2002

 

 

 

 

 

 

Exposiciones

 

 

Alzado Vectorial

 22/04/2002 > 05/05/2002 (exterior ARTIUM)

 

Comisario: Juan Guardiola 

Artista: Rafael Lozano-Hemmer

[Consultar documentación]

Alzado Vectorial, del artista mejicano-canadiense Rafael Lozano-Hemmer, es un proyecto de arte electrónico que se presentó por primera vez en Europa con motivo de la inauguración de ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo, en abril del 2002. Los haces de luz se podían ver a 15 kilómetros a la redonda y cada seis segundos proyectaban un nuevo diseño proveniente de la red. Estos diseños podían ir acompañados de firmas y dedicatorias de los propios autores que se aparecían en una pantalla localizada en la plaza.

Alzado Vectorial fue realizada con la colaboración de una docena de programadores, modeladores y técnicos de cinco países. La especialidad de Lozano-Hemmer, que él denomina arquitectura relacional tiene como objeto la transformación de espacios urbanos con nuevas tecnologías de interacción que permiten al público formar parte integral de la obra. Alzado Vectorial estuvo operativo desde el 22 de abril hasta el 5 mayo, fechas en las que más de 300.000 personas de 63 países diferentes visitaron la página. La instalación de Alzado Vectorial en ARTIUM estuvo patrocinada por Grupo Telefónica, Dragados y Construcciones y Lagunketa.

 

Documentación asociada a la exposición

 WEB DEL ARTISTA   FOTOSWEB ALZADO VECTORIAL

 

  FOLLETOVIDEOEN PRENSA

 

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La mirada ajena. El retrato en la colección Ordóñez-Falcón de fotografía

26/04/2002  >  16/06/2002 (Sala Este Baja)

 

Comisario: Juan Guardiola

Artistas: Richard Avedon, Valérie Belin, Julia Margaret Cameron, Christine Davis, Pere Formiguera, Craigie Horsfield, Do Hu Soh, Zhang Huan, Sarah Jones, Sarah Lucas, Vic Muniz, Thomas Ruff, Sam Taylor-Wood, Juan Urrios, Andy Warhol.

[Consultar documentación]

La fotografía es considerada como una de las maneras más directas de interpretar la realidad. Es un medio idóneo para comunicar, transmitir, reflejar y expresar ideas, conceptos, situaciones o acontecimientos. Pero teniendo siempre en cuenta que, por su relación intrínseca con el tiempo, tan solo recoge instantes, momentos o fragmentos de una realidad mucho más extensa y variada. El tema del retrato está estrechamente relacionado con la fotografía desde los inicios de ésta. La mirada sobre el rostro humano ha caracterizado a la fotografía como un lenguaje a la vez documental y narrativo, como técnica de introspección psicológica y formulación tipológica, como un archivo analítico y una herramienta de síntesis de modelos, tanto estéticos como culturales, psicológicos y caracterológicos.

Como dice Santiago B. Olmo en el texto del catálogo: “el retrato contemporáneo responde, desde una constante experimentación, a la necesidad de una toma de postura respecto a la idea de condición humana: toda posible documentación está en función tanto de una construcción de imágenes simbólicas del yo y de los otros, como de una crítica de los modelos y de las formas que han desarrollado las tradiciones artísticas y los medios de comunicación actuales.” La mirada ajena presenta una selección de retratos de la colección Ordoñez-Falcón de fotografía. Esta muestra reúne obras de artistas internacionales cuya obra constituye una amplia panorámica de la creación contemporánea.

Para ello se parte del trabajo de dos artistas de gran significación en el tema del retrato. Julia Margaret Cameron, cuyo trabajo se realizó en paralelo al nacimiento de la fotografía a mediados del siglo XIX, retrató a sus allegados en composiciones inspiradas en temas iconográficos clásicos, organizando cuidadosamente las puestas en escena. A pesar de ser criticada por sus contemporáneos, los defectos y errores que éstos le achacaron son vistos hoy en día como una nueva manera de mirar y de construir el retrato. Esta “mirada” visionaria es igualmente perceptible en los autorretratos de Andy Warhol, cuyas fotografías en polaroid de los años ochenta constituyen toda una declaración de principios sobre el retrato contemporáneo al abordar temas tan actuales como la identidad del individuo o el artificio del artista.

En esta misma década Thomas Ruff realiza enormes retratos de los rostros de sus amigos y compañeros de estudios. Son retratos vacíos, limpios, sin reflejar emociones y en los que transmite la idea de identidad anónima. Muy distinto del trabajo de Richard Avedon, que retrata a personas anónimas sobre un fondo blanco, captando así la expresividad de los rostros y de los cuerpos. Son amas de casa, mineros, obreros y vagabundos que reflejan a una sociedad quebrada y desencantada. Su técnica es la economía de medios y el enfoque monocromo, que también utiliza Valérie Belin en la serie de obras que presenta en esta exposición. Primeros planos de transexuales que nos observan y nos desafían en lo que se refiere a los límites del cuerpo y los anhelos humanos. La cuestión del deseo, está igualmente presente en el trabajo de Sam Taylor-Wood que, a la vez, juega con el sentido de la ilusión y la representación.

Craigie Horsfield realiza en 1996 en Barcelona el proyecto La ciutat y la gent. En este trabajo fotografía la ciudad y sus gentes pero para ello elige la representación de todo lo que queda al margen de los retratos oficiales. De esta manera, propone una mirada crítica y rompe con la idea de archivo, también presente en la obra de Christine Davis. El anonimato, la no-identidad, es el tema tratado por Do Ho Suh, que convierte las imágenes en insignificantes al reunir un enorme conjunto de minúsculos retratos a modo de papel pintado. Un proceso similar, pero a la inversa, es el de Vic Muniz, quien a su vez se inspira en los grandes retratos pictóricos de Chuck Close realizados con cartas de color pantone.

La serie de Zhang Huan puede considerarse como un retrato familiar simbólico. El artista va escribiendo los nombres de su árbol genealógico sobre su propio rostro hasta cubrir la piel por la superposición de la escritura. Esta concepción del presente oscurecido por el pasado se encuentra también en otros artistas. La idea del tiempo como cambio, acción y variación es lo que interesa a Pere Formiguera, quien en una sucesión de retratos realizados a su madre refleja instantes y momentos que muestran que lo idéntico “siempre” es diferente. Una similitud que lleva al engaño, tal como nos lo confirman las fotografías de Sarah Jones o el par de retratos manipulados de Juan Urrios. Y, de nuevo, la cuestión de la identidad y el artificio en los autorretratos de Sarah Lucas, cuyas poses y actitudes minuciosamente estudiadas reflejan una mirada llena de ironía.

 

Documentación asociada a la exposición

 FOTOS FOLLETO  EN PRENSAPUBLICACIÓN ARTIUM

 

 

    

Gótico.... pero exótico

26/04/2002 > 30/06/2002

(Sala Sur, Palacio de Bendaña, Palacio Guevara-Gobeo San Juan, Catedral de Santa María, Palacio Escoriaza Esquibel, Torre de Doña Ochanda, Museo de los Faroles, Palacio Tovar, Iglesia de San Vicente)

 

Comisario: Javier González de Durana, Daniel Castillejo, Juan Guardiola

Artistas: Antoni Abad [+], Julián Álvarez, José Ramón Amondarain, Ibon Aranberri, Eduardo Arroyo, Txelu Balboa, Evaristo Bellotti, Joan Brossa [+], Luis Candaudap, Daniel Canogar, Maggie Cardelús, Tom Carr, Ricardo Catania, Iñaki Cerrajería García, Darío Corbeira, Salvador Dalí, Gabriel Díaz, Leopoldo Ferrán, Agustina Otero, Charo Garaigorta, Isabel Garay, Pierre Gonnord, Fernando Illana, Concha Jerez, Koko Rico, Iñaki Larrimbe, David Lechuga, Imanol Marrodán, Pablo Milicua, Pedro Mora, Juan Luis Moraza, Marina Núñez, Carlos Pazos, Guillermo Pérez Villalta, Fernando Pagola, Javier Pérez, Jaume Plensa, María Ribot, Elena del Rivero, Francisco Ruiz de Infante [+], Ignacio Sáez, Manuel Sáiz, Pepo Salazar, Antoni Socias, Eduardo Sorrouille, Susana Talayero, Javier Tudela, José Luis Vicario, Mayte Vieta.

[Consultar documentación]

Con motivo de la apertura de ARTIUM la sociedad alavesa y vasca puede celebrar la contemplación adecuada de lo mejor de la colección de arte contemporáneo que la Diputación Foral de Alava ha venido gestando desde hace más de un cuarto de siglo. Lo mejor de la colección, necesariamente significa parte de la misma y no su totalidad, puesto que la envergadura alcanzada por los fondos durante este tiempo es de tal magnitud que ni aun dedicando a ello la totalidad de la superficie expositiva del museo (3.800 metros cuadrados) hubiera podido mostrarse por entero. Más de 1.600 obras configuran un tesoro amplio y voluminoso que requerirá de diversas rotaciones sobre la base de selecciones temáticas para terminar de disfrutar de semejante patrimonio.

La primera presentación de la colección, instalada en la Sala Sur de ARTIUM, ofrece una visión ortodoxa de la evolución del arte español a lo largo del siglo XX hasta la actualidad. Con esta selección se ha pretendido ofrecer una explicación clara de las tendencias, hitos y nombres más significativos del desarrollo de las artes plásticas durante las últimas décadas. Ello ha obligado a una depuración extrema de las obras y los artistas. Esa tarea nos ha obligado a ser muy estrictos y, paradójicamente, aunque ello signifique resaltar lo más relevante, lo que produce justificado orgullo, también ocasiona, sin embargo, dolor. Uno siempre quisiera presentar más obras de arte pertenecientes a la colección al visitante aficionado en el convencimiento de que éste lo agradecería.

Por ello, ARTIUM ha ideado Gótico..., pero exótico, una exposición singular que ofrece la posibilidad de mostrar un mayor conjunto de obras de la colección propia, piezas que creemos que deben ser conocidas, pero que no encuentran acomodo en esta primera selección dentro del museo. Pero es que, además, con Gótico..., pero exótico, ARTIUM quiere decir a la sociedad alavesa que el museo no se va a encerrar entre sus cuatro paredes, sino que, por el contrario, buscará el encuentro del arte y el público de cuantas maneras le sea posible imaginar. Esta es la primera de ellas: ocupar diferentes palacios renacentistas y barrocos, e iglesias góticas de su casco medieval para provocar un encuentro chocante y enriquecedor, un maridaje extraño.

No se ha querido abusar de los espacios. A pesar de contar con la colaboración, entre otros, de la catedral de Santa María o del Palacio Escoriaza Esquibel, con enormes espacios disponibles, se ha huido de la saturación de tales lugares. En todos los casos se ha procurado encontrar la feliz adecuación entre historia y actualidad, en el sentido de que sólo se han presentado piezas de la colección cuando la arquitectura del edificio subraya de un modo diferente la presencia del arte y éste, a su vez, enfatiza el espacio construido haciéndolo ver de otra manera. Cuando esta interacción no ha sido posible se ha renunciado al lugar y a su posible pieza artística.

De esta forma se invita a los aficionados al arte a re-descubrir determinados espacios de la ciudad antigua de Vitoria-Gasteiz y, de hecho, a introducirse en algunos a los que normalmente no suele o no puede acceder. El periplo es fascinante: un salón isabelino congelado en el tiempo en el Palacio Conde de Tovar, el impresionante espacio comprendido entre las bóvedas y la cubierta de la iglesia de San Vicente precedido de la torre de su campanario, el intenso Museo de los Faroles, la torre de Doña Ochanda y el Palacio de Bendaña (Museos de Ciencias Naturales y de Naipes, respectivamente) y el Palacio de los Guevara-Gobeo-San Juan (Museo de Arqueología); todos ellos ofrecen la posibilidad de redescubrimientos y sugerencias múltiples.

Por esto mismo, por esa capacidad de sugerir que tiene el poner en relación cuestiones inesperadas o exóticas entre sí, es por lo que no hemos querido que fueran analistas del arte actual los que escribieran textos para la publicación que acompañará a esta singular exposición. Hemos buscado escritores, narradores acreditados en fabular, y les hemos pedido que, del mismo modo que ARTIUM ha poblado de cuerpos extraños el Casco Viejo, ellos también hagan habitar las calles y cantones, las cuestas y plazas de su callejero medieval con personajes que, en un modo u otro, estén relacionados con el arte. El resultado es un libro en el que todos somos “okupas” de los espacios de los demás: la historia como invasora del presente y el pasado, de la actualidad; los artistas, de la arquitectura y los narradores como habitantes naturales de un catálogo de arte; los edificios cargados de elocuencia y ornamentación, del entorno de obras de arte, a veces, ensimismadas silenciosas, y ARTIUM como usuario de una ciudad antigua para llevar su mensaje de difusión socio-artística más allá del propio museo.

 

Documentación asociada a la exposición

 FOTOS FOLLETO  EN PRENSAPUBLICACIÓN ARTIUM

 

 

   

Mercado ligero esperando

22/04/2002 > 15/08/2002 (Sala Este Alta)

 

Comisario: Juan Guardiola 

Artista: Jesús Palomino

[Consultar documentación]

La obra del artista Jesús Palomino (Sevilla 1969) se ha desarrollado básicamente en el ámbito del dibujo, la escultura y la instalación. Disciplinas distintas que, sin embargo siempre han hecho referencia al mundo doméstico, al entorno de la casa y a su paisaje.

En sus primeras obras, a mediados de los años noventa, la referencia a la casa venía dada por la presencia de la escultura-mobiliario (bancos, sillas, muebles), en el que los objetos cotidianos más comunes se organizaban de tal modo que los espectadores pudieran leer el espacio como si se tratara de una escena. Se podría decir que había algo teatral en este tipo de trabajos, ya que para entenderlos había que aceptar el juego imaginativo de que los objetos narraran sus propias historias. A continuación sus esculturas comenzaron a dibujar, mediante su disposición en la sala, el plano de una casa de tabiques invisibles. Cada pieza describía una función o una estancia de la casa.

La mayoría de las obras estaban realizadas en madera, pasta de papel o cartón, a los cuales se les añadía otros materiales cotidianos de factura más pobre, tales como jabón, trozos de tela, recipientes de cristal, etc…, la huella del gesto manual era evidente. Las formas escultóricas  duras servían de soporte-escenario para los objetos-detalle que formaban el conjunto. De este modo, las disciplinas de la arquitectura, la pintura y la escultura se mezclaban buscando una experiencia que hablase simbólicamente de los objetos y de sus relaciones con los usuarios.

En 1998 tuvo la idea de materializar construir una casa en la que el espectador pudiera entrar, visitar las estancias y poder así participar de la escena. Desde entonces, el artista ha realizado varias casas, aunque cada propuesta es creada específicamente para un lugar determinado (ya sea en un espacio exterior o interior), cambiando de este modo de arquitectura, de color, de sugerencias y de historia. Para ARTIUM, Jesús Palomino ha propuesto un proyecto titulado Mercado ligero esperando, que consiste en una instalación compuesta de de carteles publicitarios, estructuras arquitectónicas, trozos de plástico y muebles. Un paisaje simbólico lleno de sugerentes espacios, imágenes y situaciones.

 

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Orlan, 1964-2001. Retrospectiva

27/06/2002 > 01/09/2002 (Sala Este Baja)

 

Comisario: Juan Guardiola, Olga Guinot

Artista: Orlán

Actividades relacionadas: conferencia

[Consultar documentación]

 Esta producción es la primera retrospectiva que se realiza sobre Orlan y pretende ser una revisión completa y exhaustiva de toda su obra, demostrando que tras sus dos más sonados escándalos: Le baiser de l´artiste y sus famosas operaciones, existe toda una trayectoria artística que, abarcando los más diversos medios y soportes, se encuentra presidida por una idea común y constante: "El arte puede, el arte debe cambiar el mundo, esa es su única justificación".

Orlan inició su andadura en el mundo del arte en 1964, realizando una performance Action Or-lent: les marches au ralenti, que consistía en reproducir a paso lento un recorrido cotidiano que los habitantes de su ciudad hacían normalmente de forma apresurada e inconsciente. Con esto sentaba las bases de lo que sería su discurso artístico: la elección de un acto corriente, asumido, para descomponerlo en miles de planos que permitieran analizarlo desde todos los puntos de vista posibles. Tras esta performance, Orlan comenzó una serie de "mediciones" (Mesurages, 1964-1983), en las que la unidad de medida era su cuerpo, el Orlan-corps (el cuerpo de Orlan). Tumbada en el suelo midió todo tipo de edificios culturales. Además, inventó todo un ritual y añadió una serie de símbolos personales, en concreto, las sábanas de su ajuar de novia. Estos símbolos femeninos junto con el concepto de pureza, de lo sacro etc., se convertirán en el hilo de todas sus acciones posteriores.

De sus investigaciones en torno a la obra de arte y su status como objeto de culto burgués surgirá la serie de Les tableux vivants: situations-citations (1967-1975), donde convierte clásicos iconos de belleza en representaciones del deseo, la sensualidad y la sexualidad de un cuerpo latente y real protagonizadas por ella misma.

Orlan fundirá todos estos conceptos en la performance Le baiser de l´artiste realizada en 1977 en París. Asumirá a la vez el papel de artista y de obra de arte convirtiéndose en objeto de compra y venta en una "sociedad de mercaderes". Tras una máquina expendedora de besos la artista ofrecía su boca a cambio de 5 francos. Esta acción supuso su expulsión de la escuela lionesa donde trabajaba y la huelga de sus estudiantes. En 1974 Orlan comienza una serie de performances en las que funde su universo simbólico (telas de ajuar, relicarios, imágenes religiosas, etc.) con un período de la historia del arte que se identifica de manera sorprendente con la filosofía de la artista: el Barroco. Orlan se transforma en Santa Orlan, imagen dual formada por una virgen blanca, vestida de puro lino y otra negra, envuelta en eróticos cueros negros, ambas muestran su pecho desnudo: el de la virgen de la leche y el de las fantasías eróticas.

En 1990 la idea de mostrar el interior del cuerpo, junto con las posibilidades que empieza a ofrecer la cirugía plástica, llevan a Orlan a realizar una serie de nueve "acciones quirúrgicas" en las que plantea cuestiones como la identidad, la apariencia o los límites de la ciencia. Fruto de estas operaciones surgirán las series fotográficas: Omniprésence, Séduction contre séduction y Ceci est mon corps… Ceci est mon logiciel, así como las obras producidas con la sangre, la piel y la grasa que sobraron de las operaciones: Reliquaires, Saint Suaires y Dessin au sang.

A partir de esta fecha realizará una investigación sobre los cánones de belleza en las culturas mesoamericanas precolombinas y africanas. Deformaciones craneales, estrabismos, bizqueras y alargamientos nasales se funden con la imagen actual de la artista gracias a un sofisticado programa informático. El resultado es la serie Self-Hybridations y Hybridations africaines. Su último trabajo, Le plan du film es, en realidad, una continuación de los carteles publicitarios que realizó bajo el nombre de Géneriques imaginaires, a modo de anuncios de cine con los elementos más característicos de sus performance.

 

 Documentación asociada a la exposición

 FOTOS FOLLETO  EN PRENSA

 

INVITACIÓNWEB DE LA ARTISTAPUBLICACIÓN ARTIUM

 

 

 

Melodrama. Lo excesivo en la imaginación posmoderna

26/04/2002  >  22/09/2002 (Sala Norte)

 

Comisaria: Doreet LeVitte Harten

Artistas: Darren Almond, Vasco Araujo, Farah Bajull, Sue de Beer y Laura Parnes, Glenn Brown, Dale Chihuly, Victoria Civera, Nigel Cooke, Bryan Crockett, Win Delvoye, Leopoldo Ferrán y Agustina Otero, Joan Fontcuberta, John Isaacs, Christian Jankowski, Stuart Klipper, Julian J. B. Laverdiere, Robert Longo, Valeriano López, Liza Lou, Kenny Macleod, Nathalie Melikian, Tracey Moffatt, Paul Morrison, Markus Muntean y Adi Rosenblum, Tim Noble y Sue Webster, Raymond Pettibon, Patricia Piccinini, Julian Rosefeldt, Jane Simpson, Lily Van Der Stokker, Hiroshi Sugimoto, Sergio Vega, Francesco Vezzoli, Azucena Vieites.
 

[Consultar documentación]

Esta gran exposición temática en torno a la exageración del sentimiento en época postmoderna, es la primera producción compartida entre ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), CENTRO JOSÉ GUERRERO (Granada) y MARCO (Vigo), quienes recientemente han hecho pública una "declaración de intenciones"para constituir una próxima "red europea de Museos y Centros de arte contemporáneo".

El melodrama adquirió sus características específicas a finales del siglo XVIII, en el momento de la Revolución Francesa y principios de la Revolución Industrial en Inglaterra. Cuando la Monarquía Francesa concedió el monopolio a los teatros oficiales para hacer uso de la palabra, prohibiendo todo tipo de narración en las restantes representaciones teatrales, estaba forzando involuntariamente el surgimiento del melodrama. Con el fin de suplir la falta de texto, se refugiaron en la exageración de gestos, la abundancia de efectos especiales y la utilización de melodías.

Después de la Revolución Francesa se permitió a todos los teatros integrar textos en las tramas, pero no se abandonó la estética del exceso previamente creada y destinada a perdurar hasta nuestros días.

A pesar de la secularización y los grandes progresos paralelos al ascenso de la burguesía y la formación de la clase obrera, no desapareció la necesidad de afirmación de la moralidad y de la justicia, de diferenciar lo bueno de lo malo. Ahí es donde el melodrama cumple su objetivo, afirmando la victoria de la virtud sobre el vicio, dando forma a los nuevos valores, por ejemplo la idea de la familia como núcleo del nuevo orden social y la superioridad moral de los pobres, los inocentes y los virtuosos. Para dar a esas ideas una expresión adecuada el melodrama se concentra en papeles canónicos, tales como el del héroe, la heroína y el villano. Solamente admite un final feliz y no puede detenerse en la complejidad del carácter individual; su mensaje debe ser claro.

La estética del melodrama sería adoptada inmediatamente por la industria cinematográfica para paliar la carencia de recursos técnicos en las películas mudas. Pero al igual que ocurriera con el teatro, la estrategia de la exageración y del exceso no desaparecería con la llegada del sonido.

La imaginación melodramática ha tenido la reputación del mal gusto y no encontraría su lugar en las artes visuales hasta la llegada de una era postmoderna que acabó con la definición del buen gusto y las jerarquías tradicionales. Momento en que los artistas comenzarán a hiperbolizar lo cotidiano hasta extremos nunca vistos.

Vivimos en tiempos melodramáticos. Adquirimos sus códigos porque son los que rigen los espectáculos que conforman nuestra vida cotidiana. Y el arte, en tanto expresión de su tiempo, o sea, en la medida en que funciona como espejo de la realidad que nos rodea, lo muestra elocuentemente.

La nómina de artistas seleccionados incluye algunos de los más prestigiosos e influyentes de los años 90, junto a los más destacados de la última generación.

 

Documentación asociada a la exposición

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CARTELEN PRENSA

 

 

Thomas Ruff. Fotografías desde 1979 hasta hoy

 24/10/2002 > 08/01/2003 (Sala Norte)

 

Comisario: Matthias Winzen

Artista: Thomas Ruff 

[Consultar documentación]

Por primera vez en España, ARTIUM de Álava presenta una exposición retrospectiva de la obra de Thomas Ruff, uno de los fotógrafos más consagrados del panorama artístico actual. La exposición muestra un conjunto de series fotográficas que va desde el año 1979 hasta la actualidad.

Thomas Ruff nació en 1958 en la región alemana de la Selva Negra. De 1977 a 1985 estudió en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Dusseldorf con los artistas Bernd y Hilla Becher. De éstos no sólo adquirió la base técnica y artesanal de la práctica fotográfica, sino que también reflexionó con ellos sobre la necesidad de posicionarse respecto al uso de este medio de comunicación de masas. Otros fotógrafos de su misma generación, como Andreas Gursky, Candida Hofer, Thomas Struth o Axel Hutte, fueron también alumnos de los Becher en la citada Academia.

Una de las características esenciales del arte fotográfico de Ruff reside en la observación lúcida y atenta de los procesos de percepción. A Ruff no le interesa plasmar en sus trabajos la belleza o la realidad, contenidos tradicionales del arte que para él han dejado de ser puntos de referencia obligados. Precisamente, su manera de trabajar, fría y de un cálculo preciso, radica en que no otorga a la fotografía ningún sentido extra privilegiado, ninguna magia. Por el contrario, el interés de la fotografía de Ruff se centra en una investigación sobria y experimental acerca de cómo funciona nuestra percepción. Como él mismo afirma, hay que “dejar que la máquina funcione tal y como lo haría de todos modos. Cuando las cosas son como son ¿por qué debería intentar presentarlas de otro modo?”.

Aunque sus primeros trabajos se basaban en la fotografía documental realizada en la Selva Negra, a medida que fue dominando la técnica abandonó el blanco y negro y comenzó hacer fotos en color. En 1979 realizó su primera serie Interieurs [Interiores], presente en la exposición, y que comprende fragmentos de interiores domésticos, como baños, dormitorios o salones.

A partir de 1981 comenzó a experimentar con el género del retrato, utilizando diferentes formatos negativos y variando el posicionamiento de la luz, hasta que se decide por el retrato de medio cuerpo y la luz frontal uniforme. En ese año produjo las primeras fotografías de su prolífica serie Porträts [Retratos]. Son retratos monumentales de jóvenes que no destacan por ninguna particularidad y en los que Ruff, de alguna manera, irónicamente, idolatra la normalidad de gente desconocida. Esta serie le consagró internacionalmente.

De forma paralela, además de los retratos, realizó otras series, como Häuser [Casas], para la que eligió casas no muy lejanas a su taller y cuya arquitectura llamaba su atención por el carácter funcional y banal, por no ser nada especiales. Por primera vez, usó los retoques digitales, modificando pequeños detalles, como letreros o árboles que le estorbaban en la imagen y que consideraba irrelevantes.

Sterne [Estrellas], otra de las series que se exponen en ARTIUM, fue realizada entre 1989 hasta 1992, y adquirió para ello en Munich el compendio completo de 1212 negativos de fotografiado científico de estrellas. Estimulado por imágenes de la televisión, en 1992 llevó a cabo la serie Nächte [Noches]. Son paisajes urbanos nocturnos y misteriosos que fueron producidos con un equipo especial capaz de intensificar la luz remanente. Las primeras cinco fotografías nocturnas de esta serie se expusieron en la Documenta IX.

La investigación exhaustiva de diferentes aparatos y técnicas fotográficas es el punto de partida de series como Andere Porträts [Otros retratos] hecha entre 1994 y 1995, y Plakate [Carteles] realizada al año siguiente, y con la que, en montajes de ordenador de gran tamaño, ironiza sobre la actitud complaciente de los políticos actuales. Para Otros retratos, serie en la que ilustra la manipulación de la percepción mediante la fotografía, tomó prestada una unidad de montaje Minolta de la Colección de Historia Judicial de Berlín, como las que usaba la policía en los años 70. Mediante el montaje óptico de dos caras hacía una fotografía y la ampliaba como serigrafía.

Actualmente Thomas Ruff, que reside en Dusseldorf y es profesor en la Academia de Bellas Artes, está trabajando sobre el mundo de las imágenes en Internet como lo demuestran sus últimas series Nudes [Desnudos] y Substrate [Sustratos].

 

Documentación asociada a la exposición

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Jon Mikel Euba. K.Y.D. Kill´em all

12/12/2002 > 02/09/2003 (Sala Este Alta)

 

Comisario: Juan Guardiola

Artista: Jon Mikel Euba

[Consultar documentación]

K.Y.D. Kill´em all es el título de la exposición que el artista bilbaíno presenta en ARTIUM de Álava. La muestra se compone de un conjunto fotográfico - Gora y Buruz Bera - y dos video-instalaciones, Amobil y K.Y.D. Kill´em all, ambas del 2002.

Jon Mikel Euba (Amorebieta, 1967) pertenece a una generación de artistas comprometidos con su entorno y cuyo trabajo se encuentra vivamente relacionado con la situación política, social y cultural de Euskadi. Pintor de grandes murales, técnicamente su obra más reciente viene marcada por el uso de las nuevas tecnologías aplicadas a la fotografía y el vídeo manipulados digitalmente.

Los videos de Jon Mikel Euba están llenos de referencias cinematográficas de directores como Renoir, Warhol o Passolini. Aunque el artista no se identifica con la idea de cinéfilo, es indudable que el cine es indispensable en su obra pues de él extrae parte de su material de trabajo. Las situaciones y secuencias de una acción concreta donde parece que algo ha sucedido o que está a punto de suceder, suele ser un aspecto recurrente en los videos de Euba. Las imágenes, básicas y escuetas, crean una atmósfera misteriosa e inquietante, ambigua y en ciertos momentos hasta agobiante. En estos escenarios donde reina el suspense, el artista suele incorporar ciertos elementos turbadores - hombres enmascarados, cuerpos yacentes que pueden estar dormidos o muertos – que aunque descontextualizados, pueden aludir de manera sutil a la violencia terrorista que se vive en el entorno vasco.

Amobil, una de las dos video-instalaciones presentadas en ARTIUM, simultanea el espacio interior del coche con la experiencia de la acción y del movimiento. Amobil, abreviatura de dos palabras: Amorebieta y Bilbao, se presenta fragmentado en dos imágenes: una que reconstruye el interior de un coche desde el lado del conductor, y la otra desde el lado del copiloto. La acción se centra principalmente en el trayecto del coche a toda velocidad de un punto a otro (Amorebieta-Bilbao). Las pintadas de los cristales del coche impiden el contacto con el exterior por lo que el destino final es incierto. La fragmentación de la escena en dos planos, la claustrofóbica estrechez del interior, así como el brusco y acelerado movimiento del coche contribuyen a crear una atmósfera agobiante y frenética que hace pensar en la alocada huida de unos personajes clandestinos que quizá hayan cometido algún delito.

La video-instalación K.Y.D. Kill´em all presenta tres videos que aunque independientes guardan entre sí una compleja relación. Las iniciales de K.Y.D. que dan título a la obra provienen de una cita de William Faulkner “Kill your Darlings” (Mata a tus queridos) que el director sueco Ingmar Bergman usa para explicar que, a la hora de abordar un proyecto nuevo, lo esencial es aniquilar el recuerdo de los anteriores. El artista retoma esta frase con la finalidad, en su caso, de desprenderse de las soluciones y recursos técnicos de piezas realizadas con anterioridad. En esta ocasión, las referencias cinematográficas de esta video-instalación son muy concretas: The River de Jean Renoir, ¿Pero quién mató a Harry? de Alfred Hitchcock y Harlot de Andy Warhol.

El primer video K.Y.D. NAPPING, que viene a ser un juego de palabras entre rapto y siesta infantil, representa una situación casi estática en la que la intervención física de los personajes es mínima. Simplemente muestra a un grupo de jóvenes que pueden estar dormidos o muertos en el interior de un coche. En la escena sólo se acierta a ver cómo alguien se mueve alrededor de ellos ysu presencia queda enfatizada por los movimientos de un gato situado en el regazo de uno de los que permanecen inmóviles. El espectador está a la expectativa de algo que ha ocurrido ya, o está a punto de ocurrir.

En el segundo video K.Y.D., la situación se transforma, pues queda incorporada la acción a través de dos personajes anónimos cuyos rostros nunca se llegan a ver y que sacan y manipulan los cuerpos del interior del vehículo para situarlos en diferentes puntos alrededor del coche. El desconcierto aumenta cuando los personajes registran los bolsillos de los supuestos muertos.

Por último, el tercer video KONTUZ KYD muestra una escena similar al primer video, pero esta vez la acción transcurre de noche. El contexto, y por tanto, la percepción de la obra se ven modificados ya que la oscuridad nocturna produce una atmósfera totalmente diferente. Un personaje alumbra con un foco de luz muy intenso los cuerpos yacentes consiguiendo fuertes contrastes de gran teatralidad que nos remiten a las composiciones tenebristas de Caravaggio o Zurbarán, o incluso a las naturalezas muertas barrocas. El artista, sin embargo, no ha tenido en cuenta estas referencias artísticas a la hora de concebir y lograr dichos efectos. Es un resultado producido a posteriori y de forma independiente.

Gora y Buruz Bera, dos obras fotográficas compuestas por tres y cuatro fotografías respectivamente completan la muestra y ponen de manifiesto el interés del artista en analizar y reflexionar sobre el uso de las imágenes y/o las palabras fuera de su contexto más habitual.

Jon Mikel Euba ha sido uno de los artistas elegidos para participar en Manifesta 4, en Frankfurt. Recientemente ha recibido el premio Gure Artea 2002 por su obra K.Y.D., y el Premio Altadis de Artes Plásticas de Francia pasando a formar de la colección Actes Sud.

Euba tiene obra en las colecciones del Ministerio de Cultura Instituto de la Juventud de Madrid, del Gobierno Vasco, de la Diputación Foral de Bizkaia y de Gipuzkoa, en la Universidad de Salamanca, en el Banco Central Hispanoamericano, etc.

Esta exposición ha sido coproducida entre ARTIUM de Álava y la Fundació Antoni Tapies de Barcelona..

Documentación asociada a la exposición

EN PRENSAFOTOSFOLLETOINVITACIÓN

     

DOSSIER ELABORADO POR LA BIBLIOTECA ARTIUM

 

 

 

Colección Juan Redón

20/09/2002 > 24/11/2002 (Sala Este Alta)

 

Comisario: ARTIUM

Artistas: Txomin Badiola, Edward Lucie-Smith, Juan Pablo Ballester, Jake & Dinos Chapman, Equipo Límite, Alex Francés, Rafa Garay, Alberto García-Alix, Robert Gliglorov, Pierre Gonnord, Del Lagrace Volcano, Angel Marcos, Santos Montes, Edwin Olaf, Carlos Pazos, Alberto Peral, Miguel Ríos Branco, Joan Morey, Eugenio Vizuete, Martín Parr

 

[Consultar documentación]

 

Esta exposición presenta el depósito cedido recientemente a ARTIUM por el coleccionista Juan Redón, configurado por una selección de fondos de su colección privada. El depósito se compone de un total de 63 piezas, e incluye 58 fotografías, dos pinturas, dos instalaciones y una obra gráfica.

Juan Redón, arquitecto valenciano afincado en Barcelona, comenzó su colección en el año 1994 con la adquisición de una pieza del artista Juan Pablo Ballester. A lo largo de estos años se ha centrado principalmente en la compra de obra fotográfica de la última década, de artistas nacionales como Txomin Badiola, Alberto García-Alix o Carlos Pazos, e internacionales como Pierre Gonnord, Robert Gligorov, Erwin Olaf o Edward Lucie-Smith.

La colección Juan Redón, de carácter arriesgado, fuertemente provocador y con una gran carga de contenido homo-erótico, recoge obra en la que se pone de manifiesto el interés por el retrato, el desnudo masculino, la reflexión sobre la identidad o la orientación sexual. El tono trasgresor de la colección se ha ido transformando con el tiempo en algo más sólido que, en palabras del propio coleccionista, no es más que “entender una colección como un proyecto intelectual, siendo su fin último la posibilidad de explicar el mundo a través de la visión que los artistas ofrecen, pero reorganizado y reestructurado a partir del ojo del coleccionista”.

De entre los fondos depositados, se exponen ocho piezas de Juan Pablo Ballester, artista cubano residente en Barcelona, quien en sus fotografías tituladas “En ningún lugar“ presenta jóvenes latinos o hijos de emigrantes que en interiores o exteriores irreconocibles clavan su intensa mirada en el espectador, o el retrato en blanco y negro de Alaska, y de varios actores porno vistos por Alberto García-Alix, Premio Nacional de Fotografía 1999.

Dos trabajos de Alex Francés muestran cómo este artista utiliza el cuerpo humano en sus formas más esenciales, con un fuerte sentido estético para que el espectador reflexione sobre los conflictos y luchas interiores del hombre. La polémica obra de la californiana Del Lagrace Vocano, retratista del mundo “drag king”, reúne transexuales femeninas que hacen gala de una masculinidad que ironiza acerca de los prototípicos atributos de los machos. El artista británico Martin Parr está representado con dieciséis coloristas piezas de la serie Common Sense, presentada el año 1999 en 43 lugares diferentes. Fotografías de comida basura y juguetes baratos hacen referencia a un consumismo desmesurado de la sociedad contemporánea. La exposición se completa con piezas de quince artistas más...

 

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Francesco Petrarca y el paisaje contemporáneo

18/05/2002 > 16/06/2002 (Antesala)

Artistas: Francesc Abad Gómez, Txaro Arrázola,  Ángel Mateo Charris, Jabier Elorriaga Oribe, Clara Gangutia, Cristina Iglesias, Jesús María Lazkano Pérez, Carlos Marcote, José Carlos Fernández de Marcote, María Moreno, Íñigo Royo, Gerardo Rueda, Rafael Ruiz Balerdi, Francisco Javier Tudela Sáenz de Pipaon.
 

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El 26 de abril de 2002, fecha de la inauguración oficial de ARTIUM, se cumplía el 666 aniversario de la ascensión de Francesco Petrarca al Mont Ventoux, "llevado tan sólo por el deseo de ver la extraoordinaria altura del lugar". Este hecho, insólito para la época, y las subsiguientes reflexiones del poeta, han sido considerados hitos cruciales tanto para la percepción estética del paisaje como género, como para el desarrollo del período histórico del Renacimiento.

Con el fin de conmemorar esta efeméride y su coincidencia con la inauguración del Centro-Museo, y con el objeto asimismo de celebrar el Día Internacional del Museo, ARTIUM, con el patrocinio de AMBA (Asociación de Amigos del Museo de Bellas Artes de Álava y ARTIUM), organizó una exposición en torno al paisaje con una selección de 13 obras de los fondos propios de ARTIUM. La exposición tuvo lugar en la antesala de la planta -2, en la zona anexa a los accesos a las salas.

Como complemento de la exposición, ARTIUM de Álava editó el libro Petrarca y el paisaje contemporáneo, en el que se recoge el texto original en latín y sus correspondientes traducciones al euskera y castellano, acompañados por dos presentaciones realizadas por González de Durana y Maderuelo. El libro reproduce además las obras presentadas en la exposición.

 

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Mitsuo Miura: Obra Gráfica y múltiples

20/08/2002 > 24/10/2002 (Sala Este Alta)

 

Artista: Mitsuo Miura

 

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Mitsuo Miura nace en 1946 en Iwate (Japón).

En 1966 se traslada a España para continuar sus estudios de Bellas Artes, siendo aquí donde reside desde entonces y donde ha desarrollado toda su trayectoria artística. A lo largo de su carrera Miura ha trabajado con diversos medios que abarcan intervenciones en la naturaleza, pintura, grabado, fotografía, instalaciones, o escultura. Cuenca, Bustarviejo, Almería, y Madrid son los lugares de referencia más destacados en la obra de este artista.

Durante los años 70 la influencia del expresionismo abstracto americano se deja sentir en sus trabajos formativos de la etapa que el artista reside en Cuenca. Después se traslada a Bustarviejo, en la sierra madrileña, período este en el que su producción artística se compone principalmente de dibujos y grabados en los que predominan sutiles formas geométricas. En este momento además comienza a indagar en la escultura en madera y los objetos.

A partir de 1978 descubre la playa de los Genoveses en Almería, donde trabajará durante varios veranos. Lugar de referencia obligada al hablar de la obra de Miura, es allí donde desarrolla un conjunto de series fotográficas en las que plasma la experiencia del paisaje y de la luz, del transcurso del tiempo y de lo cotidiano. Esta experiencia desembocará en la obra 120º en la Playa de los Genoveses realizada a mediados de los 80 y que expuesta en la Galería Estampa de Madrid y en la Galería Trayecto de Vitoria en 1990.

Es precisamente a partir de mediados de los 80 y principios de los 90 cuando se abre una nueva etapa pictórica en la que la observación de la naturaleza es uno de los motivos fundamentales de su obra. Predominan ahora los tonos suaves, las masas abstractas y las geometrías monocromas que nos sugieren la delicadeza de la estética japonesa. Posteriormente, a mediados de los 90 comienza un nuevo imaginario en su pintura. Será la observación de la ciudad, y del paisaje urbano la fuente de la que extraiga su inspiración. La publicidad callejera, la luces urbanas, el estrés y la prisa de la gente tienen presencia en collages y pinturas de los que emergen formas aristadas y a veces superpuestas, con gran dinamismo y fuerza.ç

Su obra está presente en las colecciones de instituciones como: el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, la Fundación Juan March, la Colección la Caixa de Barcelona, la Colección Banco de España, la Colección Telefónica, etc.

ARTIUM de Álava contiene en sus fondos las ediciones presentadas en esta exposición junto a otras ediciones anteriores y obra original (pintura y fotografía).

La obra de Mitsuo Miura, a pesar de que se instaló definitivamente en España a la edad de dieciocho años, transmite una intensa y delicada emoción a la manera del arte oriental. Como él mismo dice, no puede evitar que sus trabajos artísticos se impregnen del profundo substrato que define la cultura japonesa. La primera sensación que tuvo al contemplar el arte occidental, fue la de opacidad, la de la materia, la del aceite (óleo) frente a la tradición japonesa de la transparencia, la levedad y el agua.

Miura, en sus obras, trata de expresar sus emociones en estado puro, utilizando sólo las herramientas de la memoria visual: el color, la forma y el movimiento, en un equilibrio que evita los contrastes, las estridencias y los efectos tan afines a la cultura occidental.

La obra gráfica o los múltiples son un conjunto de técnicas que reproducen fielmente una obra original un determinado número de veces, denominándose el resultado edición. Existen diversas técnicas, tanto tradicionales, como el grabado, la serigrafía o la litografía, como actuales en las que intervienen la tecnología o los procesos industriales.

En el caso que nos ocupa, Mitsuo Miura, presenta ediciones de grabados, serigrafías y múltiples (instalaciones de objetos, ensamblajes o esculturas de los que se han producido un número establecido de ejemplares iguales).
En las etiquetas de las obras se especifican los detalles y técnica de cada edición..

 

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Enzo Cucchi. Marrazkiak, dibujos, drawings 1979-2001

20/09/2002 > 10/11/2002 (Sala Este Baja)

 

Comisario: Juan Guardiola

Artista: Enzo Cucchi

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Esta exposición ofrece por primera vez en España una selección amplía y representativa de la evolución de los dibujos del artista italiano Enzo Cucchi. Estos dibujos han ocupado desde el inicio de su actividad profesional el centro de su actividad. Son, como él mismo dice, su alma. La muestra recoge el trabajo realizado a lo largo de un cuarto de siglo y permite al espectador, no sólo disfrutar de una visión directa de la génesis de su universo personal, sino que también le ofrece la oportunidad de revisar su obra en dicho medio.

Nacido en 1949 cerca de Ancona, Italia, Cucchi es autor de una obra en la que predominan el dibujo y la pintura, elaborada en la ensoñación y con una sorprendente capacidad narrativa. A finales de los años setenta se trasladó a Roma, donde dejó provisionalmente la poesía para dedicarse casi por completo a las artes visuales. Allí, Cucchi entró en contacto con artistas como Francesco Clemente y Sandro Chia, con los que estableció un fértil intercambio dialéctico e intelectual. Junto con ellos, Cucchi es considerado como uno de los principales artistas de la Transvanguardia, movimiento artístico italiano surgido a principios de la década de los años ochenta y que supuso una vuelta a la pintura figurativa, tras unos años caracterizados por la experimentación formal y conceptual de los denominados “nuevos comportamientos artísticos”.

Para Cucchi el dibujo, al igual que la pintura, es un medio de asociar formas, conceptos y materiales. Se vale de la expresión invasiva del gesto para transformar el papel o el lienzo en un territorio mágico poblado de imágenes y pensamientos, vehículos de un discurso fracturado en infinidad de elementos suspendidos. Cucchi nos presenta símbolos dispares, de matriz clásica u onírica, extraídos de la actualidad o del recuerdo, que se combinan y superponen sobre la textura cromática de la que, al mismo tiempo, parecen emerger. El abandono de las coordenadas espacio-temporales y las contuinuas incursiones en territorios culturales y emocionales coinciden con su indisciplinado uso del color y con su afán por experimentar con distintas técnicas artísticas, desde el papel quemado, al aceite o a la arena.

El dibujo es una parte integral en la actividad artística de Cucchi. Es el alma de su proyecto artístico. También es una disciplina en la que ha adquirido gran distinción. Con independencia de la importancia histórica y radical de su trabajo sobre papel, su capacidad como creador de imágenes y dibujante, en el sentido clásico, es impresionante. La clave de los dibujos de Cucchi está en su especial forma de rellenar las superficies. Con frecuencia, los bordes no están marcados. Las líneas que traza son, por supuesto, importantes, pero menos que el sorprendente efecto de pura profundidad y masa que es capaz de crear con poco más que un lápiz o un bolígrafo. La profundidad que crea permite ver lo que ocurre medio metro por debajo del papel. De ahí el interés por los estratos arqueológicos a los que están vinculados con frecuencia estos dibujos. Los dibujos de Cucchi tratan la dimensión profunda de la imagen, no lo que hay en la superficie. No aluden a una representación del espacio tridimensional, sino que indagan en la naturaleza de las cosas. Porque, en definitiva, para Cucchi, la idea de un dibujo es la única posibilidad, para un hombre, de pensar..

 

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  FOLLETO  EN PRENSAINVITACIÓNPUBLICACIÓN ARTIUM

 

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Tan cerca tan lejos. Pintura en Alemania y España 1945-1960

24/10/2002 > 04/05/2003 (Sala Norte)

 

Comisarios: Javier González de Durana, Daniel Castillejo

Artistas: Fermín Aguayo, Manuel Ángeles Ortiz, Andrés Apellániz, Rafael Canogar, Manuel Colmeiro, Salvador Dalí, Oscar Domínguez, Equipo 57, Luis Feito, Luis García Ochoa, Juan Genovés, Eugenio Granell, Hantón, Santiago Lagunas, Manuel Millares, Juan Navarro Ramón, José Orús, Benjamín Palencia [+], Joan Ponc, Gerardo Rueda, Antonio Saura, Luis Seoane, Antonio Suárez, Joan-Josep Tharrats, Gustavo Torner, Joaquín Vaquero Turcios, José Manuel Viola, Rafael Zabaleta, Willi Baumeister, Hubert Berke, Karl Fred Dahmen, Max Ernst, Fathwinter, Werner Gilles, Karl Otto Gótz, Fritz Grabhoff, Karel Havlícek, Gerhard Hoehme, Carl Hofer, Adolf Peter Holzwig, Wilhelm Imkamp, K.R.H. Sonderborg, Fritz Levedag, Georg Meistermann, Ernst Wilhelm Nay, Kurt Rehm, Friedrich Schiemann, Werner Scholz, Bernhard Schultze, Ernst Schumacher, Heinrich Siepmann, Hann Trier, Heinz Trókes, Helmut Weitz, Wilhelm Wessel, Fritz Winter.


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Esta exposición trata de formular una tesis entre Artium de Álava y el Wilhelm Lehmbruck Museum de Duisburg, que consiste en confrontar dos eras de la historia del arte en España y en Alemania. Son dos períodos críticos en el devenir histórico de ambos países, por un lado, la posguerra europea en un estado derruido y en plena reconstrucción como es el caso de Alemania y, por otro, la posguerra española en un momento en el que la dictadura se asienta y fortalece tratando, también, de crear un estado de normalidad aparente a pesar de la represión que se aplicaba en España en materias de libertad social, política y cultural.

Es sabido que el análisis del arte permite saber más de nosotros mismos e incluso conocer ciertos matices no visibles normalmente, que pueden llegar a descubrir relaciones, afinidades, situaciones o diferencias que enriquezcan y den otras visiones que las que usualmente nos da la historiografía convencional.

Ese tiempo fue clave en el devenir de los dos estados, de Europa y del mundo. Todo lo que conocemos hoy se comenzó a diseñar entonces. Acontecimientos esenciales en el proceso histórico y cultural del siglo XX, el profundo y novedoso sentimiento de autodestrucción y posibilidad de la desaparición como raza sin que intervenga la voluntad divina, la amenaza nuclear, la división del mundo en dos bloques, la idea de globalización, la primera conciencia ecológica, la definición de los derechos humanos, los primeras salidas al espacio, etc., todo ello nos determinó tal como somos hoy.


El concepto de resonancia mórfica indica que es posible llegar a las mismas conclusiones y resultados sin haber tenido contacto previo, en lugares y condiciones distintas, dando la falsa impresión de que existe una intención de calco o de copia consciente, sin embargo, esta exposición nos acerca a dos realidades diferentes que darán la verdadera dimensión del contexto social y creativo de estos dos países. De esta manera, queremos profundizar en ello porque intuimos, tras una revisión de nuestras propias colecciones, que se pueden producir algunas sorpresas que cuestionen los tópicos aprendidos y sitúen nuevos puntos de vista en la hora de entender los misteriosos caminos por los que discurren los procesos de creación artística a pesar de todos los condicionantes posibles..

 

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La Colección I. 1ª Selección de los Fondos

25/04/2002 > 22/12/2002 (Sala Sur)

 

Comisario: Javier González de Durana, Daniel Castillejo

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Antecedentes y Vanguardias (1900-1939). Son los prolegómenos, influencias y las primeras incursiones de nuestros artistas en los movimientos de la vanguardia clásica hasta el final de la guerra civil española: cubismo, surrealismo, expresionismo.

La posguerra interior y la exterior (1939-1957). El devenir del arte contemporáneo español queda traumáticamente seccionado en la posguerra entre los artistas que trabajan fuera del país y que mantienen la pulsión del arte internacional y quienes desde dentro, en la dictadura, comienzan a recomponer la idea de modernidad.

Renovación y Normalización (1957-1980). A partir de 1957, el arte español y vasco, inicia un fuerte movimiento de puesta al día e inserción en las corrientes internacionales más importantes: El arte Pop con un fuerte compromiso social, los informalismos, el expresionismo abstracto, el arte geométrico y los conceptualismos.

Posvanguardias y el arte global (1980-2000). Tras la crisis del movimiento artístico internacional, provocada por el desplome económico de los setenta y la eclosión en el arte de los movimientos antiobjetuales, aparece con fuerza la noción de posmodernidad, de principios eclécticos, que recupera y a la vez cuestiona el sistema artístico en todas sus variantes: estilos, discursos, galerías, museos, etc.

El umbral de la perspectiva (2000…). El desarrollo tecnológico, las nuevas formas de producción artística, el arte reciente se encuentra por definir. ¿Qué nos vamos a encontrar en el futuro? ¿Cuáles son los derroteros de la idea de arte? ¿Qué reacciones provocarán las nuevas preguntas de los artistas? Aquí nos encontramos con las primeras hipótesis..

 

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La Colección II

11/12/2002 > 02/09/2003 (Sala Sur)

 

Comisario:  Daniel Castillejo

Artistas: Pep Agut, Perejaume, Pedro Mora, Francesc Abad, Joxerra Melguizo, Carlos Pazos, Cristina Iglesias, Jesús Mª Lazkano, María Zárraga, Joan Fontcuberta, Alberto Peral, Pepe Espaliu, Azucena Vieites, Francisco Javier Tudela, Eva Lootz, Juan Hidalgo, Juan Luis Moraza, Carmela García, Rafael Lafuente, Equipo Crónica (Rafael Solbes, Manolo Valdés), Antonio Saura, Daniel Canogar, Carlos Alcolea, Rafael Agredano, Zush, Vicente Ameztoy [+], Koko Rico, Francesc Torres, Juan Muñoz, Ana Laura Alaez, Guillermo Pérez Villalta, José Ramón Amondarain, Txuspo Poyo, Juan José Aquerreta, Dora García, Elena del Rivero, Joan Bossa, Carmelo Ortíz de Elguea, Lucio Muñoz, Miaquel Barceló, Eduardo Arroyo, Julio López, Juan Daniel Tamayo, Joan Miró, Joan Ponç, Juame Plensa, Ferrán García Sevilla, Chema Cobo, José Manuel Broto, Miguel Ángel Campano, Alfonso Gortázar, Darío Urzay, Chema Madoz, Soledad Sevilla, Fernando y Vicente Roscubas, Juan Luis Goenaga, Luis Feito, Jesús María Gallo Bidegain, Pablo Palazuelo, Manuel Rivera, Darío Villalba, Rafael Ruiz Balerdi, Manuel Hernández Mompó, Luis Gordillo, Eduardo Chillida, Prudencio Irazábal, José Guerrero, José Mª Sicilia, José Maldonado, Antoni Tàpies [+], Pello Irazu, Juan Uslé, Txomin Badiola, Juncal Ballestín, Susana Solano, Jorge Girbau, Gabriel Ramos Uranga, Jorge Galindo, Francisco Leiro.

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A partir del 12 del noviembre ARTIUM de Álava muestra una nueva presentación de sus fondos: LA COLECCIÓN II. A la primera exposición inaugural, un denso recorrido cronológico de los movimientos del arte contemporáneo español desde sus inicios hasta nuestros días, le sigue ahora una segunda versión en la que se exhiben fondos acotados cronológicamente desde 1960 hasta la actualidad.

Dado que la Colección Permanente de ARTIUM es un cuerpo que puede adoptar múltiples formas, expresar diferentes discursos, y que está en continuo crecimiento, el museo siente el compromiso de presentar diferentes muestras que permitan establecer diversas relaciones, análisis e interpretaciones de las mismas.

Con este objetivo, durante los primeros siete meses de vida del museo (abril-noviembre) se han realizado exposiciones como Gótico…, pero exótico en distintos espacios arquitectónicos de Vitoria-Gasteiz, el depósito de la obra fotográfica de la Colección Juan Redón o Tan cerca, tan lejos que revisa las sorprendentes afinidades de la pintura en Alemania y España entre 1945 y 1960. Asimismo, se han exhibido fondos de la Colección en pequeñas muestras que se presentaron en la Antesala, como la de Petrarca y el paisaje contemporáneo, la monográfica de la obra seriada de Mitsuo Miura, las Exposiciones de Cámara, que se inician al mismo tiempo que esta edición de LA COLECCIÓN II, con una intensa mirada a Rafael Zabaleta, gracias al generoso depósito de la familia Castaño-Lasaosa, la del escultor “Martín Chirino” y la del pintor “José Guerrero”.

De este modo, en los meses referidos se han expuesto alrededor de cuatrocientas obras de los fondos, es decir, aproximadamente el 25 por ciento del total.

Con obras que abarcan un período de más de cuarenta años, LA COLECCIÓN II plantea un nuevo enfoque fruto de la investigación en la que se analizan los intereses creativos de los artistas a la hora de ejecutar su obra. La ilimitada versatilidad del arte, que ofrece múltiples lecturas y mensajes, da lugar a un nuevo planteamiento expositivo articulado en siete grupos diferentes en los que se abordan aspectos que resultan predominantes sobre los demás.

En estos siete grupos es posible encontrar juntas obras del Pop Art y del Surrealismo, del Arte Conceptual y del Hiperrealismo, o una obra de 1970 con otra de treinta años después. De este modo, no se examinan la sucesión cronológica ni los diversos estilos de estas cuatro décadas sino que a resultas de una mirada profunda de cada pieza, esta nueva agrupación pretende que el visitante olvide los esquemas y arquetipos artísticos tradicionales para hacer una lectura diferente y contemplar el arte desde otro punto de vista.

Los siete grupos mencionados que reclaman la atención de los artistas son los siguientes:

El ser humano y sus actos. Agrupa a aquellos artistas que tienen como principal interés a las personas, sus actos, sus consecuencias en el mundo real: temas sociales, las relaciones humanas, las escenas cotidianas, etc.

La expresión y el gesto. Este grupo de artistas se expresan directamente, sin demasiados planteamientos preestablecidos y en ellos lo esencial es la relación con su propia obra.

Las historias inventadas. Consiste en la narración, la insinuación o la recuperación de cuentos, mitos, símbolos, personajes o animales ficticios.

La ambigüedad. Estos artistas expresan en sus obras el doble sentido, la sugerencia visual, la sutileza, la mezcla de mensajes artísticos o ven el arte como una herramienta para expresar ideas abstractas.

Las preguntas y las respuestas. En estas obras los artistas se realizan preguntas sobre la condición del ser humano, cual es su papel en el mundo, intentan profundizar en las personas, procuran hablar de las cosas reservadas y encubiertas de las mismas.

Los artefactos. Se trata de artistas que tienen como inclinación principal la construcción de objetos artísticos que afecten e intenten modificar la manera de ver el arte.

Los espacios. El interés de este grupo de artistas tiene que ver principalmente con los lugares, la naturaleza, los espacios urbanos e incluso con la creación o construcción de nuevos parajes reales o inventados..

 

 Documentación asociada a la exposición

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Conferencias

 

 

Orlan

Conferencia de Orlan (Auditorio)

28/06/2002

Participantes: Orlan, Olga Guinot, Juan Antonio Ramírez, Jesús Arpal

La artista Orlan realiza una revisión de toda su trayectoria artística.

Actividad relacionada con la exposición Orlan, 1964-2001. Retrospectiva

 

FOTOS VIDEO  EN PRENSA  

 

 

Engénero

Engénero: arquitectura ficción (Auditorio)

23/05/2002 > 24/05/2002

El seminario internacional ENGÉNERO: arquitectura ficción, está dirigido por Angel Borrego y contará con la participación de Eduardo Arroyo, Natalie Jeremijenko, Laura Kurgan, Francois Roche, Michael Webb y Mark Wigley, en ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo. ENGÉNERO aborda la arquitectura y la ciencia ficción (CF) desde los años sesenta, en los que ambas disciplinas experimentaron mutaciones gené(t/r)icas, infiltraciones de las nuevas relaciones de género. Como complemento de las jornadas teóricas, se programará los días 25 y 26 un ciclo de cine y vídeo.

 

FOLLETOEN PRENSAVIDEOS

 

Doreet Levitte: Melodrama

Conferencia de Doreet Levitte (Auditorio)

26/06/2002

Participante: Doreet Levitte

La comisaria de la exposición Melodrama realiza una revisión de la muestra de ARTIUM.

  FOTO VIDEO  

 

¿Nuevos sentimientos ante la pintura del paisaje?

06/06/2002

Ponente: Javier González de Durana

Conferencia sobre el paisajismo en la creación contemporánea.

VIDEO

 

 

Cine

 

 

Shoot, shoot, shoot nacimiento del cine de vanguardia brtiánico, 1966-76

07/11/2002 > 24/11/2002

ARTIUM presenta el cicle de proyecciones Shoot, shoot, shoot comisariado por Mark Webber, que explora el nacimiento del cine de vanguardia británico alrededor de la London Film-Maker's Co-operative (colectivo fundado en 1966). El ciclo es el resultado del trabajo de investigación de más de dos años y presenta muchas obras "perdidas" que no han sido vistas desde los años 70.

 

FOLLETOEN PRENSA

 

 

Inflamable

12/09/2002 > 22/09/2002

Programas dobles de cine y vídeo entre flamencos y modernos.

 

FOLLETOEN PRENSAVIDEO

 

 

ENGÉNERO: arquitectura ficción

23/05/2002 > 26/05/2002

El Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo, ARTIUM de Álava, presenta  Engénero, una propuesta que tratará de explicar la relación y la forma en que se han influido mutuamente la arquitectura y el cine. 

FOLLETOEN PRENSACARTEL

 

VIDEO

 

Actividades educativas

ACTIVIDADES MAYO-JUNIOPROGRAMA DE ACTIVIDADESPROGRAMAS ESCOLARES 2000-2003EN PRENSA

 

MINI ARTIUM¿QUEDAMOS EN ARTIUM?AVENTURAS PARA TODOS

 

Actividades biblioteca

I ENCUENTROS DE CENTROS DE DOCUMENTACIÓN DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Experiencias y nuevos proyectos en las bibliotecas y centros de documentación de arte contemporáneo

22/10/2002 > 23/10/2002

Los centros de documentación de arte, han evolucionado en consonancia con las exigencias de información de la sociedad, convirtiéndose en instituciones vivas y dinámicas que utilizan las tecnologías de la comunicación como vehículo fundamental para dar a conocer el centro, sus servicios y su colección.

Así mismo, el centro de documentación es una herramienta básica de apoyo a las tareas y actividades que se llevan a cabo en el museo, sin olvidar las necesidades del público en general y de los investigadores externos, promoviendo el estudio de la producción artística y el valor cultural de la museología y del arte.

En este contexto, estos encuentros pretender ser un foro para analizar el papel de los centros de documentación en relación con las funciones del museo y, asimismo, favorecer programas de cooperación entre dichas instituciones.

 

 FOLLETO  EN PRENSA

VIDEOSFOTOS

 

ArtFutura 02

31/10/2002 > 15/11/2002

Presentación de las principales tendencias del arte digital desarrollado durante el último año: animación por ordenador, arte multimedia, videojuegos, creación en la red, net.art. Simultáneamente a la celebración de las actividades principales de ArtFutura en Barcelona, el Museo de las Ciencias Príncipe Felipe de Valencia y el Artium de Vitoria presentarán una selección de la sección de proyecciones del festival. Los asistentes a estos centros podrán ver los programas artFutura show 2002 e Infografía en España 2002, así como el monográfico sobre la historia del festival artFutura: doce años.
 

EN PRENSAWEB

 

Espacio Acción

 

 

 

La Ribot. Still Distinguished

17/56/2002 > 18/05/2002

La Ribot (Madrid, 1962) artista, bailarina y coreógrafa. Su actuación en ARTIUM es la primera realizada en el contexto de un museo de arte contemporáneo, tras su experiencia en la Galería Soeldad Lorenzo de Madrid. Su instalación de vídeo Despliegue (2001) forma parte de la Colección del Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

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