: Palacio de Carlos V

Fecha construcción: 1527

Arquitecto: Pedro Machuca

 

 

   

 

                                                                                  

 

Uso actual: Museo de la Alhambra
Fecha inauguración: s. XX
Dirección: Palacio de Carlos V-Alhambra, 18009 Granada
Tel/Fax: 958 027900 / 958 027929
Web: http://www.alhambra-patronato.es
Email: museo.pag@juntadeandalucia.es

 

 

Historia del edificio:

El Museo de la Alambra está ubicado dentro del conjunto monumental de la Alhambra, este emblemático edifico fue construido como residencia imperial en 1527 por el arquitecto Pedro Machuca. Siendo uno de los ejemplos más representativos de la arquitectura renacentista española, su autor, formado en Roma junto a Miguel Ángel, llevó a efecto una obra de acusada tendencia italianizante y original resolución de su planta, lo que supuso una gran novedad formal para la arquitectura del siglo XVI. Constituido el edificio por una planta cuadrada en la que se inscribe un patio circular, de sus cuatro fachadas sólo están terminadas la sur y la oeste en su totalidad, quedando el resto resueltas parcialmente por estar el edificio adosado al Alcázar árabe.

El palacio se estructura en el exterior en dos cuerpos diferenciados construidos en cantería. El inferior cuenta con decoración de almohadillado y resaltadas pilastras de orden toscano en las que se insertan grandes aldabas de bronce con cabezas de león y águila. En los espacios intermedios se abren ventanas rectangulares y, sobre éstas, otras circulares de menor tamaño. Se repite este esquema de manera similar en la parte superior, donde se abren balcones entre pilastras de orden jónico que se apoyan en un entablamento corintio, acompañadas con mayor profusión decorativa, compuesta por símbolos de la Orden del Toisón y columnas con el Plus Ultra en los pedestales, al tiempo que la decoración de guirnaldas, racimos de granadas y figuras infantiles se distribuye en torno a los frontones y guardapolvos que coronan los vanos. La fachada se completa con dos magníficas portadas realizadas en mármol de la sierra de Elvira, resueltas con un completo programa iconográfico.

En el interior, un magnífico patio circular ocupa el centro de la construcción y articula las distintas dependencias del palacio que se abren a través de arcos y vanos entre hornacinas. El ángulo noreste del palacio lo ocupa la capilla, ubicándose escaleras en los ángulos restantes. El patio, distribuido en dos alturas, se rodea por un ancho pórtico adintelado formado por doble galería de 32 columnas de piedra. Tras la muerte del autor, en 1550, se designó a su hijo Luis para sucederle, interviniendo con posterioridad en los trabajos una larga lista de artistas. Pero la falta de fondos impidió la continuación de las obras, quedando el palacio sin cubierta y sin finalizar las habitaciones.

En los primeros años del siglo XX la Comisión de Monumentos, encargada de dirigir la restauración de la Alhambra, encomienda al arquitecto Ricardo Velázquez Bosco la terminación del palacio, trabajo que continuó en 1923 Leopoldo Torres Valvas procediendo, entre otras reformas estructurales, a techar parte del edificio. Transcurrida la guerra civil las obras se reanudaron bajo la dirección del arquitecto Francisco Prieto. El Museo de la Alhambra ocupa el ala Sur de la planta baja, distribuyéndose en siete salas. Creado en 1870, en 1862 pasó a denominarse Museo Nacional de Arte Hispano Musulmán. En 1994 se modificó su denominación, trasladándose a su ubicación actual. El espacio y la instalación expositiva fue diseño del arquitecto Juan Pablo Rodríguez Frade.(Fuente: Ministerio de Cultura )

Fondos:

La Colección Permanente, constituye un extraordinario y completo recorrido por la evolución del arte hispanomusulmán. Gracias a su variedad y a su amplitud cronológica, el visitante puede comprender mejor la riqueza y complejidad de la cultura y la sociedad islámicas en la Península Ibérica a la vez que puede reconstruir el marco en el que se desarrollaba la vida cotidiana. Comenzó a tener un aspecto de “Museo” a mediados del siglo XIX, catalogado y reunido en diversos sectores de la Alhambra. Hacia 1870 se empezaron a catalogar los fondos, instalándose algunos en las habitaciones del Emperador y alrededor de los palacios de Leones y Comares.

Entre los fondos se puede destacar la colección de cerámica doméstica en la que destaca el jarrón de las Gacelas como pieza príncipe de la cerámica hispanomusulmana. También el conjunto de elementos arquitectónicos de mármol como columnas, paneles decorativos tallados, yesería o la colección de piezas de madera arquitectónica decorada con una importante colección de cubiertas apeinazadas y ataujeradas.

Exposiciones en el monumento. El Patronato de la Alhambra y el Generalife desarrolla proyectos expositivos dentro del Recinto Monumental, muchos de ellos resultado de un exhaustivo trabajo interno de investigación complementado con interesantísimas aportaciones externas, ofertados al mundo de la investigación, potenciando un debate científico enriquecedor, y a la ciudadanía en general. El Patronato de la Alhambra y el Generalife desarrollan junto con otras instituciones públicas y privadas actividades expositivas con el objeto de profundizar en la difusión de los valores culturales del monumento.

Salón de Actos. En el Palacio de Carlos V existe una Sala dedicada a las actividades culturales y científicas que a lo largo del año se desarrollan en el recinto Monumental. Tiene capacidad para noventa  asistentes. Cuenta con un sistema de megafonía y cabina de traducción simultánea, así como sistemas de proyección de audiovisuales.

Esta sala deberá solicitarse cuando se desee celebrar un acto en ella, únicamente relacionado con la celebración de foros, encuentros u otro tipo de reuniones de carácter científico o cultural, dándose preferencia a aquellos que están directamente relacionados con la difusión del legado histórico y cultural del Conjunto Monumental. El Patronato de la Alhambra y el Generalife se reserva el derecho de uso preferente de estos espacios para actividades programadas por él o en colaboración. El Patronato de la Alhambra y el Generalife realizan periódicamentecursos, ciclos y conferenciasde enorme interés internacional. (Fuente: Patronato de la Alhambra y el Generalife )

 

 

Museo de Burgos

 

 

Uso original: Casa de Miranda, Casa de Íñigo Angulo, Casa Melgosa

Fecha construcción: 1545

Arquitecto: Juan de Vallejo, Juan Ortíz de la Maza

 

    

 

                                                                                     

 

 

Uso actual: Museo de Burgos
Fecha inauguración: 1973
Fecha rehabilitación: 1979
Dirección: C/ Miranda, 3, 09002 Burgos
Tel/Fax: 947 265875/ 947 276792
Web: http://www.museodeburgos.com/
E-mail: museo.burgos@jcyl.es

 

 

 

 

Historia del edificio:

CASA DE MIRANDA

Este palacio renacentista fue levantado en 1545 por orden del canónigo y protonotario D. Francisco de Miranda y Salón. Hasta ahora, la mayoría de las hipótesis apuntaban a que la Casa de Miranda fue construida por Juan de Vallejo en torno a 1545. Sin embargo, los historiadores Carlos Alberto Hernández Oliva y Jorge Martínez Montero han hallado un documento que atribuye su autoría al maestro cantero Juan Ortíz de la Maza, que inició las obras el 3 de agosto de 1543.

Originalmente, su planta era rectangular, pero, debido a una modificación de 1930, hoy presenta una planta trapezoidal irregular. El edificio está construido con piedra de sillería en planta baja y ladrillo en los pisos superiores. Es característico de este edificio la pervivencia de algunos elementos arquitectónicos goticistas, como las torres de las esquinas y las gárgolas de los aleros del tejado.

La fachada principal, situada en la calle Calera, posee una portada en la que destaca la decoración a base de motivos vegetales y figurados, medallones con bustos y los escudos de la familia Miranda y de la familia Castillo Santacruz.

El patio es, sin duda, el elemento arquitectónico más importante del edificio. Tiene planta rectangular, y se compone de doble galería articulada por dieciocho columnas rematadas con un llamativo elemento formado por capitel y zapata. Sobre el arquitrabe, destaca una inscripción que hace referencia al fundador del palacio y a la fecha de su edificación. La galería superior se cierra con unos antepechos decorados con bustos, figuras humanas, amorcillos, bichas y los escudos de las familias Miranda y Castillo Santacruz. Corona esta galería un friso corrido de relieves de amorcillos, bichas, sirenas, escenas cortesanas y de caza y guirnaldas, junto a motivos heráldicos. El patio se remata en un alero compartimentado por gárgolas figuradas de hombres y animales fantásticos.

En 1955 se instalan en la Casa de Miranda los fondos del Museo Arqueológico Provincial de Burgos, y a partir de 1973 se pasa a denominar Museo de Burgos.

En 1979 el Museo inició un importante proceso de transformación orientado a la ampliación del espacio expositivo y a la renovación de sus instalaciones. Así, la Casa de Miranda fue totalmente restaurada para acoger las Secciones de Prehistoria y Arqueología, mientras que la colindante Casa de Íñigo Angulo recibió la Sección de Bellas Artes. Posteriormente, también se incorporó al Museo la Casa de Melgosa, edificio destinado a futuras ampliaciones.

CASA DE ÍÑIGO ANGULO

Situada junto a la Casa de Miranda, se trata también de una construcción civil de mediados del siglo XVI. Fue levantada por Juan de Vallejo por orden de D. Lope Hurtado de Mendoza. Tiene planta rectangular, con dos torreones cuadrangulares a los lados. Sus fachadas están realizadas también con piedra de sillería en planta baja y ladrillo en el resto de los pisos.

La fachada principal, que igualmente se abre a la calle Calera, tiene una portada en la que brilla la decoración renacentista a base de motivos figurados y vegetales, animales fantásticos y rosáceas, destacando, sobre el friso, el escudo con las armas de las familias Hurtado de Mendoza y Angulo-Ortiz de Taranco, entre dos varones barbados y dos leones sedentes.

La fachada sur está formada por una arquería con columnas de fuste liso rematadas en capiteles de volutas.

Este palacio fue adquirido por la familia de Íñigo Angulo hacia 1775.

CASA MELGOSA

Construida en 1545, albergó en sus orígenes un colegio vinculado a la orden de religiosas Agustinas y años más tarde un hospital de ancianos bajo la protección de la familia Melgosa, institución que perduró hasta finales del siglo XIX, cuando el inmueble se reconvirtió en viviendas de alquiler.

Se trata de una edificación del siglo XVI con esquema arquitectónico sencillo, estructurada en dos niveles separados por una cornisa lisa que se adapta a los contornos de arcos y puertas, construida en piedra de sillería en la parte inferior y ladrillo enfoscado en la parte alta. La fachada, orientada al norte, cuenta con una portada en el lado derecho flanqueada por pilastras decoradas con guirnaldas y vasos con frutos y cerramiento de arco rebajado adornado en las enjutas por dos aves. En un lado de la fachada se abre una puerta de inferior tamaño rematada en arco de medio punto, simétrica en su disposición a otra hoy desaparecida. Se remata el conjunto con una cornisa lisa.

En 1986 el edificio fue adquirido por el Estado, que procedió a demoler el interior que se encontraba en estado ruinoso, manteniendo únicamente de su estructura primitiva la fachada y algunas arcadas. (Fuentes: Museo de Burgos, Ministerio de Cultura)

Fondos:

Los fondos del museo, procedentes del ámbito burgalés, presentan al visitante un panorama completo del proceso de desarrollo histórico y cultural de la provincia. La sección de Arqueología culmina en época visigoda; por su parte, los fondos de Bellas Artes cubren un dilatado periodo de tiempo, desde el prerrománico hasta las manifestaciones artísticas contemporáneas.

Dentro del período contemporáneo, a caballo entre los siglos XIX y XX destacan las obras de tres artistas: Luis Manero Miguel, El molino, Julio del Val Colomé, Campesinos burgaleses y Encarnación Bustillo, Las camareras de la Virgen.

En cuanto a los pintores burgaleses del siglo XX, están presentes importantes autores como Manuel de Lambarri, José María Muñoz Melgosa, José Vela Zanetti, Modesto Ciruelos, Luis Sáez, José María González Cuasante, Antonio Sanz de la Fuente o Ignacio del Río.

Por último, respecto a la escultura del siglo XX, se encuentran representados Francisco Ortega Díez, Alberto Bañuelos y José María Casanova. (Fuentes: Museo de Burgos, Ministerio de Cultura)

 

 

Museo Casa Natal de Jovellanos, Gijón

 

Uso original: Casa natal de don Gaspar Melchor de Jovellanos

Fecha construcción: fines s. XV – s. XVI

Arquitecto: Gregorio García de Jove “el Viejo”

 

       

 

                                                                                  

    

Uso actual: Museo Casa Natal de Jovellanos
Fecha inauguración: 1971
Dirección: Plaza Jovellanos, 2, 33201 Gijón
Tel/Fax: 985 346313
Web: http://www.jovellanos.net
Email: museos@ayto-gijon.es

Fotografía: Litografía de la Guía ilustrada de la villa y puerto de  Gijón, 1885.

 

 

 

Historia del edificio:

Formalmente, el palacio de Gregorio García de Jove se corresponde con el modelo tradicional del alcázar medieval, vigente en Asturias desde principios del siglo XVI hasta comienzos del siglo XVIII: un edificio con dos torres cuadradas en el frente unidas por un bloque-vivienda cuyo patio interior sirve de distribución y zona de acceso a las dependencias de la casa. La ordenación de espacios en la época de Jovellanos nos es conocida por un plano coloreado de la segunda mitad del siglo XIX que reproduce la planta principal de la casa. Por él sabemos que el patio era de pequeñas dimensiones y de traza irregular; que la tabicación era muy abundante, con largos y lóbregos pasillos, y que había 21 habitaciones. Las zonas de servicio (cocina, lavadero, bodega y letrinas) se localizaban en la parte trasera, mirando a la calleja de Las Cruces, mientras la escalera principal se hallaba en el ángulo suroccidental del patio; de la primera planta partía también la escalera de acceso al segundo piso de la torre nueva, coincidiendo con la caja actual.

Esta fue la casa que habitó don Gaspar Melchor de Jovellanos y que existió, con algunas reformas y ampliaciones de mediados del siglo XIX y de principios del XX, hasta 1943. Fue en ese año cuando el cuerpo central y la torre nueva fueron adquiridos por el Ayuntamiento de Gijón a don Carlos Cienfuegos-Jovellanos. Por último, el sector occidental de la casa, segregado de la mansión solariega desde 1921-1925, se reedificó y dividió en viviendas en 1971.(Fuente: Museo Casa Natal de Jovellanos)

Fondos:

En el Museo se expone una selección de obras que facilitan un conocimiento general de las grandes tendencias artísticas desarrolladas en Asturias desde la segunda mitad del siglo XIX. El realismo costumbrista, de marcado carácter regionalista, presente en Pescadoras de marisco (1912) y Descanso en la faena (1904) de Ventura Alvarez Sala (1869-1919), junto a los retratos de Dionisio Fierros (1827-1894), los bodegones de Julia Alcayde (1855-1939) y la producción paisajística de Nemesio Lavilla (1860-1946) y Juan Martínez Abades (1862-1920) muestran los principales temas abordados por las figuras más significativas de la pintura asturiana de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

La primera generación de pintores asturianos del siglo XX, está representada por Evaristo Valle (1873-1951) y Nicanor Piñole (1878-1978), responsables de la renovación artística que se desencadena en nuestra región a principios de este siglo. Sus pinturas reflejan distintos aspectos del paisaje humano de Asturias, desde dos concepciones pictóricas completamente distintas que se desarrollan en un mismo tiempo y espacio. La vuelta de la romería (1915) de Nicanor Piñole y el Idilio campesino (h. 1918) de Evaristo Valle permiten valorar el diferente posicionamiento estético de ambos autores a la hora de abordar el mundo rural asturiano. 

Una interesante representación de la producción artística de Joaquín Vaquero (1900-1998), Orlando Pelayo (1920-1990), Antonio Suárez (1923) y Alejandro Mieres (1927) constata la vinculación de las artes plásticas asturianas a los primeros movimientos de vanguardia. Estos fondos se complementan con una amplia selección de los artistas más jóvenes cuyas creaciones, recientemente incorporadas, permiten un recorrido por las distintas corrientes estéticas dominantes en el arte asturiano contemporáneo.

El itinerario por la escultura asturiana se inicia con una de las obras más emblemáticas de Sebastián Miranda (1885-1975) El retablo del mar, relieve en madera policromada que recrea la vieja rula de Gijón, y entra de lleno en el lenguaje escultórico contemporáneo con las obras de Joaquín Rubio Camín (1929) Amador Rodríguez (1926), Cesar Montaña (1928) y José Mª Navascués (1934-1979) cuya colección es una de las más completas del autor, al incluir una buena representación de las sucesivas etapas de su sugestiva trayectoria escultórica.

Además del Legado de Severo Ochoa, el Museo conserva el Legado Lledó Suárez que posibilita un recorrido general por las distintas escuelas europeas de los siglos XVII y XVIII. Especial atención merece la pintura de la escuela flamenca y holandesa, con obras tan relevantes como el Retrato de dama de Cornelis de Vos (1584-1651), La anunciación de los pastores de H. Van Balen (1575-1632) o el San Gregorio de Arthur Wolffort (1581-1641), y la escuela inglesa, con el Retrato del Marqués de Wellesleyde Sir Thomas Lawrence (1769-1830). La colección incluye una extensa selección de pintura española de los siglos XIX y XX. (Fuente: Museo Casa Natal de Jovellanos)

 

 

 

 

 

 

Museo de Bellas Artes de Asturias

 

 

Uso original: Palacio de Velarde, Casa de Oviedo-Portal, Casa de Solís-Carbajal

Fecha construcción: 1767, 1660

Arquitectos: Manuel Reguera González, Melchor Velasco de Agüero

 

  

 

                                                                                  

 

 

Uso actual: Museo de Bellas Artes de Asturias
Fecha inauguración: 19 mayo 1980
Dirección: C/ Santa Ana, 33003 Oviedo
Tel/Fax: 985 213061 / 985 204232
Web: http://www.museobbaa.com/
Email: museobbaa@museobbaa.com
 

 

 

 

Historia del edificio:

El Museo, inaugurado el 19 mayo de 1980 a partir de la colección de arte de la extinta Diputación Provincial, es un organismo autónomo regido y financiado por la Comunidad Autónoma del Principado de Asturias y el Ayuntamiento de Oviedo. Se encuentra instalado en tres edificios del barrio antiguo de Oviedo: el Palacio de Velarde, del siglo XVIII, al que está unido una construcción del XX, y la Casa de Oviedo-Portal, del XVII. Preste atención a los edificios históricos, pues son dos excepcionales obras de arquitectura palaciega.

El suntuoso Palacio de Velarde, uno de los más importantes de Asturias, fue erigido en 1767 por el gran arquitecto asturiano Manuel Reguera González, (Candás,1731-Oviedo,1798) para don Pedro Velarde, Regidor de la ciudad. Considerado como la obra maestra de su autor, esta construcción de tradición barroca, enriquecida con diversos recursos eruditos tomados de los tratados, fue edificio-estandarte en Asturias de la concepción ilustrada de la arquitectura. Observe atentamente la fachada principal, alzada hacia la calle de Santa Ana, junto con la meridional, levantada hacia el jardín, y comprobará la habilidad del arquitecto en el diseño de exteriores. En el interior del Palacio fíjese en el patio cuadrado, formado por dos arcos carpaneles por lado y soportados por columnas de orden toscano; en la impactante escalera de tipo imperial que conduce al piso noble y en la galería de la planta superior, formada por cinco arcos carpaneles sobre columnas toscazas y abierta al corredor alto del patio. los arcos carpaneles que dan embocadura a la escalera y el antiguo retrete, sito en la planta superior.

El rico patrimonio conservado en el Museo, configurado por más de 8.000 piezas inventariadas, constituye una de las mejores colecciones públicas de arte de España. Este hecho sitúa al Museo entre los centros más acreditados de la Península. Sus fondos abarcan desde la Edad Media al siglo XX y deben su fama a una coherente colección de pintura española y a significativos ejemplos de las escuelas europeas, sobre todo de la italiana y flamenca. Por otra parte, la representación de la pintura asturiana es completísima, figurando todos los artistas de calidad desde el barroco hasta las jóvenes generaciones de hoy. El resto de los fondos está formado por escultura moderna y contemporánea, dibujo, obra gráfica, fotografía y artes aplicadas e industriales, preferentemente vidrios y lozas.

Por último, el Museo cuenta con Departamentos de Conservación, Conservación Preventiva y Restauración, Educación y Administración. También dispone de biblioteca, salón de actos, salas de exposiciones temporales, salita de descanso, jardín visitable, ascensor, tienda y otros servicios museográficos. (Fuente: Museo de Bellas Artes de Asturias)

Fondos:

La colección contiene sobre todo obras de pintura y escultura de los siglos XVIII al XX, entre las que se encuentra una abundante representación de artistas asturianos y salas dedicadas a Evaristo Valle y Nicanor Piñole. El museo acoge regularmente exposiciones temporales y también organiza ciclos de conferencias y proyecciones cinematográficas. (Fuente: Museo de Bellas Artes de Asturias)

 

 

Museo de Bellas Artes de Badajoz

 

 

 

Uso original:  residencia

Fecha construcción: fines s. XIX

 

 

 

                              

 

 

 

Uso actual: Museo de Bellas Artes de Badajoz
Fecha inauguración: enero 1920
Fecha rehabilitación: 1920, 1979, 2007 (ampliaciones)
Dirección: C/ Duque de San Germán, 3 06001 Badajoz
Tel/Fax: 924 212469, 924 254063
E-mail: museo@dip-badajoz.es

 

 

Historia del edificio:

El Museo de Bellas Artes se inauguró en enero de 1920 utilizando unos salones del Palacio Provincial; en estos momentos iniciales los fondos del Museo estaban constituidos por 58 obras. Desde entonces, el incremento de su patrimonio a través de depósitos, donaciones y adquisiciones ha sido una actuación constante y exitosa.

 Este crecimiento progresivo movió a la Diputación Provincial de Badajoz a adquirir un edificio de finales del XIX en la calle Meléndez Valdés -actual Edificio 2 y salida del Museo-, a donde se trasladó en 1979. Cuando este inmueble resultó nuevamente insuficiente, la Diputación adquirió otros colindantes, entre ellos el que, con entrada por la calle de San Germán, comunica por la parte posterior con el primitivo Museo -actualmente Edificio 1 y entrada al museo-. Este segundo edificio de finales del XIX es un rico inmueble, que contribuye a embellecer la institución museística y a duplicar los espacios expositivos.

En relación con el continente, es obligado referirse también a las plantas de ambos edificios, pues definen las características de la circulación en su interior, imponen un recorrido y un orden al visitante, y determinan en gran medida la exposición y exhibición de sus obras. En este sentido, el museo ha hecho un gran esfuerzo por armonizar convenientemente la arquitectura y la decoración interior con la distribución de las piezas. (Fuente: Diputación de Badajoz)

Fondos:

Desde las 58 obras iniciales los fondos del Museo se han incrementado hasta alcanzar en la actualidad más de 1.200 piezas de pintura y escultura, que representan a más de 300 artistas. A ello se une un interesante conjunto de piezas de carácter mobiliar. Los fondos abarcan desde el siglo XVI al XX.

Las colecciones más representativas se centran en los siglos XIX y XX. En algunos casos, la representación de ciertos artistas es tan abundante que permite hablar de museos monográficos; son los casos de Nicolás Mejía y Felipe Checa en pintura y Torre Isunza en escultura.

 En las colecciones del siglo XX están muy bien representados los costumbristas Eugenio Hermoso, Adelardo Covarsí y Pérez Jiménez. Otros pintores de la primera mitad del siglo con obra representativa son entre otros, Carrasco Garrorena, Aparicio Quintana, Caldera, Moreno Márquez, casi todos con una tendencia similar de la que se apartan otros más innovadores como Timoteo Pérez Rubio, Ortega Muñoz, Bonifacio Lázaro y la obra modernista del original Antonio Juez.

En el panorama de la pintura actual extremeña se exhiben obras de Barjola, Antonio Juez, Pérez Muñoz, Tena, Cañamero, Pedraja, García Vázquez, Vaquero Poblador, etc... (Fuente: Diputación de Badajoz)

 

 

Museo de Bellas Artes de Álava

 

 

 

Uso original: Palacio Augustí

Fecha construcción: 1912

Arquitectos: Julián Apraiz y Javier de Luque

 

 

 

 

 

                                                                                      

Uso actual: Museo de Bellas Artes de Álava

Fecha inauguración: 1941
Fecha rehabilitación: 1965, 1991-2001
Arquitecto:  E. Guinea
Dirección: Paseo de Fray Francisco de Vitoria, 8, 01007 Vitoria-Gasteiz
Tel/Fax: 945 181918 / 945 181919
E-mail: museobellasartes@alava.net

 

 

 

 

Historia del edificio:

La Casa-Hotel del conde de Dávila es un edificio erigido a comienzos del siglo XX con proyecto de los arquitectos Luque y Apraiz. De acuerdo con los imperativos estéticos del momento, se eligió como lenguaje arquitectónico el revival historicista, en este caso renacentista, tanto para el diseño arquitectónico como para su programa ornamental.

La primera ampliación del inmueble tuvo lugar en 1965 y se debió al arquitecto Guinea, que centró su intervención en la parte trasera del edificio. En la actualidad, tras su última remodelación entre 1991 y 2001, el museo cuenta con tres ámbitos individualizados desde el punto de vista arquitectónico: el núcleo principal – antiguo Palacio Augusti-, la zona ampliada en la década de 1960 y un anexo de nueva planta que es por donde actualmente se realiza el ingreso. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)

Actividades:

El museo de Bellas Artes fue fundado en 1941. Bajo la denominación de Casa de Álava, la Diputación Foral unió en un ámbito de exposición único la Casa-Hotel del conde de Dávila, declarada en 1962 Monumento Histórico Artístico y conocida también como Palacio Augustí, los fondos de Bellas Artes y Arqueología, así como la colección de Armas. Poco a poco, a medida que se incrementaba la afluencia de obras, las dos últimas secciones se separaron para configurar museos independientes.

En origen la Diputación Foral de Álava fue la principal proveedora de obras para el museo, que se benefició, igualmente, de las aportaciones de diversas iglesias de la diócesis de Vitoria. A ello hay que añadir una parte importante de la colección de la Escuela de Artes y Oficios -que en la década de 1990 sería adquirida en su totalidad por la Diputación- y los depósitos de los madrileños museos del Prado y Arte Moderno.

Las obras clásicas y las representativas del costumbrismo local fueron objeto de interés prioritario desde el momento mismo en que surgió el museo. En los años sesenta los fondos se enriquecieron con el depósito realizado por la Fundación Fernando de Amárica, lo que motivó una ampliación del espacio y la creación de nuevas infraestructuras. Fue a partir de 1975 cuando se emprendió una política abiertamente encaminada a adquirir de manera directa obras contemporáneas, representativas del arte español a partir de la posguerra. Hay que mencionar, asimismo, la labor del Gobierno Vasco, que desde 1985 depositó en la institución las piezas premiadas en el certamen Gure Artea de arte vasco contemporáneo. Entre 1999 y 2001 se llevó a cabo una reforma que supuso la reorganización integral de sus fondos. La inauguración en 2003 del nuevo Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Artium supuso el traslado de sus fondos del siglo XX a este nuevo edificio. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)

 

 

Museu Picasso, Barcelona

 

 

 

Uso original: Palacio Aguilar, Palacio del Baró de Castellet, Palacio Meca, Casa Mauri, Palacio Finestres

Fecha construcción: ss. XIII-XIV

 

 

                                                                                  

Uso actual: Museu Picasso

Fecha inauguración: 1963
Fecha rehabilitación: 1978
Arquitecto: Jordi Garcés
Dirección: C/ Montcada, 15-23, 08003 Barcelona
Tel/Fax: 
93 2563000 / 93 3150102
Web: http://www.museupicasso.bcn.cat
E-mail: museupicasso@bcn.cat
Museu Picasso en FACEBOOK

 

 

Historia del edificio:

El Museu Picasso de Barcelona ocupa actualmente cinco grandes mansiones o palacios de los s. XIII-XIV, que han sufrido remodelaciones a lo largo del tiempo, las más importantes en el s. XVIII.

Desde la inauguración del museo en 1963 a la actualidad el museo ha pasado de uno a cinco palacios. La ampliación del Museu Picasso, impulsada y financiada por el Ayuntamiento de Barcelona, ha sido realizada en fases sucesivas por el arquitecto Jordi Garcés.

El proyecto ha seguido un plan arquitectónico global que empezó a diseñar en 1978 el mismo arquitecto. En 1970 se amplía el museo con la anexión del palacio del Baró de Castellet. En 1981 se anexiona el palacio Meca. En 1999 se realiza una nueva ampliación del museo; se habilitan la casa Mauri y el palacio Finestres como espacios para las exposiciones temporales. En el 2003 se remodelan y adaptan los espacios interiores de la exposición permanente y en el 2007 se anexiona el pequeño edificio de la plaza posterior del museo.

Las dos últimas intervenciones de remodelación arquitectónica y museográfica, completadas en 1999 y en 2003, han supuesto a grandes rasgos, la creación de nuevos espacios expositivos amplios y sobrios, con presencia de luz natural, y la articulación de un corredor transversal continuo de los cinco palacios. La superficie actual es de 11.500 m2, con 22 salas de exposición permanente. (Fuente: Museu Picasso)

Fondos:

Picasso vivió en Barcelona unos años fundamentales: los de su periodo de formación. Con Barcelona estableció y mantuvo unos fuertes vínculos durante toda su vida y en Barcelona quiso tener su museo.

Así fue como, en 1960, y por voluntad expresa del propio Picasso, su amigo y secretario personal, Jaume Sabartés, propuso al Ayuntamiento de Barcelona la creación de un museo dedicado a su obra. En 1963 el museo era una realidad y abría sus puertas en el Palacio Aguilar, en el número 15 de la calle de Montcada.

El fondo del museo lo integraban en aquel momento la colección personal de Sabartés y la colección de obras de Picasso de los Museos de Arte de Barcelona (básicamente el Arlequín, la colección Plandiura, el legado de dibujos del coleccionista Lluís Garriga Roig, la serie de grabados para Las metamorfosis de Ovidio y varias litografías y carteles).

El Museu continúa incrementando su colección, de manera simultánea, en dos direcciones: adquisición de piezas muy significativas del periodo del que el Museu es un referente y adquisición de obras que puedan completar aspectos muy concretos de la colección, siempre en el marco cronológico que ocupa.

La apuesta es acentuar aún más la especificidad del Museu, aquello que lo hace diferente del resto y le permite construir un discurso propio. (Fuente: Museu Picasso)

Museo Art Nouveau y Art-Déco, Salamanca

 

 

 

Uso original: Casa Lis

Fecha construcción: 1905

Arquitecto: Joaquín Vargas y Miguel de Lis (ingeniero)

 

                    

                                                                      

 

Uso actual: Museo Art Nouveau y Art-Déco

Fecha inauguración: 1995
Fecha rehabilitación: principios años 90
Arquitectos: Javier Gómez Riesco y Francisco Morón
Dirección: C/ El Expolio, 14, 37008 Salamanca
Tel/Fax: 923 121425/ 923 270320
Web: http://www.museocasalis.org/
E-mail: info@museocasalis.org
 

 

 

 

Historia del edificio:

 La Casa Lis constituye un importante ejemplo de la arquitectura civil modernista fuera del ámbito catalán. Su construcción finalizó en 1905, con proyecto de Joaquín Vargas –que intervino en el Mercado Central de Salamanca- y Miguel de Lis, arquitecto e ingeniero industrial, respectivamente, que planearon un edificio de dos plantas.

En los años ochenta del siglo XX el edificio fue objeto de restauración, tras su expropiación por parte del Ayuntamiento, dado el avanzado estado de deterioro en que se encontraba. En la restauración tomaron parte los arquitectos locales Gómez Riesco y Morón. Las magníficas vidrieras emplomadas que decoran las fachadas y el patio interior, diseñadas por Ramos Andrade, fueron realizadas por el artista catalán Juan Villaplana.

En 1995 se convirtió en el Museo Art Nouveau y Art-Déco de Salamanca.  (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)

Fondos:

El museo consta de diversas secciones –esmaltes, porcelana, bronce, piezas textiles, mobiliario, vidrio, pintura, entre otras- y cuenta, asimismo, con una interesante colección de juguetes, sobre todo muñecas. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)

 

 

Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

 

Uso original: Palacio de Villahermosa, banca López-Quesada,

Fecha construcción: finales del s. XVIII principios del s. XIX

Arquitecto: Antonio López de Aguado

    

 

                                                                                  

 

Uso actual: Museo Thyssen-Bornemisza

Fecha inauguración: 8 octubre 1992
Fecha rehabilitación: 1973, 1983, 1992, 2004 (ampliación)
Arquitectos: Rafael Moneo. Manuel Baquero y Francesc Plá (ampliación 2004)
Dirección: C/ Paseo del Prado, 8, 28014 Madrid
Tel: 91 3690151
Web: http://www.museothyssen.org/thyssen/home
 

 

 

 

 

Historia del edificio:

La sede del museo es el Palacio de Villahermosa, en la esquina del Paseo del Prado con la Carrera de San Jerónimo. Este edificio fue construido entre finales del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX en estilo neoclásico, por Antonio López Aguado para María Pignatelli y Gonzaga, esposa del duque de Villahermosa. En el siglo XIX fue una de las mansiones más prestigiosas de la ciudad, conocida por sus fiestas y veladas artísticas. En ella tocó el piano Franz Liszt.

Fue en 1973 cuando pasó a ser sede de la banca López-Quesada, lo que implicó un cambio radical de su distribución interior para albergar despachos. Tras la quiebra del banco, pasó a manos del Estado en 1983 y fue reformado parcialmente en esos años como sede de exposiciones temporales del Museo del Prado, entonces acuciado por problemas de espacio.

Como parte del acuerdo entre el Estado español y la familia Thyssen, el edificio fue destinado al nuevo museo. Su rehabilitación como pinacoteca fue diseñada por Rafael Moneo. Las mejoras más elogiadas fueron la apertura de salas espaciosas al modo de los palacios antiguos, la importancia otorgada a la luz natural, con lucernarios controlados mediante sensores, y el cambio del acceso principal, que volvía de la Carrera de San Jerónimo a la fachada posterior, tal como era en origen. Se entendió que este acceso era más apropiado para las aglomeraciones de público al contar con jardín propio.

El museo se inauguró el 8 de octubre de 1992, con la presencia de los reyes. En 2004 se amplió para albergar la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza mediante la suma de dos edificios colindantes, pertenecientes a la familia Goyeneche, el primero de ellos mandado construir por el Conde de Guaqui y el segundo por la Duquesa de Goyeneche. Estos edificios fueron reformados por Manuel Baquero y Francesc Plá, y se conectan por un ángulo al Palacio de Villahermosa. Sus salas repiten, en colores y materiales, la estética del primer edificio. (Fuente: Wikipedia)

Actividades:

Situado casi enfrente del Museo del Prado y muy cerca del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, este nuevo museo, de cuya remodelación se encargó el arquitecto Rafael Moneo, era la piedra angular que faltaba para que el triángulo del arte se convirtiera por fin en realidad. Con la presencia en Madrid de la colección Thyssen-Bornemisza, la colección privada más importante del mundo hasta que en junio de 1993 la adquiriera el Estado español por 350 millones de dólares, pocas ciudades podrán ofrecer un mayor atractivo a cualquier amante del Arte. Una de las características más destacadas del Museo es su carácter complementario con respecto a las colecciones del Museo del Prado en lo que a pintura antigua concierne, y del Museo Nacional Reina Sofía en pintura moderna, aportando movimientos y estilos como los primitivos italianos y neerlandeses, Renacimiento alemán, pintura holandesa del siglo XVII, Impresionismo, Expresionismo alemán, Constructivismo ruso, la Abstracción geométrica y el Pop. Y en lo que resulta singular es en la muestra de pintura norteamericana del siglo XIX, prácticamente desconocida en Europa y que en el Museo ocupa dos salas.

Los orígenes y desarrollo de la colección Thyssen-Bornemisza ofrecen una de las más fascinantes historias del coleccionismo privado. Aunque la Colección era ya conocida en todo el mundo, cuando en octubre de 1992 se abrió al público el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y pudo verse por primera vez en su conjunto el núcleo principal, una de las mayores causas de admiración fue el hecho de que tal cantidad de obras y de tal calidad hubiesen sido el resultado de tan sólo dos generaciones de coleccionismo. Se trataba, sin duda, de la colección privada de arte más importante de este siglo. Efectivamente, aunque con un breve pero interesante precedente relativo a August Thyssen, abuelo del barón, la historia de la colección Thyssen-Bornemisza es fruto del afán coleccionista del Barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza y de su padre Heinrich, primer Barón Thyssen-Bornemisza. Éste, que inició la colección en los años 20 de este siglo, se dedicó sobre todo al arte antiguo, reuniendo, hasta 1947, año de su muerte, alrededor de 525 cuadros. En 1930, en la Alte Pinakothek de Munich, el público tuvo la oportunidad de contemplar la primera exposición de las obras reunidas por él. Dos años después, para albergar una colección que crecía sin cesar, el barón compró al príncipe Leopoldo de Prusia Villa Favorita, en la localidad suiza de Lugano. A su muerte, la colección se dispersó en parte entre sus herederos, y el menor de sus cuatro hijos y heredero del título, el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza, se dedicó a reunirla de nuevo, comprando las obras a sus parientes. En una etapa inicial siguió adquiriendo pintura antigua y, a partir de los años 60, inició la colección de Maestros Modernos. Su interés se concentró al principio en las obras del Expresionismo alemán, un arte considerado "degenerado" por los nazis, que destruyeron gran parte de estas obras. Poco a poco, la fascinación que sentía por los expresionistas alemanes le condujo a la adquisición de obras de artistas de vanguardia rusos y otros pioneros del arte abstracto. Y así, llegó a hacerse con importantes obras impresionistas, postimpresionistas, pintura europea de principios de siglo, pintura inglesa de la postguerra - Francis Bacon, Lucian Freud, etc. - y pintura norteamericana de los siglos XIX y XX.

Villa Favorita se quedó pequeña - allí no se podían exponer más que 300 cuadros - y el barón decidió buscar un nuevo hogar para sus obras. La proximidad del Museo del Prado y la calidad del edificio de Madrid que le ofreció el Estado español, le decidió a traer la colección a España. Y es en esta ciudad, en el decimonónico Palacio de Villahermosa, donde se puede contemplar por primera vez la Colección casi completa. La instalación definitiva de la colección en España parecía la culminación de esa relativamente corta pero intensa trayectoria coleccionista, pero no ha sido así. Carmen Thyssen-Bornemisza ha recogido el testigo y, continuando con la tradición familiar, tiene desde hace unos años su propia colección, que recoge por un lado la herencia de su esposo y, por otro, continúa ampliándose con nuevas adquisiciones. (Fuente: Museo Thyssen Bornemisza)

 

 

Museo Pérez Comendador-Leroux, Hervás

 

 

 

 

Uso original: Palacio de los Dávila

Fecha construcción s. XVII

 

 

 

               

 

                                                              

 

Uso actual: Museo Pérez Comendador-Leroux, Hervás
Fecha inauguración: 25 octubre 1986
Fecha rehabilitación: 1972
Dirección: C/ Asensio Neila, 5 , 10700 Hervás
Tel: 927 481655
E-mail: museo.comendador@hervas.com

 

 

Historia del edificio:

Se encuentra instalado en un edificio del siglo XVIII, el Palacio de los Dávila, propiedad municipal desde 1972; el proyecto de su rehabilitación se encargó al arquitecto Alfredo Fernández. La Casa de los Dávila, antigua casona está situada en el centro de la población entre las plazas de González Fiori y de “La Corredera” que perteneció a la familia Dávila.

Desde su construcción el edificio ha venido cumpliendo funciones diversas desde el uso residencial a Comandancia Militar durante la guerra o biblioteca durante la construcción del edificio de maestría en una de lassalas de planta baja. Ha vividovarias intervenciones, la más destacada la realizada para su adecuación como espacio museístico. En 1969 había sido incluida en la Declaración del Conjunto Histórico de Hervás acompañando al Barrio Judío y a otros edificios de los s. XVI al XVIII – Iglesia de Santa María, Convento Trinitario, Enfermería Franciscana,declaración promovida por el folklorista hervasense Emilio González de Hervás, que contó con el apoyo de Enrique Pérez Comendador en calidad de miembro de San Fernando.

El edificio presenta tres plantas en la fachada del jardín producto de la adaptación a la ligera pendiente del terreno, Ha sufrido varias intervenciones, aunque enlíneas generales el edificio conserva el volumen, la espacialidady la distribución original marcada porel eje señalado por la puerta principal y las escaleras. El respeto de las intervenciones realizadascon los muros de fábrica,espacio deescalera y los artesonados de la entrada y solera de escaleras y los elementos de cantería en chimenea, hornacinas y vanos de puertas y ventanasayudana conservarel carácter de la edificación. En elexterior destaca un pequeñoaljibe cubierto por una bóveda de cañón de sillaresque sirve de apoyo a una de las fachadas laterales del edificio.

La fachada del jardín era la más afectada por las sucesivas reformas y adaptaciones a las necesidades de los propietarios presentando una serie de construcciones añadidas que desfiguraban su traza original; por otro, lado otras dependencias exentas del edificio principal cumplían las funciones de antiguas cuadras y graneros.

Los contactos llevados a cabo a partir de 1968 entre Comendador,D. Gaspar López Gil, D. José Murillo Iglesias, D. Victor Mendoza Olivan, D. Luis Sánchez Belda y D. Ramón Jaraquemada en representación de lapropietaria del inmueble Dª María Socorro Silva Dávilaheredera de Dª María Dávila García, tendrán como resultado la compra del inmueble en 1972. En 1975 D. Fernando Chueca Goytia recibe el encargo de realizar el proyecto de rehabilitación. El proyecto, fechado en 1977, acomete la rehabilitación del inmueble para su adecuación como Casa Museo y Biblioteca Pública, reservando una parte importante del edificio como vivienda del escultor- con la consiguiente ampliación de la parte derecha del inmueble y estudios bajo cubierta para becados que llevan consigo añadidosimportantes y distorsionan la cubierta original. Seiniciarán las obras para rehabilitar un edificio en ruina, empezando los trabajos por la cubierta. En julio de 1981 el diario ABC, poco después de la muerte de Comendador, se hacía eco de la preocupación del Ayuntamiento de Hervás queasiste al estancamiento delas obras, y de la decisión firme del Alcalde D. Vicente Castellano y la corporación que intentan la continuidaddel proyecto de Museo.

Por un lado la indecisión de los artistas: Comendador y Magdalena Leroux y sus continuos coqueteos con otras ciudades, especialmente con Sevilla, y por otro la falta de compromiso realde los diferentes ministerios que se habían comprometido a iniciar las obras de rehabilitación de la Casa de los Dávila, hacen que la década de los años 70 se salde prácticamente con la adquisición del inmueble de la Casa de los Dávila, con la redacción de un primer proyecto de rehabilitación y con la presencia de algunas obras del escultor en Hervás, como se deduce de la nota informativa del Ayuntamiento de Hervás de 11 de febrero de 1975 y de la entrevista realizada a D. Gaspar López a principios de 1977 en el diario Hoy.

Habrá que esperar a mediados de los ochenta para que las obras del edificio tomen un nuevo y definitivo impulso tras la intervenciónde la nuevacorporación provincial presidida por D. Manuel Veiga López, D. Ventura Díaz Gil, Alcalde de Hervásyel heredero del matrimonio D. Roger Lecourtier Morel. Será la Diputación cacereña y el arquitecto de la misma, D. Alfredo Fernández, quien manteniendoparte de los criterios del proyecto de D. Fernando Chueca Goitia modificará algunos de los usos contemplados, destinando la totalidad del inmueble a un uso estrictamente culturalacometiendo la rehabilitacióndefinitiva del mismo e inaugurándose como museo dedicado a Enrique Pérez Comendador y a su mujer la pintora Magdalena Leroux el 25 de octubre de 1986.

Posteriormente a esta fecha han sido acometidas algunas obras menores y una nueva restauraciónque afectó principalmente a la cubierta, a la que se devolvía en gran medidasu aspecto originario con la desaparición de los espacios abuhardillados que tantos problemas de humedad venían ocasionando en los últimos años, y a la escalera principal del edificio. Esta última intervención, dirigida por el arquitecto D. Manuel Viola Nevado, fuefinanciada por la Consejería de Cultura de la Junta de Extremadura. (Fuente: Museo Pérez Comendador-Leroux)

Fondos:

En sus salas se expone la obra escultórica de Enrique Pérez Comendador (Hervás 1900-Madrid,1981) y la pintura de su mujer Magdalena Leroux Morel (París, 1902-madrid, 1985). Desde 1997 el museo viene siendo gestionado por el Consorcio Museo Pérez Comendador-Leroux en el que participan la Diputación de Cáceres, la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Extremadura y el Ayuntamiento de Hervás. En los últimos años el museo abre sus fondos a nuevos artistas: el extremeño Ángel Duarte Jiménez (Aldeanueva del Camino 1930- Sión, 2007), miembro fundador del Equipo 57 y figura destacada de la vanguardia española y del arte normativo europeo; Javier de Winthuysen Losada (Sevilla, 1874- Barcelona, 1956) pintor sevillano y pionero en el estudio de los jardines históricos españoles. Junto a estos, el museo cuenta con la presencia de obra de la familia Leroux: Auguste, Georges, André y Lucienne y con una importante colección de ex libris en la que destacan algunas de las figuras del Modernismo catalán: Triadó, Casal y Vernís y Riquer.

La sala de exposiciones temporales ha permitido que en sus fondos se inscriban nuevos creadores, principalmente extremeños como Pilar Molinos, Pedro Gamonal, Luis Costillo, César David, Juan Gila, Bárbara Bejarano o José Luis Acera. Los castellanos Ángel Sardina y Paloma Pájaro, los andaluces José Manuel Fuentes, Pérez Tapias o José Manuel Velasco o el asturiano Enrique Tirador entre otros. Desde 1997 el Museo Pérez Comendador-Leroux forma parte de la Red de Museos de Extremadura y prácticamente desde su creación cuenta con una serie de servicios culturales y educativos con los que conforma una variada programación cultural: Biblioteca Pública “Agustín Arrojo Muñoz” y Escuela Municipal de Música. Servicios culturales que aportan al Museo su especificidad, su público y una estrecha relación de cotidianeidad con la localidad de Hervás y colaboración con otras instituciones culturales de Extremadura. (Fuente: Zéfiro cuadernos).

 

Facultad de medicina

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

 

 

 

Uso original: antiguo hospital general de Madrid, Facultad de Medicina, depósito de cadáveres
Fecha construcción: segunda mitad del siglo XVIII
Arquitectos: José de Hermosilla y Francisco Sabatini
 

 

 

 

 

                                                                                         

 

Uso actual: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Fecha rehabilitación: 1980, 1998, 2001
Arquitectos: Antonio Fernández Alba (1980), José Luís Íñiguez De Onzoño Y Antonio Vázquez De Castro, Ian Ritchie (1998), Jean Nouvel (2001)
Dirección: C/ Santa Isabel, 52, 28012 Madrid
Tel/Fax: 91 7741000 / 91 7741056
Web: http://www.Museoreinasofia.Es/Index.Html
Email: Prensa3.Mncars@Mcu.Es
 

 

 

 

 

Historia del edificio:

El edificio que alberga el MNCARS data de la segunda mitad del siglo XVIII, época en que se le encarga un proyecto de hospital al arquitecto Francisco Sabatini, quien, no obstante, no podría concluir la edificación, levantado tan solo parte de lo que estaba previsto en los planos. A partir de entonces, y hasta prácticamente nuestros días, el hospital sufrió varias modificaciones y añadidos, y logró sobrevivir a las voces que exigían su demolición gracias a un Real Decreto de 1997 que lo declaraba Monumento Histórico Artístico.

En el año 1980 comienza la restauración del edificio, realizada por Antonio Fernández Alba, y a finales de 1998 José Luís Íñiguez de Onzoño y Antonio Vázquez de Castro llevarían a cabo las últimas modificaciones, entre las que cabe destacar especialmente las tres torres de ascensores, de vidrio y acero, diseñadas en colaboración con el arquitecto británico Ian Ritchie.

Recientemente se ha llevado a cabo una ampliación del inmueble, realizada por el arquitecto francés Jean Nouvel, autor de obras como el Centro Islámico de Madrid, la Fundación Cartier de París, el Centro Cultural de Congresos de Lucerna o la Torre Sinfín en la Défense de París.

Tras procederse a la reinauguración del centro en septiembre del 2005, en la actualidad las instalaciones del museo incluyen un auditorio, una biblioteca, una librería y más salas de exposiciones temporales. (Fuente: Summa artis.XLIX-II)

 Fondos:

Cronológicamente, su colección es una prolongación de la del Museo del Prado, al cubrir el periodo que va de finales del siglo XIX a la actualidad. Hacia 1995, un replanteamiento de las colecciones estatales marcó el nacimiento de Picasso (1881) como línea divisoria entre el Prado y el Reina Sofía, un criterio que se ha cuestionado como demasiado rígido y que va siendo diluido por las últimas iniciativas de este museo, como la incorporación de ejemplos de Goya y Sorolla.

La irregular trayectoria del arte moderno en España, habitualmente ignorado por el coleccionismo y los organismos públicos, explica que haya múltiples limitaciones y lagunas en el repertorio internacional de este museo. Sus responsables asumen que ya es imposible equipararlo a las más ricas colecciones del siglo XX (MoMA de Nueva York, Tate Modern de Londres o Centro Georges Pompidou de París...), por lo que se centra en el arte español y lo contextualiza en las corrientes internacionales, ilustradas con algunos autores desde Pierre Bonnard hasta Louise Bourgeois.

Principios del siglo XX: La colección arranca con autores del cambio de siglo, como Ramón Casas, Ignacio Zuloaga, Isidro Nonell, Joaquín Mir, María Blanchard, Juan Gris, Julio González y José Gutiérrez Solana. Según criterios más estilísticos que cronológicos, el repertorio expuesto ignoraba a artistas como Sorolla, cuya ausencia se va a paliar ahora con préstamos de otras instituciones.

Picasso, Dalí y Miró: El museo cuenta con excelentes colecciones de los geniales Pablo Picasso y Salvador Dalí. La obra más conocida del museo es sin duda el Guernica, que se guarda junto a múltiples bocetos preparatorios. La presencia de este artista se ha reforzado gradualmente con otras obras, en su mayoría compras recientes. Su ejemplo más antiguo es la Mujer en azul de 1901, hay unos pocas pinturas de sus etapas cubista y surrealista, varias más valiosas de la década de 1930 y también de sus últimos años: tres grandes lienzos sobre el tema El pintor y la modelo (1963). La colección incluye además tres de sus principales esculturas: Mujer en el jardín, El hombre del cordero y La dama oferente.

La notable colección de Dalí, con obras maestras como El gran masturbador, se debe en buena parte a la herencia del pintor, que legó sus bienes al Estado, siendo repartidos entre este museo y el Teatro-Museo Dalí de Figueras.

Junto con Picasso y Dalí, sobresale el fondo de Joan Miró, formado en parte con obras cedidas por su viuda, Pilar Juncosa.

De la abstracción al pop art: La vía abstracta de mediados del siglo XX cuenta con Jorge Oteiza y Eduardo Chillida, este último presente con piezas de gran tamaño y varias toneladas de peso. Otros autores son: Pablo Palazuelo, Pablo Serrano, Antoni Tàpies [+], Pablo Gargallo, Lucio Muñoz, y la estética "pop" seguida, con variantes, por Luis Gordillo, Eduardo Arroyo, Guillermo Pérez Villalta, Ouka Leele...

Artistas extranjeros: Para arropar a los autores españoles, se han sumado ejemplos de origen extranjero: Georges Braque, Albert Gleizes, Fernand Léger, Jacques Lipchitz, Robert Delaunay, Alexander Calder, surrealistas franceses, René Magritte, Max Ernst, Joseph Cornell, Henry Moore, Mark Rothko, Roy Lichtenstein, Francis Bacon, Yves Klein, Cy Twombly, Lucio Fontana, Richard Serra, Cindy Sherman... (Fuente: Wikipedia)

 

 

Lavadero público

Casa Pedrilla, Cáceres

 

Uso original: antiguo lavadero público, allmazara, vivienda familiar de la familia Pedrilla.

Fecha construcción: El conjunto agrícola se remonta al s. XVI, la vivienda data de los años cuarenta.

Arquitectos: José María López Montenegro y García Pelayo

 

   

 

                                                                                              

 

Uso actual: Museo de Historia y Cultura “Casa Pedrilla”, Cáceres

Fecha rehabilitación: 1992

Fecha inauguración: julio 1995

Dirección: C/ Ronda de San Francisco Cáceres

Tel/Fax: 927 241633, 927 240762

 

  

 

Historia del edificio:

El Museo de Historia y Cultura “Casa Pedrilla” se encuentra ubicado en un complejo agrícola industrial adquirido en 1990 por la Diputación Provincial en los alrededores de Cáceres. Una de las dependencias que integraron el conjunto era la vivienda unifamiliar, construcción de los años cuarenta erigida sobre los restos del viejo lavadero, que fue rehabilitada y adaptada a su función museística. En julio de 1995 abría sus puertas el Museo de Historia y Cultura, al que se añadió el sobrenombre de “Casa Pedrilla” en recuerdo de quienes fueron propietarios de estos terrenos durante el siglo XIX.

El edificio que alberga el museo, construido en los años cuarenta del siglo XX por el arquitecto José María López-Montenegro y García Pelayo, se encontraba en avanzado estado de deterioro hasta que, en 1992 se puso en marcha el proyecto de rehabilitación. Contemplaba esta intervención, en primer lugar, detener el proceso de ruina; además, devolver al inmueble su aspecto original y adaptarlo a su nueva función como museo.

En su apariencia externa recuerda a la arquitectura portuguesa, de acuerdo con los gustos de sus constructores, el matrimonio formado por don Pedro Martín Pedrilla y doña Ana de Lancastre Laboeiro. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II).

Fondos:

Los fondos proceden del patrimonio artístico de la Diputación y de la colaboración desinteresada de muchos particulares, descendientes y herederos de los personajes contenidos en el museo. La finalidad era llenar el vacío existente, en cuanto a contenidos museísticos se refiere, en relación sobre todo, al comienzo de la Edad Contemporánea, al concebir su discurso conceptual en los siglos XIX y XX, en el germen de nuestro pasado inmediato más alguna referencia actual.

El edificio se distribuye en tres plantas con diversas salas cada una distribuidas de la siguiente manera:

Planta baja: junto a algunas obras puntuales de artistas cacereños que completan su representación en la planta primera, se encuentran los testimonios de personajes cacereños que destacaron en el mundo de la música, las letras, la investigación o la política. Ocupan el espacio como representantes de una trayectoria musical: Santiago Berzosa, Manuel García Matos y Cangela Capdevielle. En las letras, la historia y la política, aunque resulta difícil efectuar una selección, podemos encontrar nombres como José Ibarrola, León Leal, José Canal, Publio Hurtado, Mario Roso de Luna, el Conde de Canilleros, Antonio Hurtado, Antonio Silva Núñez o Pureza Canelo.

Planta primera: se distribuyen los artistas plásticos, desde Lucenqui hasta Juan José Nárbón, único autor vivo como puerta abierta a la creación artística actual. Otros nombres de interés son José Bermudo, Conrado Sánchez Varona, Gustavo Hurtado Muro, Enrique Pérez Comendador o Eulogio Blasco.

Planta superior: denominada "Didáctica de la Historia", presenta un recorrido por la historia de Extremadura, con medios visuales sofisticados y un diseño contemporizador, desde la prehistoria, pasando por una breve síntesis de la relación con América, hasta nuestros días. (Fuente: Junta de Extremadura)

 

Biblioteca

Museo de Bellas Artes de Santander

 

 

 

Uso original: Proyecto para la Biblioteca Municipal
Fecha construcción: 1924
Arquitecto: Leonardo Rucabado
Fotografía: Portaluco de Cantabria

 

 

  

 

                  

                                                              

 
 

Uso actual: Museo de Bellas Artes
Fecha inauguración: 1925
Dirección: C/Rubio, 6, Santander
Tel/Fax: 942 203120, 942 203121 / 942 203125
Email: informacion@ayto-santander.es 

 

 

 

Historia del edificio: 

El pensamiento tradicionalista y conservador de buena parte de nuestros intelectuales de finales del XIX, tuvo su propia expresión constructiva en el muchas veces denostado movimiento de arquitectura regionalista, un fenómeno que se repitió en toda Europa. La mayoría de las ciudades españolas albergaron proyectos levantados conforme a sus premisas.

Se reivindicó una peculiar y anacrónica recuperación de elementos decorativos y materiales empleados en las construcciones barrocas, mudéjares o platerescas nacionales. El Museo de Bellas Artes es un buen ejemplo de esta corriente y su fachada contiene un resumen de ornamentos decorativos del pasado: bolas, pirámides, frontones, frisos... El edificio fue diseñado por Leonardo Rucabado (1875-1918).

Un año antes de morir, Rucabado planeó dos bloques contiguos destinados a cobijar el legado de libros que había donado Menéndez Pelayo a la ciudad y los fondos de la biblioteca municipal. En 1923, Alfonso XIII inauguró el conjunto situado en la esquina de las calles Rubio y Gravina. La conversión del edificio, destinado inicialmente a biblioteca municipal, en museo, ha provocado reformas destinadas a adecuar su interior a este fin. (Fuente: Museos de Cantabria)

Fondos:

Prácticamente todas las obras del Museo de Bellas Artes de Santander son de propiedad municipal. Este carácter público de la colección lo tiene desde sus orígenes, cuando el entonces alcalde Luis Martínez Fernández solicitó a los ciudadanos la donación de objetos para formar el nuevo museo. En aquel periodo entraron en la colección buena parte de las obras más antiguas.

Hoy la muestra está formada por casi 800 pinturas, 300 esculturas así como un conjunto de 200 grabados, dibujos y fotografías. Además, y como recuerdo de sus primeros tiempos de museo «enciclopédico», la institución posee 2.400 medallas, sellos y monedas. Las piezas que pertenecían a las secciones de prehistoria, arqueología e historia natural, fueron depositadas en otras instituciones y museos en los años cuarenta.

 Una exhaustiva catalogación del museo ha sido realizada en estos últimos años. Todos los fondos están inventariados. Pronto se realizará su informatización.

 Pintura antigua. Un pequeño número de pinturas ofrece una visión parcial de lo que fue el arte europeo desde finales de la Edad Media al siglo XIX. Flandes e Italia son las fuentes o el origen de la mayor parte de las obras que la colección dispone de este periodo.

  Una tabla del XV-XVI, La Virgen con el niño de la cereza, sirve de introducción a la escuela flamenca. La representación italiana mejoró a comienzos los noventa, cuando una restauración reveló una Adoración de los pastores del napolitano Luca Giordano (1634-1705) que había permanecido oculta tras una mediocre pintura posterior. También son interesantes algunos anónimos del XVII.

De la pintura española anterior al siglo XIX son pocas las obras en poder del museo santanderino: destaca un San Miguel Arcangel de quien fue maestro y cuñado de Veláquez, Francisco Pacheco (1564-1654).

Francisco de Goya. El Ayuntamiento de Santander encargó a Goya en 1814 un retrato del rey Fernando VII. Este lienzo presidió durante más de un siglo el salón de plenos del Consistorio. Se trata la obra más emblemática de la colección. La institución cuenta también con grabados de las distintas series que hizo Goya. La serie de los Desastres faltan dos. De los Caprichos tiene 9, y de la serie de la Tauromaquia y de los Proverbios, Disparates o Sueños, sólo posee 3 de cada una. Todos son de tiradas del primer tercio del XX.

Pintura española del XIX e inicios del XX. Se puede ver una pequeña e interesante muestra con autores como Luis de Brocheton, Eduardo Rosales, Mariano Fortuny, Francisco Pradilla, Ricardo de Madrazo o el santanderino Eliecer de Jaureguizar con un retrato de Alfonso XII.

A caballo entre el siglo XIX y el XX, el museo cuenta con ejemplos de pintores representativos de diferentes escuelas regionales como Joaquín Sorolla, Nicanor Piñole o el andaluz Julio Romero de Torres. Hay obras, también, de Emilio Sala, de la santanderina Clara Trueba y Cosio, Valentín de Zubiaurre, Leon Criach y Durán, Manuel Benedito, etc.

Sainz, Egusquiza y Riancho. El museo posee obras de Casimiro Sainz (1853-1898), Rogelio de Egusquiza (1845-1915) y Agustín de Riancho (1841-1929) por las que se pueden seguir sus respectivas trayectorias artísticas. Son, con seguridad, los autores más destacados e interesantes en el tardío inicio que tuvo la pintura en la región.   

De Riancho, se custodian varios óleos de sus inicios en España y un amplio número de bocetos y obras realizadas en su estancia en Bélgica (1861-1883). La detallista, y en cierto modo más contenida etapa posterior a su regreso a España, (1983-1915) está bien representada. A este momento pertenece su mejor trabajo durante estos años La cagigona. También lo está su última y más audaz evolución (1915-1929) con La primavera o Río en otoño.

Aunque Casimiro Sáinz y Sáinz no está tan representado se conservan paisajes como Toledo (el cigarral), el costumbrista Lavando en el Manzanares o el brillante estudio lumínico Rincón de floresta. Otra de las joyas de la colección es el retrato que dedica al rostro de Una chula.

El simbolista Tristán e Isolda de Rogelio de Egusquiza, resume el estilo e inquietudes de este autor santanderino, fascinado por los mitos resucitados por Wagner, a quien conocería personalmente durante sus prolongadas estancias en el extranjero. El museo posee una serie de grabados de este pintor con retratos de personajes célebres y temas operísticos.

Artistas cántabros, frente a la modernidad y las vanguardias históricas. Andaluzas, Tablao flamenco, La perla negra o Desnudo son obras que el santanderino Francisco Iturrino (1864-1924) realizó entre 1909 y 1912. Se trata de trabajos en los que traslada al lienzo su adhesión a los postulados coloristas de Matisse, con quien compartió estudio durante algún tiempo.

Con seguridad María Blanchard (1881-1932) es una de las artistas más notables de la pintura españolal siglo XX. Junto a una tradicional Gitana, pintada en su juventud, el museo conserva varias obras de su etapa de madurez, La comida en familia o el óleo Cabeza de niño.

Los traperos es un óleo de José Gutiérrez Solana (1884-1945). La estampa reúne todas las carácteristicas de su pintura pesimista. De él también se poseen 25 grabados.

Las donaciones de la familia Lastra Santos han facilitado la reunión de algunas de las mejores pinturas surrealistas que Antonio Quirós (1912-1984) realizó en los años treinta.

Los piteros convierten a Ricardo Bernardo (1897-1940) en un correcto seguidor de la tradición costumbrista. Otro autor significativo es Luis Quintanilla Isasi, (1893-1978) de quien se ve su La casa del poeta y una buena colección de dibujos y grabados.

Se pueden ver obras también de Flavio San Román (1889-1951), Manuel Salces (1861-1932), César Jenaro Abín (1982-1974), Gerardo Alvear (1877-1964), Eduardo Pisano (1912-1989) y Francisco Modinos (1906-1971).

Artistas cántabros 1939-1979. De Manuel Raba (1928-1983), el museo ofrece la oportunidad de conocer de cerca el hacer de este trabajador incansable en varias piezas de madera y poliéster. Varias obras permiten rastrear el trabajo de Enrique Gran (1928-1998). También pueden seguirse los pasos de otros autores como Martín Sáez (1923-1989), Eduardo Sanz (1928), Esteban de la Foz (1928), Agustín de Celis (1932), Gloria Torner (1936) o Angel Medina (1924).

Arte actual. Además de aquellos autores mencionados que siguen en activo, el museo tampoco olvida a generaciones más jóvenes y cuenta con trabajos de Celestino Cuevas Xesús Vázquez, Juan Uslé, Chema Cobo, Eduardo Grúber, José Gallego, Concha García, Emilia Trueba, Arancha Goyeneche, Sergio Sanz, José Luis Mazarío.      

Escultura. Son pocos los ejemplos que posee la colección de escultura, destacando las piezas del cántabro Daniel Alegre (1887-1949) o el busto de la reina Victoria Eugenia de Conrad Dressler. De Victorio Macho (1887-1966) es el retrato de Bonifacio Barreda.

Los fondos de escultura moderna se ha enriquecido recientemente gracias a la donación de Pablo Schabelky, formada por tres trabajos de Cristino Mayo, dos de Hugues y once del mejor Oteiza de los treinta y cuarenta.

Numismática, medallística y sigilografía. Como un recuerdo del primer museo municipal ha permanecido en las colecciones una selección de monedas acuñadas desde el siglo II antes de Cristo a ejemplos actuales, y medallas de la edad moderna y contemporánea. Dos únicos sellos posee el museo, el más importante es un sello matriz del siglo XIV de San Vicente de la Barquera. (Fuente: Museos de Cantabria)

 

 

 

 

Real consulado

Museo de Belas Artes da Coruña


 

 

Uso original: Real Consulado del Mar
Fecha construcción: S. XVIII

 

 

 

 

 

                                                      

Uso actual: hasta 1995 Museo de Belas Artes da Coruña.  Real Academia Gallega de Bellas Artes.
Fecha inauguración: 1947
Dirección actual: Plaza del Pintor Sotomayor, s/n, 15001 A Coruña
Tel: 981 223723, 981 223769
Web: http://museobelasartescoruna.xunta.es/
Email: mu.belas.artes.coruna@xunta.es

 

 

 

Historia del edificio:

El Museo de Bellas Artes de A Coruña abrió por primera vez sus puertas en 1947 teniendo por sede el antiguo edificio del Real Consulado del Mar, construcción del último tercio del siglo XVIII de estilo neoclásico, y donde ha permanecido hasta 1995, año en que se abre al público un museo de nueva planta, proyectado por el arquitecto Manuel Gallego Jorreto. Este nuevo edificio ocupa el emplazamiento del antiguo convento de capuchinas(Fuente: Summa artis. XLIX-II ).

Fondos:

Los fondos que conserva el museo en su colección se caracterizan por la variedad de contenidos dentro de una amplia cronología que abarca desde fondos arqueológicos (hoy depositados en el Museo Arqueolóxico e Histórico do Castelo de San Antón) hasta fondos de pintura moderna y contemporánea, completándose con una amplia colección de grabados, dibujos, objetos de artes decorativas y piezas numismáticas.

 La pintura fue la sección que tuvo una mayor relevancia con obras que cronológicamente arrancan del siglo XVI llegando hasta mediados del siglo XX. Haciendo un pequeño esbozo de la colección en la pintura antigua temos que señalar las obras renacentistas de Morales y Correa de Vivar. Destacan los 14 lienzos de Vicente Carducho para el claustro del Monasterio cartujo del Paular donde se representa la vida de San Bruno, el fundador de la orden de los cartujos. Son singulares las tablas mitológicas de Rubens, así como el florero de Arellano. Otras piezas importantes de la pintura moderna son la Magdalena de Anibal Carraci, o San Andrés de Ribera ó el San Antonio de Padua de Sánchez Coello. Dentro de la pintura decimonónica están representados los distintos géneros pictóricos tan en boga en este período. En el género del retrato, Fierros y Federico Madrazo son los autores mejor representados; en los paisajes de Pérez de Castro, Modesto Urgell, Carlos Haes ó Aureliano Beruete podemos apreciar la evolución desde el romanticismo hasta el realismo. Por último el costumbrismo regionalista tiene en el Boyero Castellano de Sorolla una magnífica muestra.

La colección de pintura gallega arranca con las obras de Modesto Brocos e Serafín Avendaño, continuando con la llamada Generación Doente con piezas de Ovidio Murguía, Joaquín Vaamonde, Parada Justel y Jenaro Carrero. En la estética regionalista sobresalen las paisages de Lloréns, los tipos de Sotomayor y de Xesús Corredoyra. El lenguaje de la primera vanguardia está representada por la obra de Carlos Maside, Colmeiro ó Seoane. El surrealismo de Lugrís y de Fernández Granell muestra la adaptación de los pintores gallegos a los distintos lenguajes contemporáneos. Caruncho, Labra y Mampaso dan cuenta de la generación de posguerra que asume la abstracción como referente creativo.

Otra sección importante del museo es la colección de grabados. Las estampas de las siguientes series de Francisco de Goya: Pinturas de Veláquez, Caprichos, Tauromaquia, Desastres da Guerra y Disparates, son las obras más sobresalientes, completándose con la colección de grabados de Seoane y de otros artistas contemporáneos gallegos.

Por último, en la sección de las artes decorativas tenemos que destacar la colección de loza de Sargadelos de la que se presentan las diferentes etapas de la producción del siglo XIX y de las diversas técnicas que se usaron en su momento, como la pintura a mano, la estampación o la iluminación. (Fuente: Museo da Belas Artes A Coruña)

 

 

Teatro

Teatro-Museo Dalí, Figueres


 

 

Uso original: Teatro Municipal de Figueras
Fecha construcción: 1849-1850
Arquitecto: Roca i Bros

 

 

 

 

  

                                                                      

Uso actual: Teatro-Museo Dalí
Fecha rehabilitación: 1970
Fecha inauguración: 1974
Arquitecto: Emilio Pérez Piñero
Dirección: Plaza Gala-Salvador Dalí, 5, 17600 Figueres
Tel/Fax: 972 677500 / 972 501666
Web: http://www.salvador-dali.org/
Vsita 3D:  http://www.salvador-dali.org/museus/figueres/es_visita-virtual.html

 

 

 

 

Historia del edificio:

El edificio del teatro de la ciudad de Figueres, obra del arquitecto Roca i Bros, fue construido entre 1849 y 1850 pero fue destruido por un incendio al final de la guerra civil española, en 1939. Desde ese momento el edificio había quedado reducido a su estructura sustentante periférica. El techo de la platea se había hundido, de los palcos sólo quedaban los pasillos de acceso, y del escenario, el arco de la boca de escena y los almacenes laterales. El vestíbulo y el salón de descanso fueron las únicas partes que se mantuvieron en gran medida intactas. A pesar de todo, puede afirmarse que la estructura elemental del teatro se mantuvo y había dejado a Figueres una ruina de aspecto fantasmagórico.

En 1961, el entonces alcalde de la ciudad, Ramon Guardiola, propuso a Salvador Dalí hacer un museo dedicado a su obra. El pintor quedó fascinado por el encanto espectral del teatro y, con la intención de mantener la estructura del edificio, lo escogió como sede del futuro Teatro-Museo Dalí.

La idea de reunir su obra en el antiguo teatro de Figueres entusiasmó a Dalí y el artista se entregó a la tarea durante más de una década, interviniendo y diseñando los detalles más mínimos, hasta convertirlo en realidad con la inauguración oficial del Teatro-Museo Dalí el 28 de septiembre de 1974. Uno de los elementos más visibles del museo es la estructura reticular transparente en forma de cúpula geodésica que corona el edificio, una idea de Salvador Dalí que realizó el arquitecto murciano Emilio Pérez Piñero (1935-1972). La cúpula se ha convertido no sólo en el emblema del Teatro-Museo sino en todo un símbolo para la ciudad de Figueres. (Fuente: Teatro-Museo Dalí)

Actividades:

El Teatro-Museo Dalí contiene el más amplio abanico de obras que describen la trayectoria artística de Salvador Dalí (1904-1989), desde sus primeras experiencias artísticas y sus creaciones surrealistas hasta las obras de los últimos años de su vida.

Algunas de las obras más remarcables que allí se exponen son: Port Alguer (1924), Muchacha de Figueres (1926), El espectro del Sex-appeal (1932), Autorretrato blando con beicon frito (1941), Poesía de América-Los atletas cósmicos (1943), Galarina (1944-45), La cesta de pan (1945), La nariz de Napoleón transformada en una mujer encinta que pasea su sombra melancólica entre las ruinas originales (1945), Leda atómica (1949), La apoteosis del dólar (1965), Galatea de las esferas (1952), o Aurora, mediodía, atardecer y crepúsculo (1979).

También cabe destacar el conjunto de obras realizadas por el artista expresamente para el Teatro-Museo, como la Sala Mae West, la Sala Palacio del Viento, el Monumento a Francesc Pujols y el Cadillac lluvioso. También se muestran obras de otros artistas que Salvador Dalí quiso incluir: El Greco, Marià Fortuny, Modest Urgell, Ernest Meissonier, Marcel Duchamp, Wolf Wostell, Antoni Pitxot y Evarist Vallès, entre otros. (Fuente: Teatro-Museo Dalí).
 
 

Universidad

MURAM, Museo Regional de Arte Moderno de Murcia


 

 

Uso original: Palacio Aguirre, Banco Hipotecario, sede de la Falange Española Tradicionalista y de la JONS, oficina de Patrimonio Histórico, aulas de la Tercera Edad, Universidad Popular, Centro Histórico Fotográfico de la Región de Murcia
Fecha construcción: 1901
Arquitecto: Víctor Beltrí

 

 

  

 

                           

                                                                    

Uso actual: MURAM, Museo Regional de Arte Moderno
Fecha rehabilitación: 1980, 1996-1997
Fecha inauguración: 29 abril 2009
Arquitectos: Rafael Pardo Prefasi, Vicente Roig Forné, F. Martín Lejárraga Azcarreta
Dirección: Plaza de La Merced, 15 y 16, 30310 Cartagena
Tel/Fax: 968 501607 / 968 523734
Web: http://www.muram.es/
Email: muram@museosdemurcia.com

 

 

 

Historia del edificio:

El Palacio Aguirre es un edificio reedificado en 1901, en el espacio dejado por la desamortización de un antiguo convento por el arquitecto Víctor Beltrípara Camilo Aguirre, rico industrial, en un momento de auge económico en Cartagena gracias a la actividad minera y comercial que propició la aparición de una burguesía promotora de la vida política, social y por supuesto cultural. Precisamente una de sus manifestaciones artísticas más importantes serán las manifestaciones arquitectónicas en estilo ecléctico-modernista.

Posteriormente el edificio tuvo diferentes propietarios: el Banco Hipotecario de España, tras su ocupación en la Guerra Civil, es comprado por suscripción popular a favor de la Falange Española Tradicionalista y de la JONS y entre 1970 y 1971 se acondiciona para su uso con despachos, salón de actos, locales para sección femenina, radio, conservándose los salones principales de la planta noble. A la desaparición del Movimiento Nacional en 1977 pasa a ser Patrimonio del Estado.

A partir de 1979 comienza la incoación del expediente de declaración de Monumento y en 1980 comienza la restauración de la fachada, la planta noble y la escalera. Tras este acondicionamiento, estos salones sirvieron de despacho al Gobernador Civil. En 1982 se produce la declaración de Monumento Bien de Interés Cultural (por el Real Decreto 563/1982 de 1 de febrero, B.O.E. nº 66 de 18 de marzo de 1982). A partir de 1985 el uso se comparte con el Ayuntamiento de Cartagena llegando a albergar la oficina de Patrimonio Histórico, aulas de la Tercera Edad, la Universidad Popular y un oficio de rehabilitación.

Se cierra el inmueble en 1990por el mal estado de éste, quedando solamente una oficina de la Comunidad Autónoma, a la vez que se inicia su rehabilitación. Durante 1996y 1997se acometen las obras con proyectos de lo arquitectos Rafael Pardo Prefasi y Vicente Roig Forné.

El 13 de mayo de 2002 se emite el acta de afectación a la consejería de presidencia del inmueble para las instalaciones de Museo Regional de Arte Moderno y de Centro Histórico Fotográfico de la Región de Murcia, así como del edificio colindante, instalándose el citado Centro.

En el 2005 el Centro Histórico Fotográfico de la Región de Murcia, tras estar instalado en el Palacio Aguirre, se traslada al edificio llamado "Casa del Niño" de Cartagena.

Posteriormente se añade un edificio anexo para aumentar la superficie expositiva y los servicios del museo según proyecto del arquitecto F. Martín Lejárraga Azcarreta, siendo terminado en 2008 e inaugurado el 29 de abril de 2009. (Fuente: MURAM)

Objetivos:

- La investigación, educación, promoción científica y cultural, y de goce intelectual y artístico para los visitantes.

- Programar, organizar y realizar exposiciones permanentes, temporales e itinerantes de arte moderno.

- Desarrollar programas de acción cultural de fomento y divulgación del Museo y de su implicación en la vida cultural de la Región y, especialmente, de la ciudad de Cartagena.

- Establecer programas de cooperación e intercambio con otras instituciones museísticas nacionales y extranjeras en el campo del arte moderno.

- Fomentar la actividad de asociaciones, fundaciones y entidades de voluntariado que tengan por objeto el apoyo a los museos.

- Promover programas de formación continua para el personal de museos.

- Cualesquiera otros que se dirijan a la promoción y difusión del arte moderno y a la mejora y ampliación del patrimonio museístico regional. (Fuente: MURAM)

 

 

Museo de Huesca


 

 

Uso original: Universidad Sertoriana y Palacio de los Reyes de Aragón
Fecha construcción: 1690
Arquitecto: Francisco Antonio de Artiga

 

 

  

 

                                    

                                                      

 

Uso actual: Museo de Huesca

Fecha rehabilitación: 1960, 1993, 1995
Fecha inauguración: 21 abril 1999
Dirección: Plaza de la Universidad, 1, 22002 Huesca
Tel/Fax: 974 220586 / 974 229388
Email: museohu@aragob.es

 

 

 

 

Historia del edificio:

El Museo de Huesca comenzó a gestarse hacia 1850 gracias a la iniciativa de la Comisión Provincial de Monumentos, teniendo una participación decisiva en el proyecto la figura de Valentín Carderera, el cual asumió personalmente la instalación del Museo, contribuyendo al incremento de sus fondos con la donación de buena parte de su colección particular. Todo ello permitió que el Museo fuese fundado formalmente en junio de 1873.

En el año 1968, el Museo de Huesca se instaló en la antigua Universidad Sertoriana, una magnífica construcción civil barroca, anexa a los restos aún conservados del Palacio de los Reyes de Aragón. Las salas de Arqueología incluyen materiales desde la prehistoria hasta época medieval. La sección de Bellas Artes presenta una colección de obras pictóricas de reconocido valor que abarcan un amplio periodo cronológico (siglos XV-XX), entre las que cabe destacar el conjunto de pintura gótica, los Toros de Burdeos de Goya y la obra completa de Ramón Acín. (Fuente: Museo de Huesca)

Fondos:

Las salas de Arqueología incluyen materiales desde la prehistoria hasta época medieval. La sección de Bellas Artes presenta una colección de obras pictóricas de reconocido valor que abarcan un amplio periodo cronológico (siglos XV-XX), entre las que cabe destacar el conjunto de pintura gótica, los Toros de Burdeos de Goya y la obra completa de Ramón Acín. El recorrido se completa con la visita al patio porticado, donde se encuentran expuestos capiteles, escudos de armas y lápidas romanas. Desde ahí se accede al antiguo Palacio Real, actualmente utilizado como sala de exposiciones temporales y actividades en general (Salón del Trono, Salas de la Campana y de Doña Petronila). (Fuente: Museo de Huesca)

 

 

Depósito de cadáveres

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid


 

 

Uso original: antiguo hospital general de Madrid, Facultad de Medicina, depósito de cadáveres
Fecha construcción: segunda mitad del siglo XVIII
Arquitectos: José de Hermosilla y Francisco Sabatini

 

 

 

                                          

                                                

 Uso actual: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Fecha rehabilitación: 1980, 1998, 2001
Arquitectos: Antonio Fernández Alba (1980), José Luís Íñiguez De Onzoño Y Antonio Vázquez De Castro, Ian Ritchie (1998), Jean Nouvel (2001)
Dirección: C/ Santa Isabel, 52, 28012 Madrid
Tel/Fax: 91 7741000 / 91 7741056
Web: http://www.Museoreinasofia.Es/Index.Html
Email: Prensa3.Mncars@Mcu.Es
Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía en FACEBOOK

 

 

 

 

Historia del edificio:

El edificio que alberga el MNCARS data de la segunda mitad del siglo XVIII, época en que se le encarga un proyecto de hospital al arquitecto Francisco Sabatini, quien, no obstante, no podría concluir la edificación, levantado tan solo parte de lo que estaba previsto en los planos. A partir de entonces, y hasta prácticamente nuestros días, el hospital sufrió varias modificaciones y añadidos, y logró sobrevivir a las voces que exigían su demolición gracias a un Real Decreto de 1997 que lo declaraba Monumento Histórico Artístico.

En el año 1980 comienza la restauración del edificio, realizada por Antonio Fernández Alba, y a finales de 1998 José Luís Íñiguez de Onzoño y Antonio Vázquez de Castro llevarían a cabo las últimas modificaciones, entre las que cabe destacar especialmente las tres torres de ascensores, de vidrio y acero, diseñadas en colaboración con el arquitecto británico Ian Ritchie.

Recientemente se ha llevado a cabo una ampliación del inmueble, realizada por el arquitecto francés Jean Nouvel, autor de obras como el Centro Islámico de Madrid, la Fundación Cartier de París, el Centro Cultural de Congresos de Lucerna o la Torre Sinfín en la Défense de París.

Tras procederse a la reinauguración del centro en septiembre del 2005, en la actualidad las instalaciones del museo incluyen un auditorio, una biblioteca, una librería y más salas de exposiciones temporales. (Fuente: Summa artis.XLIX-II)

 Fondos:

Cronológicamente, su colección es una prolongación de la del Museo del Prado, al cubrir el periodo que va de finales del siglo XIX a la actualidad. Hacia 1995, un replanteamiento de las colecciones estatales marcó el nacimiento de Picasso (1881) como línea divisoria entre el Prado y el Reina Sofía, un criterio que se ha cuestionado como demasiado rígido y que va siendo diluido por las últimas iniciativas de este museo, como la incorporación de ejemplos de Goya y Sorolla.

La irregular trayectoria del arte moderno en España, habitualmente ignorado por el coleccionismo y los organismos públicos, explica que haya múltiples limitaciones y lagunas en el repertorio internacional de este museo. Sus responsables asumen que ya es imposible equipararlo a las más ricas colecciones del siglo XX (MoMA de Nueva York, Tate Modern de Londres o Centro Georges Pompidou de París...), por lo que se centra en el arte español y lo contextualiza en las corrientes internacionales, ilustradas con algunos autores desde Pierre Bonnard hasta Louise Bourgeois.

Principios del siglo XX: La colección arranca con autores del cambio de siglo, como Ramón Casas, Ignacio Zuloaga, Isidro Nonell, Joaquín Mir, María Blanchard, Juan Gris, Julio González y José Gutiérrez Solana. Según criterios más estilísticos que cronológicos, el repertorio expuesto ignoraba a artistas como Sorolla, cuya ausencia se va a paliar ahora con préstamos de otras instituciones.

Picasso, Dalí y Miró: El museo cuenta con excelentes colecciones de los geniales Pablo Picasso y Salvador Dalí. La obra más conocida del museo es sin duda el Guernica, que se guarda junto a múltiples bocetos preparatorios. La presencia de este artista se ha reforzado gradualmente con otras obras, en su mayoría compras recientes. Su ejemplo más antiguo es la Mujer en azul de 1901, hay unos pocas pinturas de sus etapas cubista y surrealista, varias más valiosas de la década de 1930 y también de sus últimos años: tres grandes lienzos sobre el tema El pintor y la modelo (1963). La colección incluye además tres de sus principales esculturas: Mujer en el jardín, El hombre del cordero y La dama oferente.

La notable colección de Dalí, con obras maestras como El gran masturbador, se debe en buena parte a la herencia del pintor, que legó sus bienes al Estado, siendo repartidos entre este museo y el Teatro-Museo Dalí de Figueras.

Junto con Picasso y Dalí, sobresale el fondo de Joan Miró, formado en parte con obras cedidas por su viuda, Pilar Juncosa.

De la abstracción al pop art: La vía abstracta de mediados del siglo XX cuenta con Jorge Oteiza y Eduardo Chillida, este último presente con piezas de gran tamaño y varias toneladas de peso. Otros autores son: Pablo Palazuelo, Pablo Serrano, Antoni Tàpies [+], Pablo Gargallo, Lucio Muñoz, y la estética "pop" seguida, con variantes, por Luis Gordillo, Eduardo Arroyo, Guillermo Pérez Villalta, Ouka Leele...

Artistas extranjeros: Para arropar a los autores españoles, se han sumado ejemplos de origen extranjero: Georges Braque, Albert Gleizes, Fernand Léger, Jacques Lipchitz, Robert Delaunay, Alexander Calder, surrealistas franceses, René Magritte, Max Ernst, Joseph Cornell, Henry Moore, Mark Rothko, Roy Lichtenstein, Francis Bacon, Yves Klein, Cy Twombly, Lucio Fontana, Richard Serra, Cindy Sherman... (Fuente: Wikipedia)

Aparcamiento subterráneo

ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz


 

Uso original: antigua Estación de Autobuses, aparcamiento subterráneo
Fecha construcción: 29 enero 1950
Arquitecto: Jesús Guinea
Fotografía: Archivo Municipal

 

                                 

        

Uso actual: Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Fecha inauguración: 26 abril 2002
Arquitecto: José Luis Catón
Dirección: C/ Francia, 24, 01002 Vitoria-Gasteiz
Tel/Fax: 945 209000 / 945 209049
Web: http://www.artium.org/Indice.php
Email: museo@artium.org

 

 

Historia del edificio:

Artium está situado en el centro de Vitoria-Gasteiz, junto a su Casco Medieval y a las zonas social y económicamente más dinámicas de la ciudad. El museo conforma, además, un eje cultural con el Centro Cultural Montehermoso y el conjunto de museos (Naipes, Arqueología, Ciencias Naturales) ubicados en el Centro Histórico.

El centro-museo ocupa un espacio trapezoidal, casi rectangular, limitado por las calles Francia, La Paloma, La Esperanza y Prudencio María Verástegui. En ese lugar, el arquitecto José Luis Catón optó por crear un amplio espacio de uso público, que, como sucediera en el siglo XVIII con la Plaza de España y la Plaza de la Provincia, actuara como punto de expansión social y urbanística para un entorno densamente habitado. En los lados Norte y Sur de esta plaza pueden verse sendas esculturas de Jorge Oteiza, Mirador mirando, y de Vicente Larrea, Broca kenkenes.

El edificio se organiza en torno y por debajo de esa plaza: como en una bodega, buena parte de sus espacios se encuentran bajo la superficie. En el Oeste, un gran cubo de hormigón blanco alberga el acceso principal al centro-museo y a algunos espacios y servicios complementarios: el vestíbulo principal, el Auditorio, la Sala Plaza, el restaurante Cube Artium y la taquilla y la consigna, entre otros.

En el vestíbulo principal comparten protagonismo el gran Mural cerámico de Joan Miró y Llorens Artigas y la monumental escultura Un Pedazo de Cielo Cristalizado, de Javier Pérez. Un descenso de siete metros bajo el nivel del suelo conduce a la Antesala del centro-museo, el lugar desde el que se accede a las salas de exposiciones. La artista Anabel Quincoces ha creado para este espacio la obra Water Flames (flowing), un conjunto escultórico de piezas de vidrio soplado cuyos característicos tonos azules y verdes recuerdan al fondo marino. A derecha e izquierda de este espacio, los accesos a la Sala Sur y la Sala Norte, que se extienden bajo la plaza y comunican con otras dos salas de exposición, la Este Baja y la Este Alta, con quienes forman una suerte de “U”.

Sobre las Salas Este Baja y Este Alta se levanta, de nuevo en la superficie, el edificio de granito gris que cierra el trapecio de la plaza y que contiene los espacios para talleres didácticos y para el Taller de imagen, la Biblioteca y Centro de Documentación, así como los servicios administrativos del museo. (Fuente: Artium)

Fondos:

Desde que a mediados de los años 70 del pasado siglo la Diputación Foral de Álava iniciara una política sistemática y sostenida de adquisiciones de obras de arte contemporáneo, el fondo de la hoy denominada Colección ARTIUM no ha dejado de crecer hasta convertirse en una de las colecciones de referencia en su género.

La Colección Artium está integrada por alrededor de 3.000 obras de arte, en las que están representadas todas las técnicas utilizadas en la creación contemporánea, desde la pintura y la escultura hasta la fotografía, el vídeo y la instalación, así como los creadores que han escrito y escriben la historia del arte de los siglos XX y XXI en el País Vasco y en España, desde las primeras vanguardias hasta la más candente actualidad. Más recientemente, Artium ha iniciado la adquisición de obras de artistas internacionales, con el fin de dotar a la Colección de un contexto más amplio.

Entre los artistas españoles, destacan nombres como Salvador Dalí, Pablo Picasso, Joan Miró, Pablo Gargallo o José Caballero, pertenecientes a las primeras vanguardias; Antoni Clavé o Antonio Saura, de la renovación española; otros, por citar algunos, como Antoni Tàpies, Joan Brossa, Manuel Viola, Rafael Canogar, Pablo Palazuelo, Jorge Oteiza, Rafael Ruiz Balerdi, Eduardo Chillida o Andrés Nagel, surgidos de generaciones posteriores; los creadores ya consolidados del presente, Txomin Badiola, Darío Urzay, Miquel Barceló, Cristina Iglesias o Elena del Rivero, entre otros; sin olvidar una decidida apuesta por los nuevos valores y estilos emergentes. De los internacionales, Bill Viola y Fabian Marcaccio, entre otros; todos ellos dan cuerpo a un fondo llamado a crecer y evolucionar.

El núcleo principal de la Colección Artium lo constituye el fondo coleccionado por la Diputación Foral de Álava, aunque a lo largo de los últimos años se han producido ingresos de obras notables y numerosas procedentes de depósitos y donaciones realizados por coleccionistas privados e instituciones públicas. Las adquisiciones aprobadas por la Fundación ARTIUM se hacen bajo un triple criterio:

  • Obras pertenecientes a las vanguardias históricas anteriores a la guerra del 36-39, que actúa como pórtico de la Colección, ejemplos elocuentes del surrealismo, el cubismo, el expresionismo y otras tendencias
  • Piezas de las décadas comprendidas entre 1940 y 1990, incluyendo obras de los pocos artistas tanto vascos como del resto de España que al día de hoy todavía no pertenecen a la Colección, así como segundas, terceras o cuartas obras correspondientes a diferentes épocas de artistas que ya están representados en los fondos del museo
  • Obras pertenecientes a la creación más actual, tanto de creadores jóvenes de diversos orígenes con una incipiente trayectoria o nuevos nombres en el panorama del arte contemporáneo.
  • La Colección confiere a Artium una identidad propia y un carácter diferencial, aunque también complementario, respecto a otros museos del País Vasco y de España. En todo caso, se trata de un patrimonio singular y único que el centro-museo tiene la obligación de ampliar, conservar, investigar y también difundir.

 

Todo ello se materializa en las distintas exposiciones en las que Artium muestra su Colección, siguiendo trazados argumentales variables. La exposición se modifica aproximadamente cada año, con el fin de mostrar diferentes obras de la nutrida Colección y, por otro lado, poner de manifiesto las posibilidades narrativas del arte del siglo XX. Los fondos propios del centro-museo integran en ocasiones otras exposiciones para su exhibición dentro (exposiciones de cámara o temáticas de menor dimensión) o fuera de Artium. (Fuente: Artium)

 

Plaza de toros

MUCAM, Museo de Arte Contemporáneo de la Región de Murcia

 

Uso original: anfiteatro y plaza de toros de Cartagena
Fecha construcción: año 70 de nuestra era (en la época flavia) el anfiteatro romano. 1854 (Plaza de toros)
Arquitecto: Jerónimo Ros Jiménez

 

     

 

                           

 

Uso actual: MUCAM, Museo de Arte Contemporáneo de la Región de Murcia (Proyecto)
Fecha restauración: 2008
Fecha inauguración: 2012
Arquitectos: Andrés Cánovas Alcaraz (que integra el Equipo ACM Arquitectura junto a Nicolás Maruri y Atxu Amann)
Dirección: Cartagena

 

 

 

Proyecto:

El Museo de Arte Contemporáneo de la Región de Murcia (MUCAM) se ubicará en Cartagena en el entorno de la antigua plaza de toros. Será una perfecta conjunción entre el pasado y el futuro de la ciudad, ya que el proyecto, ideado por el arquitecto Andrés Cánovas y su equipo, incluye la recuperación del anfiteatro romano, la del coso taurino y la construcción de un edificio complementario que albergará obras de arte y exposiciones fechadas en la última mitad del siglo XX y que será el gran revitalizador de toda la zona.

El MUCAM nace con el objetivo de convertirse en un punto de convivencia entre los pedazos de la historia que han hecho a la ciudad lo que es en la actualidad. Será el segundo museo de arte que albergue la ciudad, junto al Museo Regional de Arte Moderno (MURAM), con ubicación en el Palacio de Aguirre y que incluirá obras de arte desde 1860 a 1960.El elenco artístico del MUCAM irá por su parte desde 1960 hasta nuestros días. El Museo podría abrir sus puertas en 2012.

Con un presupuesto de 22 millones de euros, la idea es devolver el coso taurino a su estado original de 1854, excavando y conservando asimismo la totalidad del anfiteatro romano. Además, las antiguas estructuras de la plaza se aprovecharán para albergar pequeñas salas de exposición del museo de arte, que contará también con un edificio complementario en el ámbito del callejón del Chiquero, en el que se alojarán salas de exposición temporal, gabinetes didácticos, sala de conferencias, salas de audiovisuales...

En total, un espacio de más de 4.000 metros cuadrados de exposición. Como uso complementario y gracias a la rehabilitación de parte del graderío antiguo se prevé la construcción de un auditorio descubierto en el interior de la plaza, con capacidad para 1.200 personas. La actuación se complementará con un centro de interpretación del anfiteatro y plaza de toros.

La financiación de este gran proyecto, que empezó a ver la luz hace más de diez años, se realizará a través de una Fundación, similar a la que ha funcionado en el proyecto del Museo del Teatro Romano. (Fuente: Ayuntamiento de Cartagena)

 

 

Anfiteatro romano

MUCAM, Museo de Arte Contemporáneo de la Región de Murcia


 

Uso original: anfiteatro y plaza de toros de Cartagena
Fecha construcción: año 70 de nuestra era (en la época flavia) el anfiteatro romano. 1854 (Plaza de toros)
Arquitecto: Jerónimo Ros Jiménez

  

 

                                                         

 

Uso actual: MUCAM, Museo de Arte Contemporáneo de la Región de Murcia (Proyecto)
Fecha restauración: 2008
Fecha inauguración: 2012
Arquitectos: Andrés Cánovas Alcaraz (que integra el Equipo ACM Arquitectura junto a Nicolás Maruri y Atxu Amann)
Dirección: Cartagena

 

 

 

Proyecto:

El Museo de Arte Contemporáneo de la Región de Murcia (MUCAM) se ubicará en Cartagena en el entorno de la antigua plaza de toros. Será una perfecta conjunción entre el pasado y el futuro de la ciudad, ya que el proyecto, ideado por el arquitecto Andrés Cánovas y su equipo, incluye la recuperación del anfiteatro romano, la del coso taurino y la construcción de un edificio complementario que albergará obras de arte y exposiciones fechadas en la última mitad del siglo XX y que será el gran revitalizador de toda la zona.

El MUCAM nace con el objetivo de convertirse en un punto de convivencia entre los pedazos de la historia que han hecho a la ciudad lo que es en la actualidad. Será el segundo museo de arte que albergue la ciudad, junto al Museo Regional de Arte Moderno (MURAM), con ubicación en el Palacio de Aguirre y que incluirá obras de arte desde 1860 a 1960.El elenco artístico del MUCAM irá por su parte desde 1960 hasta nuestros días. El Museo podría abrir sus puertas en 2012.

Con un presupuesto de 22 millones de euros, la idea es devolver el coso taurino a su estado original de 1854, excavando y conservando asimismo la totalidad del anfiteatro romano. Además, las antiguas estructuras de la plaza se aprovecharán para albergar pequeñas salas de exposición del museo de arte, que contará también con un edificio complementario en el ámbito del callejón del Chiquero, en el que se alojarán salas de exposición temporal, gabinetes didácticos, sala de conferencias, salas de audiovisuales...

En total, un espacio de más de 4.000 metros cuadrados de exposición. Como uso complementario y gracias a la rehabilitación de parte del graderío antiguo se prevé la construcción de un auditorio descubierto en el interior de la plaza, con capacidad para 1.200 personas. La actuación se complementará con un centro de interpretación del anfiteatro y plaza de toros.

La financiación de este gran proyecto, que empezó a ver la luz hace más de diez años, se realizará a través de una Fundación, similar a la que ha funcionado en el proyecto del Museo del Teatro Romano. (Fuente: Ayuntamiento de Cartagena)