Robert Longo

 

Biografía

Robert Longo nació en 1953 en Brooklyn. El escultor Leonda Finke le imparte sus primeras lecciones de arte hasta que obtiene una beca para estudiar historia del arte y restauración en la Academia de Bellas Artes de Florencia.


En 1973 regresa a Nueva York y se licencia en Bellas Artes por el State University Collage de Buffalo. Comienza a experimentar con performances, instalaciones y vídeos.


En 1977 se convierte en ayudante de Vito Acconci. Dos años después expone en solitario Boys Show Dance en Nueva York, con grandes dibujos en blanco y negro a partir de fotografías de amigos e imágenes de revistas.


En 1982 expone Corporate Wars: Walls of Influence en Documenta VII, en Kassel. También participa en Documenta VIII.


En los años 80, realiza diversas colaboraciones con el compositor Stuart Argabright, toca la guitarra en varios conjuntos musicales y realiza su primer vídeo musical Boy (Go) , de Golden Palomino.


En 1987 estrena su película Arena Brains en el Festival de Cine de Nueva York.


Además de pintar, ha dirigido video-clips para bandas como New Order o REM, y, en 1995, el filme Jonny Mnemonic (Caroloco Films, Tristar Pictures).


Robert Longo vive y trabaja en Nueva York.


 

Exposiciones individuales

2013


Phantom Vessels. Galerie Thaddaeus Ropac - Salzburg, Salzburgo.


Robert Longo - Black and White. Galerie Fluegel-Roncak, Nuremberg.


2012


Robert Longo. Capitain Petzel Gallery, Berlín.


men in the cities. in camera galerie, París.


2011


God Machines. Galerie Thaddaeus Ropac - París.


Robert Longo - Mysterious Heart. Galería Soledad Lorenzo, Madrid.


2010


Robert Longo. Kunsthalle Weishaupt, Ulm.


Robert Longo, Uma Retrospectiva. Berardo Museum - Collection of Modern and Contemporary Art, Lisbon.


2009


Robert Longo: No Wave. SAKS, Geneva.


Robert Longo. MAMAC - Musee d´Art Moderne et d`Art Contemporain Nice, Niza.


Surrendering the Absolutes. Metro Pictures Gallery, New York City, Nueva York.


Dancing with chains on. -Galerie Hans Mayer, Dusseldorf.


2008


Robert Longo: nights bright days.  Margo Leavin Gallery, Los Angeles.


Robert Longo. Galería Soledad Lorenzo, Madrid.


Intimate Inmensity. Galería Soledad Lorenzo, Madrid.


2007


Children of Nyx. Metro Pictures Gallery, New York City, Nueva York.


Robert Longo: Berginning of the world. Galerie Hans Mayer, Dusseldorf.


2006


Robert Longo. Metro Pictures Gallery, New York City, Nueva York.


Robert Longo. Galerie Daniel Templon, Paris.


2005


Robert Longo - deep Silence. Mönchehaus Museum Goslar, Goslar.


Robert Longo. Galerie Graff, Montreal.


Robert Longo: Men in the Cities. Greenfield Sacks Gallery, Santa Monica.


2004


Robert Longo - Our sickness of reason created monsters -The Colossus. Galerie Pièce Unique, París.


Robert Longo. Edition Schellmann, Munich.


Robert Longo - The Sickness of Reason. Metro Pictures Gallery, New York City, Nueva York.


2003


Lust of the Eye, Galería Soledad Lorenzo, Madrid.


2002


Robert Longo Sigmund Freud, Jüdisches MuseumBerlin, Berlín.


2000


Robert Longo Superheroes, Lipanjepuntin Artecontemporanea, Trieste.


Robert Longo 1980-2000, Emilio Mazzoli, Modena.


1998


Superheroes, Cotthem Gallery, Knokke-Zoute, Bélgica.


Superheroes, Cotthem Gallery, Barcelona.


1997


Das Magellan Projekt, Kunsthalle Tubingen, Tubingen.


Venice Biennale, Venecia.


Kunsthal Rotterdam, Rotterdam.


Kunsthalle Bielefeld, Bielefeld.


Metro Pictures, Nueva York.


1996


Robert Longo Kreuze, Museum Fridericianum, Kassel.


1995


Robert Longo A Retrospective, The Isetan Mseum of Art, Tokio, Japón.


AshikagaCityMuseum, KirinPlaza Art Space, Osaka.


1993


Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburgo, Viena.


1992


Galerie Hans Mayer, Düsseldorf.


Dreams with the wrong Solutions, Salzburgo, Viena, Grand Opera House, Salzburgo, Viena.


1991


Hamburger Kunstverein and Deichtorhallen, Hamburgo.


1989


Robert Longo 1976-1989, Retrospective, The Los Angeles County Museum of Art; Museum of Contemporary Art, Chicago; Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecicut.


1988


Menil Collection, Houston.


1987


Galerie Daniel Templon, París.


1986


Robert Longo Studies and Prints, NormanMackenzieArtGallery, University of Regina, Sasketchawan.


Sequences/Men in the Cities, University Art Museum, California State University, Long Beach; Contemporary Art Museum, Houston; Fort Wayne Museum of Art, Fort Wayne, Indiana.


1985


The BrooklynMuseum, New York.


Robert Longo Dis-Illusions, University of IowaMuseum of Art, Iowa City.


1984


Robert Longo Drawings & Reliefs, AkronArt Museum, Akron, Ohio.


1983


Leo Castelli Gallery, Nueva York.


1981


Metro Pictures, Nueva York.


1979


The Kitchen, Nueva York.


1976


Hallwalls, Buffalo, Nueva York.


 

Exposiciones colectivas (Selección)

2013


Inner Journeys. Maison Particulière Art Center, Bruselas.


Between the Lines. All Visual Arts, Londres.


Disaster / The End Of Days. Galerie Thaddaeus Ropac - París.


2012


NO.2. Nesrin Esirtgen Collection, Estanbul.


Graphite. Indianapolis Museum of Art - IMA, Indianapolis.


Short Cuts. Galerie de multiples - GDM, París.


Big 80. Mary Ryan Gallery, New York City, Nueva York.


2011


Anxiety’s Edge. Honolulu Museum of Art, Honolulu.


Dark Vision. SAKS, Geneva.


The view from a Volcano - The Kitchen´s Soho Years, 1971 - 85. The Kitchen, New York City, Nueva York.


2010


Bild für Bild - Film und zeitgenössische Kunst. Museum Ostwall im Dortmunder U, Dortmund.


Transition. in camera galerie, París.


Painting and Sculpture. Lehmann Maupin, New York City, Nueva York.


2009


Robert Longo, David Maljkovic and John Miller. Metro Pictures Gallery, New York City, Nueva York.


Grande Hazaña! Con muertos - Enfrentamiento y Violencias en el Arte Contemporáneo. Sala Puerta Nueva, Córdoba.


2008


Artisti: solitari- uno sguardo dal Ponte sul terzo millennio a cura di Achille Bonito Oliva. Il Ponte Contemporanea, Roma.


Interieur/Exterieur. Wohnen in der Kunst. Kunstmuseum Wolfsburg, Wolfsburg.


2007


SUPERMODELS II: Real vs Unreal. LipanjePuntin Artecontemporanea - Roma, Roma.


From Chelsea to Caochangdi. Chambers Fine Art - Beijing, Beijing.


History Will Repeat Itself. Kunst-Werke Berlin - KW Institute for Contemporary Art , Berlín.


2006


Radical NY! The Downtown show: the New York art scene, 1974-1984 and abstract expresionism: 1940-1960. Austin Museum of Art - AMOA, Austin, Texas.


make room for the invisible man. Forde Espace d'art contemporain, Geneva.


Faster! Bigger! Better!. ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Karlsruhe.


2005


Zoo Story: An exhibition of animals in art - for the young and the young at heart. Fisher Landau Center For Art, New York City, Nueva York.


Drive. Automobili nell'arte contemporanea. Galleria d'Arte Moderna di Bologna - GAM, Bologna (closed, 2007).


Atelier Adamson - David Adamson and his friends. Sungkok Art Museum, Seoul.


2004


Laoconte devorado, ARTIUM de Álava, Vitoria-Gasteiz.


2002


The human factor figuration American Art, 1950-1995, Fort Wayne Museum of Art, Fort Wayne, Indiana.


Melodrama, ARTIUM de Álava, Vitoria-Gasteiz; Centro José Guerrero, Granada; MARCO, Vigo.


2001


Postmodern Americans, The Menil Collection, Houston.


Pictures at an Exhibition, Artists Space, Nueva York.


2000


End papers, Neuberger Museum of Art, Purchase, Nueva York.


1999


The Kiasma Collection, The Museum of Contemporary Art, Helsinki.


The Virginia & Bagley Wright Collection, SeattleArt Museum.


1998


The Edward R. Broida Collection a Selection of Works, The OrlandoMuseum of Art, Florida.


1997


Landscape The Pastoral to the Urban, Center for Curatorial StudiesBardCollege.


Views From Abroad European Perspectives on American Art 3, Whitney Museum of American Art New York.


La Biennale di Venezia XLVII Espozioione Internationale d'Arte, Venecia.


1996 


Bang! The Gun as Image, FloridaStateUniversityMuseum of Fine Arts, Tallahassee, FL.


Metro Pictures, New York.


'Unplugged', Gallery Cotthem, Knokke-Zoute, Bélgica.


1995


Johnny Paintings, Galerie Gana-Beaubourg París.


Essence and Persuasion The Power of Black and White, Anderson Gallery Buffalo,Nueva York.


Passion Privees, Musees d'art Moderne de la ville de Paris, París.


Alternatives 20 Years of HallwallsContemporaryArts Center 1975-1995, Burchfield-Penny, ArtCenter, Buffalo, Nueva York.


1994


New York on Paper, Galerie Thaddaeus Ropac París.


Generev Grunwald Gallery Toronto.


1993


Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburgo.


Lucio Silla Group Exhibit, Kleines Festspielhaus Salzburgo.


1992


Allegories of Modernism Contemporary Drawing, The Museum of Modern Art New York, Nueva York.


When Heaven and Hell Change Places, Galerie Hans Mayer Dusseldorf.


1991


Linda Cathcart Gallery Los Ángeles, Estados Unidos.


Power, IndianapolisMuseum of Art Indianapolis, Estados Unidos.


1990


Afinities and intuitions; The Gerald S. Elliot Collection of Contemporary Art, The Art Institute of Chicago.


1987


Documenta VIII, Kassel, Alemania.


L´Epoque, la mode, la morale, la passion, 1977-1987, Centre Georges Pompidou, Musée Nacional d´Art Moderne, París.


1986


The American Exhibition, The Art Institute of Chicago.


1985


Carnegie Internacional, Museum of Art, Carnegie Institute, Pittsburg.


1984


Alibis, Centre Georges Pompidou, París.


The heroic figure, ContemporaryArtsMuseum, Houston.


1983


Directions 1983, Hirshhorn Museum, Washington D.C.


Whitney Bienal, The Whitney Museum of American Art.


The New Art, Tate Gallery, Londres.


1982


Documenta VII, Kassel, Alemania.


1981


Westkunst Today Section, Museen der Stadt Koln, Cologne.


1980


Extensions Jennifer Bartlett, Lynda Benglis, Robert Longo, Judy Pfaff, ContemporaryArtsMuseum, Houston.


1977


Pictures, Artists Space, Nueva York; Allen Memorial Art Museum, Oberlin, Ohio; Fine Arts Museum, University of Colorado, Boulder; Los Angeles Institute of Contemporary Art.


 

Obra

En la obra de Robert Longo confluyen una depurada ejecución y la grandiosidad visual de la representación de una idea. Robert Longo ha producido algunas de las obras de arte más ambiciosas de hoy en día, ambiciosas en el buen sentido de la palabra. Posee una innegable virtuosidad técnica en la que la forma y el contenido se manifiestan de un modo efectivo.


Untitled (Black Pipe) , 2002.Tongue to the Heart, 1984.


El discurso de su obra no se dirige exclusivamente a la cultura norteamericana, de la que por otro lado es un crítico espejo, sino que reflexiona con decisión sobre la misión del arte en la cultura de hoy, y sobre todo, en el desarrollo de un proyecto que es una visión de la existencia en la era del agnosticismo. Aunque en su trabajo podemos comprobar la representación de la figura humana, sus personajes no se corresponden con individuos ni con historias personales, sino que funcionan como símbolos abstractos o "logos" como los denomina él mismo.


Longo califica su obra como eminentemente pública a diferencia de una actividad privada. "Yo hago arte para el público, intento hacer un trabajo que vaya más allá de los simples momentos privados". El eclecticismo de su producción artística, que toca gran variedad de técnicas y que se manifiesta también en películas, música, vídeos, performance y teatro, se debe a su interés por incidir de una manera rápida y directa en nuestra cultura, a través de los medios de difusión de masas. 


Untitled (Man in the Spotlight) , 1986.Russian Bomb/Semipalatinsk, 2003.Dancing Couple , 1996.


Para Longo la actitud del artista contemporáneo debe alejarse de la idea del creador aislado del mundo en su estudio. Así, él aporta una concepción sobre el perfil del artista actual; un individuo receptor de las actividades que se desarrollan en nuestro mundo. El intérprete de los ideales y valores de la cultura contemporánea que se reflejan a través de la obra de arte en el público. 


Longo ha expresado interés por el tema de los valores humanos y contribuye a manifestar las presiones de la sociedad sobre el individuo y su forma de vida. En cierto modo para Longo el artista tiene una responsabilidad muy clara como agente cultural de primer orden.


Los protagonistas de sus obras representan sujetos expuestos a fuerzas y a tensas condiciones sociales. Por otro lado, sus objetos también representan la iconografía de un cierto barbarismo cultural: de alguna manera, su obra tiene algo de apocalíptico. Se considera a sí mismo como un artista abstracto de representaciones figurativas de nuestra cultura. 


En su trabajo se respira monumentalidad, el engrandecimiento del individuo y ciertos elementos de exaltación que se debaten entre lo emocional y el dramatismo. Su obra se vincula en la última tradición romántica y su compromiso histórico en buscar la verdad de la cultura a través de visiones individuales. Él mismo, asiente sobre este punto considerando su trabajo "trágicamente romántico". La idea del "poder" en términos generales y la reflexión sobre ésta es una constante en toda su obra. En su perfil como artista plástico él mismo se define básicamente como dibujante y escultor.


 


 

El miedo en la obra de Robert Longo

La obra de Longo nace de la más pura y desbocada pasión, unida a la exploración de los mismos poderes que la alimentan. La política del poder físico, psicológico, financiero, sagrado y profano y el latido del temor que provoca dicho poder son temas recurrentes en sus obras. El miedo es un factor de gran importancia en su obra, una oscura corriente subterránea que nos incita a hacer inventario de nuestro instinto de supervivencia y que, finalmente, deja una fina huella en el subconsciente del espectador.


Nagasaki, 2003.La imaginería de desastres que crea el artista, suspendidos al borde de un abismo invisible pero real, atrapa al espectador con su accesibilidad y su belleza seductora aprovechándose de la lujuriosa necesidad que tienen los ojos de observar y devorar. Sus inquietantes hongos atómicos, por ejemplo, representan imágenes ya familiares en las que abundan las luces trémulas y las sombras ominosas, cuadros que el ojo saborea por su mera belleza pero cuyo impacto se deja sentir, en última instancia, en el cerebro del espectador. Una vez atrapadas por la mente, su efecto corrosivo persiste, como la radiación, ante la certeza de que detrás queda solamente un puñado de tierra muerta y calcinada. Es esta dicotomía entre la poesía visual de los dibujos y la formidable belleza de las nubes, por un lado, y la horrorosa realidad que representan, por otro, lo que crea el tipo de tensión que caracteriza a Longo.


 


Robert Longo explora el miedo primordial de una manera omnipresente en su obra. Y la forma en que lo hace pone de manifiesto un aspecto interesante. En lugar de ocuparse de los miedos instintivos, para los que estamos programados genéticamente a fin de sobrevivir en la naturaleza, Longo, al explorar las amenazas para el hombre contemporáneo, penetra en las entrañas de esos miedos y se enfrenta a los depredadores psíquicos a los que nosotros mismos damos vida.


Longo se ensaña con nuestra necesidad de sentir miedo. Esperamos con ansiedad en la cola del cine o del parque de atracciones a que llegue el momento de entrar, como si estuviéramos alimentando un anhelo inconsciente de experimentar el terror visceral e instintivo de la lucha por la supervivencia, como si algún complejo mecanismo psicológico nos impulsara a sentir miedo para sabernos vivos.


Arena Brains II, 1986.La vida urbana contemporánea nos disocia de la experiencia natural. Los temores de hoy en día tienen que ver más con lo que implantamos en nuestras mentes que con las cotidianas amenazas externas que sufren nuestros cuerpos. Las probabilidades de ser devorados por una bestia salvaje no son muy altas en el mundo moderno, pero nuestro subconsciente todavía guarda un agudo instinto de supervivencia. Por ello, creamos amenazas quiméricas a través de diferentes tipos de formatos mediáticos que nos permiten disfrutar de la sensación de terror desde la seguridad de nuestras butacas. o de una galería de arte.


Las sobrecogedoras imágenes de las nubes atómicas de tamaño casi cinematográfico responden a este fenómeno, al igual que Johnny Mnemonic (1995), un filme de acción con el que Longo quiso hablar del mundo de la sordidez del mundo corporativo.


Durante su niñez, Longo llegó al miedo de la mano de dos películas: Psicosis, de Alfred Hitchcock, donde la cámara obligaba al espectador a identificarse con la presa acosada, y La hora final en la que la especie humana es borrada de la faz de la tierra por un holocausto nuclear. Así, no es ninguna coincidencia que su trilogía visite las amenazas que surgen de los impulsos asesinos de la mente humana, cuando ésta desata toda su violencia y su ansia de dominación contra nuestra propia especie.


En estos tiempos precarios, donde el terrorismo, las armas de destrucción masiva y la amenaza constante contra el medio ambiente con habituales para todos nosotros, todos estamos expuestos a los miedos más ominosos. Los artistas ponen su grano de arena para superarlos cuando exponen la temática del poder y cómo su abuso por parte de los gobiernos lleva a resultados devastadores. En la obra de Robert Longo queda patente su fe en el poder del arte.


 

Entrevista

Extracto de Así habló Zaratustra en el país de los argonautas, Arte y Parte. N. 18 (diciembre 1998-enero 1999), pp. 24-34


Juan Carlos Rego: Hablemos de sus comienzos como artista, de su periodo de aprendizaje en Hallwalls Art Center en Búfalo.


Robert Longo: Los inicios de mi carrera como artista tuvieron que ver con mi facilidad por el dibujo, aunque al principio estaba muy interesado por la música, quizás influido por mi hermana que era cantante de ópera. A los 16 años decidí dejar de estudiar y me fui a viajar. Tras un tiempo volví a casa y empecé a probar con diferentes cosas, principalmente con la música. En un momento determinado pensé en la posibilidad de estudiar Historia del Arte, pero finalmente quise aprovechar mis cualidades y tener el coraje de ser artista. Me matriculé en Hallwalls Art Center en el programa de Bellas Artes y al poco tiempo conseguí una beca para estudiar Historia del Arte y Pintura en París por un año de duración. Una vez en Europa me sentí abrumado ante la historia y huellas de su pasado, experiencia que me marcó poderosamente y de algún modo representó un fuerte estímulo. Cuando volví a la escuela de arte en Búfalo, la escuela no me pareció muy interesante pero sí lo fueron las relaciones que entablé con otros artistas compañeros de estudios en esa época como Cindy Sherman, Charly Clough y Michael Zwack. Cindy estaba en el programa educativo de arte, y en aquel tiempo, ella no sabía nada de arte contemporáneo y tenía la intención de dedicarse a la enseñanza. Yo siempre intenté animarla para que desarrollara su creatividad. Hallwalls Art Center a la larga representó una época muy enriquecedora para todos los que allí estuvimos. Gracias a una ayuda del gobierno del Estado tuvimos la posibilidad de organizar talleres y seminarios con grandes artistas del momento como Richard Serra, Robert Morris, Walter de María, Vito Acconci, y una larga lista de primeras figuras que nos visitaron y trabajaron con nosotros. Dos años después de iniciar este programa los artistas invitados cada vez eran más jóvenes, y antes de que Cindy y yo dejáramos la escuela y nos mudáramos a Nueva York, hubo una exposición comisariada por mí que representaba una importante generación de artistas californianos que trabajaban en Nueva York.


J.C.R.: Para unos jóvenes artistas en aquel momento ir a Nueva York significó algo muy importante, como de alguna manera sigue pasando para cualquier joven artista hoy en día. ¿Nos puede contar sus recuerdos de aquellos años en NYC?


R.L.: En 1977 Cindy y yo, que en aquel momento vivíamos juntos, nos mudamos a Nueva York. Mi primera exposición en esta ciudad se tituló Pictures y trataba sobre imágenes relacionadas con the media . Eran esculturas basadas en películas. La idea del trabajo era crear representaciones de representaciones, más como el reflejo de un artista crítico que de un artista neurótico. Este fue un momento muy interesante de mi vida.


J.C.R.: Entre los diversos medios en que ha manifestado su creatividad se encuentra la performance, el cine y la fotografía; háblenos de sus primeros trabajos?


R.L.: En 1978 cuando tenía 20 años hice mi primera performance que he querido revivir la noche del 25 de septiembre. Esta performance fue para mí un acto muy importante, pues desde siempre quise ser artistas. Mi interés también se dirigía hacia el teatro, la música, el cine y la fotografía, por lo que necesitaba buscar un modo de unir y canalizar estos medios de expresión; ya desde mi primera exposición manifesté mi interés por el cine y su historia. Mis fotografías siempre ha sido pensadas como instalaciones, a modo de series en diferentes agrupaciones. Este trabajo lo he mantenido simultáneamente con mi obra como dibujante y en pocas ocasiones lo he combinado dada la incompatibilidad de combinar el dibujo con la técnica fotográfica. Entre 1978 a 1983 realicé Men in the city , y en 1983 tuve al mismo tiempo dos exposiciones en dos grandes galerías de Nueva York, Leo Castelli y Metro Pictures. Estas exposiciones significaron un reconocimiento muy importante a mi trabajo, y con ellas llegó el dinero para poder hacer lo que yo quisiera. Entre 1983-1986 invertí mucho dinero en mi propia obra. De cada diez piezas una siempre se vendía, tenía bastante suerte, muchas de mis obras estaban enfocadas a museo s o colecciones por las dimensiones y el valor de las mismas.


J.C.R.: Su obra en algunos casos es grandilocuente, me refiero especialmente a las esculturas, en otros es meticulosa y refinada. ¿Qué papel juega para usted la técnica en su obra?


R.L.: Para mí es muy importante el período de formación de un artista, y la técnica forma parte de éste. Cuando más conoces las diversas técnicas y sabes cómo utilizarlas, ese tema deja de preocuparte y es entonces cuando surgen los problemas de contenido, puedes tener muchísima técnica y crear una obra vacía. En mi caso la técnica es de algún modo parte integrante del contenido de la obra, un elemento más de mi discurso. Mi trabajo es también una progresión de mi interés en la combinación y en la exploración de diferentes técnicas como la utilización del carboncillo, grafito, óleo, acrílico, papel, plexigás, mármol, madera, aluminio, los bronces en escultura, algunos coloreados (que recuerdan a Ad Reinhard), fotografía, cine, performance, etc. Siempre me he sentido muy sospechoso de hacer un trabajo demasiado bien ejecutado desde el punto de vista técnico y bellamente realizado. Es como cuando hacía un gran dibujo y empezaba a mirarlo durante mucho tiempo y en cierto modo era como una masturbación, me sentía viéndome a mí mismo realizándolo, totalmente envuelto en su creación y eso me molesta porque no me permite verlo de una manera crítica. Muchas veces he tenido personas trabajando para mí a las que he enseñado a dibujar y otras técnicas. En los 80 cuando he tenido hasta 20 personas me sentía como un director de cine, poníamos los dibujos colgados de la pared y observaba el conjunto como si de una escena teatral o de una película se tratara, como ocurrió cuando tuve 300 personas trabajando para mí en el rodaje de Johnny Mnemonic . Sé que esos dibujos son bellos técnicamente y transmiten una idea de perfección, de cualquier modo me viene a la memoria lo que ocurre cuando te acercas a un cuadro de Velásquez que aparentemente es ten perfecto y delicado, y descubres de cerca su trazo libre y la espontaneidad de su ejecución. En cuanto a las fotografías de Heroes en C-print, la resolución técnica es parte de mi lenguaje fotográfico que siempre ha sido importante en mi obra.


J.C.R.: Su trabajo aparentemente es figurativo, sin embargo, yo sé que usted tiene ideas muy particulares al respecto.


R.L.: Mi trabajo no es sobre figuras, es sobre sociedad y cultura. Men in the city tiene la intención de identificar gente y espacios humanos, tiene que ver con una idea de representación cultural, ¿conoces a Barnett Newman?, él dice que el arte abstracto es la representación del artista que trabaja de un modo abstracto. Y probablemente sea el resultado de artistas abstractos trabajando sobre la representación. De cualquier modo no es sobre la representación de figuras, sino sobre la gente en la sociedad y su entorno cultural sobre lo que yo trabajo.


J.C.R.: Como obra que representa una cultura, es obvio que esa cultura que vemos retratada es básicamente la norteamericana, aunque por extensión y por su influencia refiera a toda la cultura occidental.


R.L.: Desde los principios de mi carrera han sido muy importantes los aspectos psicológicos de la obra, y desde siempre mi trabajo se ha desarrollado como una meditación sobre los efectos del "poder"en el individuo. Por ejemplo, uno de los elementos con los que he trabajado es la bandera, ese tema tan americano. Yo hice una bandera en bronce que no se puede quemar, algo que tiene que ver con esa imagen de América en su relación con el resto del mundo. América tuvo durante años esa imagen de sí misma como un país decente, la imagen de los buenos chicos, incluso después de haber aniquilado a los indios. Se trata de una dicotomía muy extraña, quizás fue con Vietnam cuando se produjo una fuerte crisis de valores y una sensación importante de frustración, realmente la guerra revolvió la mente de los americanos. Además, desde la guerra de Vietnam se despertó la conciencia de lo que estábamos haciendo en el mundo. Por lo que en mi trabajo, que es le fruto de una investigación individual, hay una crítica de esta situación, una crítica sobre mi propia cultura. Cuando era joven viví de una manera muy intensa en los clubs, la música y todo lo que estaba a mi alcance. Disfruté, quise retener y participar de toda la información, intentando vivir y absorber mi tiempo. Lo que ocurrió en cuanto a mi trabajo es que en vez de imbuirme de esa cultura, me distancié intencionadamente para adoptar una aptitud crítica y reflexiva hacia la misma. En vez de observarla y participar de ella lo que hice es distanciarme. Y de algún modo hoy en día veo a través de mis hijos el impacto del momento presente de la sociedad norteamericana en la nueva generación, el impacto de la "Ópera de la cultura americana". Entonces intento comprender lo que está pasando desde la perspectiva de un outsider . He visto sobre mis hijos la influencia de los medios de comunicación, especialmente de la televisión. En un momento dado viendo la agresividad de la información y del estilo de vida que les rodeaba, pensé incluso en trasladarnos fuera de Nueva York, y sin embargo, me sentí impresionado y me asusté al comprobar cómo les gustaba esta forma de vida.


J.C.R.: Viendo su último catálogo creo que hay una importante evolución entre, por ejemplo, Men in the city y esta obra Heroes , que pienso es quizás más simbólica. En el caso de Men in the city veo mucho de agresividad, tensión y una representación del stress de la sociedad actual.


R.L.: He vivido en el área de Wall Street varios años, siempre he visto esa imagen de hombres trajeados. Esta vestimenta es algo que unifica a toda esa gente blanca y es un determinado tipo de uniforme que consiste en ciertos elementos como las camisas blancas, las corbatas, etc. Antes iba a la bolsa de vez en cuando, y en ese trabajo hay una combinación de actitud personal y de actitud social. Cuando era un niño jugaba a un juego llamado "quien es el mejor en caer muerto", un chico pretendía tener una pistola y los demás chicos eran perseguidos por éste; en un momento determinado alguno de nosotros actuaba como si hubiera disparado. De algún modo estos temas se han unido por la violencia, como cuando la gente moría en las películas. Esa fue la gran revolución en el cine en los últimos treinta años. Recuerdas a James Cagney muriendo violentamente en sus películas, en escenas en donde había sangre y una fuerte dosis de violencia. La amplificación de la violencia en secuencias han influenciado los dibujos Men in the city.


Cindy de la serie Men in the Cities, 1984.Esa serie intentaba captar ese instante de impacto que permanece cada momento que miras esas imágenes. La razón por la que todos estos personajes están uniformados y son gente blanca es una visión de un estereotipo de nuestra sociedad. Mis personajes al mismo tiempo tienen la dicotomía de estar muriendo y estar bailando. En ningún momento he querido aleccionar sobre lo bueno o lo malo. Sólo quería enseñarlo a los demás sin ningún tipo de juicio. Al mismo tiempo parecen como muñecos que no tuvieran alma-les da el alma-


J.C.R.: ¿Esto es lo que usted quiere?


R.L.: Sí, en cierto modo, sí, cuando hice fotos de las pistolas y podía haber caído en la tentación de haber tomado algún partido sobre este tema, o haber pretendido hacer publicidad sobre el mismo. Alguien me explicó que la mejor forma de defenderse de la picadura de la serpiente es tomar algo de su veneno y asimilarlo dentro del sistema por un período de tiempo. Eso mismo hago yo con los temas de mi trabajo.


 


J.C.R.: Algunos de los elementos de los que me ha hablado en su obra tienen un fuerte carácter simbólico, series como guns y flags me recuerdan a Warhol y a Rauschemberg, pero especialmente al gran maestro de la pintura contemporánea norteamericana Jasper Johns.


R.L.: Sí, me gusta mucho el trabajo de Johns, además siento por él una gran admiración personal, creo que él utilizó la bandera como un vehículo para hablar de pintura, más que para hablar de política, por ejemplo esto es muy claro en el caso de The white flag . Él es un gran artista ya mayor, pertenece a una generación de la que mucha gente piensa que salieron los últimos grandes pintores, en mi generación ya todo era posible y la pintura era u medio más. En cuanto a Guns es un tema que está ahí, que nos rodea constantemente, es parte de nuestra cultura de agresión y defensión, un icono más. Cuando decidí trabajar en esta serie consulté con el FBI sobre todos los temas relacionados con la obtención de armas para poder reproducir algunas de ellas, de algún modo en este proyecto tuve que entrar en relación con el entorno del mundo del crimen; como en flags los valores metafóricos son fundamentales.


J.C.R.: ¿Qué opina sobre el tema del contenido de la obra de arte, sobre el mensaje implícito que acompaña la creación artística?, sé que a muchos artistas no les gusta hablar de este tema.


R.L.: Muchos artistas hacen un fantástico trabajo que se justifica por sí mismo. En 1990 hubo una gran retrospectiva de la obra de Barnett Newman, él hablaba de hacer arte sin ningún contenido, sin cierto modo quiero hacer lo mismo, quiero intentar hacer eso. Por esa razón cuando en esas fechas yo estaba en París y aún no tenía estudio me dediqué a trabajar sobre la obra de Malevitch. Él es el perfecto zero point , el punto cero, el punto de partida. Tomé una de sus cruces y pinté 100 de ellas de diferentes colores Face time , en aquel momento se leía en los periódicos el tema de la guerra entre USA e Irak, me di cuenta de que lo que estaba haciendo tenía de algún modo relación con esa situación. Por lo tanto, me gustaría hacer arte sin contenido, pero creo que paradójicamente siempre hay un contenido, un mensaje, y no podemos sustraernos de él. Pero como dije antes no quiero predicar, no quiero establecer juicios de valor.


J.C.R.: ¿Cuál es la relación entre la nueva generación de jóvenes artistas y la generación de la que tú vienes, en relación a la visión de América?


R.L.: Creo que hay una generación intermedia entre mi generación y los jóvenes artistas de hoy. De éstos el más representativo, el mejor es en mi opinión Mathew Barney. Nuestra generación está muy marcada por los inicios de la era de las comunicaciones, éramos media artists nosotros intentábamos criticar los factores de poder y presión en nuestra sociedad. Los medios de comunicación representan el mayor poder en el mundo. América es un país que vende mejor que construye, lo que es interesante es ver cómo después del neoexpresionismo neoyorkino muchos artistas se sienten atraídos por los medios de comunicación y las imágenes que éstos generan como representación de nuestro mundo. Como es el caso de Cindy Sherman, que tardó tiempo en ser reconocida, es curioso ver cómo durante los 80 la gran era para los artistas, todos eran hombres. El arte masculino aún era predominante y ratificaba su éxito, en la cresta de la ola. En esa misma época aparecen mujeres que hacen un trabajo muy serio como Jenny Holzer, la misma Cindy Sherman o Barbara Kruger. Creo que lo que pasa ahora es que se ha visto y valorado la importancia de las relaciones entre los artistas de nuestra generación. Los jóvenes nacen de una manera más independiente y de una forma expansiva y muy abierta. Yo pertenezco a una generación intermedia entre la bacanal de los 80, y la era de la experimentación y de la conciencia política que marca los 90.


 

Exposiciones en ARTIUM

LAOCOONTE DEVORADO. ARTE Y VIOLENCIA POLÍTICA

Del 6 de mayo al 3 de octubre de 2004.

 

 

Recursos


Recursos en línea

Eyestorm [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.eyestorm.com/artist/Robert_Longo.aspx> [Consulta: 4 de julio de 2013].

*Página web que recoge información sobre el artista Robert Longo.

Herbert Palmer Gallery [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.herbertpalmergallery.com/main_pages/robert_longo.html#> [Consulta:  4 de julio de 2013].

*Página web de la Galería Herbert Palmer.

Robert Longo [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.robertlongo.com/> [Consulta: 4 de julio de 2013].

*Página web oficial del artista Robert Longo.

"Robert Longo: la gran evasión" [Recurso en línea]. Tendencias del arte. Dirección URL: <http://www.tendenciasdelarte.com/robert-longo-la-gran-evasion/> [Consulta: 4 de julio de 2013].

*Entrevista con Robert Longo.

 

 

 

Bibliografía

Longo , Robert. Robert Longo: The Freud Drawings . Bielefeld: Kerber, 2003.


Longo , Robert.. Men in the Cities, 1979 to 1982 . New York : Abrams,Harry N Inc, 1986.


Ratcliff , Carter. Robert Longo . New York: Rizzoli International, 1988.


Robert Longo . New York: Rizzoli International, 1989.


Tsuzuki, Kyoichi. Art Random: Robert Longo, Vol. 71 . Kyoto: Kyoto Shoin, 1992.


 

Vídeos (Selección)

Robert Longo


Interview: Robert Longo


Curator Chrissie Iles in Conversation with Robert Longo


Robert Longo retrospective 2009 Nice