2003

 

 

 

Exposiciones

 

 

Rafael Canogar en los fondos de ARTIUM

06/02/2003 > 30/03/2003

 

Artista: Rafael Canogar

Testimonio de la obra de Rafael Canogar presente en la colección de ARTIUM que recoge alguno de sus trabajos de entre 1966 y 1976.

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Joan Miró. Litografías

21/01/2003 > 06/04/2003 (Sala Sur, Vestíbulo)

Artista: Joan Miró

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Con motivo de la instalación del Mural de Joan Miró en el vestíbulo del Museo, ARTIUM expone la pintura Femme dans la nuit de Miró de1974 la cual se contextualiza con la edición completa de las litografías Homenaje a Joan Prats de 1971.

 

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La obra de Charles y Ray Eames. Un legado de invención

22/01/2003 > 11/05/2003 (Sala Norte)

 

Comisario: Donald Albrecht

Artistas: Charles and Ray Eames

[Consultar documentación]

Charles y Ray Eames se encuentran entre los diseñadores americanos más importantes del siglo XX. Aunque conocidos por sus innovadoras aportaciones estéticas y tecnológicas en el diseño de mobiliario, su obra fue más amplia y abarcó otros muchos ámbitos. A lo largo de tres décadas, sus trabajos en arquitectura, mobiliario, diseño industrial o filmografía demostraron a la sociedad del momento cómo un buen diseño podía contribuir a crear un entorno más agradable.

Charles Eames afirmó que:“Identificar la necesidad es condición indispensable para la práctica del diseño” y esta idea fue la que motivó a este matrimonio americano a trabajar para resolver las necesidades humanas de espacio, confort y conocimiento. Esta filosofía les llevó a revolucionar los principios del diseño existente pues lograron producir mobiliario económico pero de alta calidad, y realizar espacios bien diseñados para vivir y trabajar. Otra parte importante de su legado, la relacionada con la fotografía y la filmografía, y que tiene un espíritu más intelectual y didáctico, pretendió ayudar a la gente a captar la belleza en la vida cotidiana, facilitar a los americanos y a otras culturas el conocimiento mutuo, y hacer más accesible la información relativa a la ciencia y a la tecnología.

Charles Eames (1907-78) estudió arquitectura y diseño en la Cranbrook Academy of Art de Michigan, donde también ejerció como profesor. En una primera etapa colaboró con el también arquitecto y artista Eero Saarinen. Ray Eames (1912-88) tras recibir formación artística y ejercer como pintora, faceta que influyó en sus posteriores trabajos de diseño, estudió también en la Cranbrook Academy of Art. Se casaron en 1941 y durante más de treinta años fueron sin duda una de las parejas de diseñadores más creativas y productivas del siglo XX.

El volumen de su legado es enorme y diverso por lo que la exposición se presenta dividida en varios apartados:

Mobiliario. La clave del éxito de los diseños de los Eames se basó en la flexibilidad y la versatilidad de sus muebles. Tanto en el ámbito doméstico, como en aeropuertos, escuelas u oficinas, el mobiliario que diseñaron para estos lugares consiguió formas que se adaptaran a la anatomía humana usando para ello nuevos materiales y técnicas de fabricación, que además aportaban calidad y buenos precios para el consumidor.  Destacan los cuatro grupos de sillas que crearon para la empresa Hermann Miller para las que utilizaron madera estratificada, plástico reforzado con fibra de vidrio, malla de alambre y aluminio fundido.

Espacio. Los Eames diseñaron su propia casa – la Case Study House Nº 8 -, construida en acero y cristal y elementos de construcción estándares, pensando en crear un modelo de diseño económico, moderno y de “hágalo-usted-mismo”. Sin embargo, la estética resultante de la casa se convirtió en un modelo precursor de la arquitectura high tech de los años 70. El “desorden ordenado” del interior que combinaba lo artesanal con lo nuevo, lo caro con lo humilde, y lo exótico con lo familiar, se convirtió en la marca personal de los Eames.

En 1943 y siguiendo sus propias premisas diseñaron su estudio en un antiguo garaje de coches situado en una zona industrial de Los Angeles. Después de este trabajo se alejaron de la práctica de la arquitectura aunque aplicaron los mismos principios en el diseño de juguetes y crearon películas y diaporamas con fines didácticos explorando este tema.

Belleza. Interesados en el papel educativo que podían tener los objetos cotidianos, los Eames desarrollaron una serie de proyectos para contribuir a que la gente encontrara la belleza en lo más común. Para ello, crearon diaporamas que abarcaban una amplia variedad de temas como ferrocarriles, marinas, carreras de coches, o decorados cinematográficos, que luego mostraban a escolares, empresas y otros públicos. Llegaron a recopilar más de 350.000 diapositivas reunidas en viajes o excursiones alrededor de Los Angeles.

Cultura. Una parte muy importante del legado de los Eames son las películas y documentales. A través de proyectos como Glimpses of the USA, retrataron los valores de la posguerra americana, el estilo de vida, la historia y otros aspectos no sólo para que el público americano supiera más sobre sí mismo, sino para que el público extranjero entendiera también mejor esta cultura. Este tipo de trabajo convirtió al matrimonio Eames en embajadores culturales dentro y fuera de su propio país.

Ciencia. Más de sesenta películas, numerosas exposiciones y libros fueron producidos por los Eames para difundir los beneficios sociales que puede aportar la ciencia, y ayudar a la gente a comprender el potencial de las nuevas tecnologías. Con este objetivo, empresas como Boeing, Polaroid, Westinghouse o IBM formaron parte de su lista de clientes para los que desarrollaron proyectos específicos.

Esta exposición ha sido organizada por The Library of Congress de Washington D.C. en colaboración con el Vitra Design Museum .

 

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Ángel Borrego: Exposición vigilada II

20/02/2003 > 18/05/2003 (Sala Este Alta)

Artista: Ángel Borrego

Actividades relacionadas con la exposición: Conversaciones con...,

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Actualmente en Euskadi numerosas personas sienten su vida en constante amenaza por razones ideológicas. Esta situación de peligro condiciona completamente su existencia entre otras cosas por la continua presencia de alguien que vela por su seguridad: el escolta. El análisis y la reflexión sobre la libertad vigilada, sobre las asfixiantes y controladas seguridad e inseguridad, sobre la incomunicabilidad del sufrimiento, es el punto de partida de Exposición Vigilada II, de Angel Borrego .

La muestra comprende una video instalación principal, P.O.M. 1 (Peace O´ Mind)* y otra secundaria, P.O.M. 2. La instalación principal recrea la posición de una persona vigilada por las calles de Vitoria-Gasteiz. En dos pantallas paralelas se simultanean dos proyecciones sincronizadas que muestran perspectivas diferentes: la de un escolta que dirige el trayecto y protege al supuesto vigilado por delante, y la de otro que vigila siempre por detrás. El contexto urbano se interrumpe a veces por otro escenario desnudo y sin referencias pero fácilmente identificable: las salas vacías del propio museo.

Las dos pantallas enfrentadas, en tamaño natural, el punto de vista fijo, y la narrativa muy lineal, hacen de la instalación un retrato “realista” de una situación cotidiana y a la vez extraña para muchas personas. Los objetos y el medio familiar se vuelven ajenos por la sensación de peligro. El espectador se convierte por unos minutos en el protagonista de la pieza situándose en el lugar de la persona vigilada. El efecto es envolvente: el visitante en la piel del vigilado puede sentir la inquietante y contradictoria sensación de ser acosado a la vez que protegido. Como si de una orquestada coreografía se tratara, los dos cuerpos vigilantes flanquean al espectador en la ciudad y en el museo, para por un lado liberarle del supuesto peligro que acecha, pero, por otro, limitarle su libertad de movimientos. La instalación se convierte en una antideriva situacionista* que cuestiona relaciones asumidas entre espacio y vida.

Exposición vigilada II se completa con una instalación secundaria (P.O.M. 2) que incluye de nuevo dos grabaciones simultáneas, esta vez de los dos escoltas esperando en una sala del propio museo que casi podría ser la misma en la que se encuentra el espectador. El lugar del arte se convierte ahora en un sitio peligroso, amenazante. O bien el propio espacio ha pasado a estar en un lugar amenazado, en peligro, necesitado de cuidados. La escena tiene la tensión de la espera de un suceso que nunca llega en el tiempo.

La vigilancia y los sistemas de control y sus relaciones con el espacio, los problemas de la comunicación del sufrimiento son asuntos ya abordados con anterioridad en la obra de Angel Borrego. Índices de Vigilancia, Work Games, Persecución y Casa para un Espía son algunos de los proyectos donde Borrego ha profundizado en estas cuestiones.

* Las siglas P.O.M. hacen referencia al eslogan de una campaña publicitaria de venta de refugios atómicos unifamiliares que utilizó la expresión anglosajona Peace O’ Mind [quédese tranquilo] y que fué criticada por la Internacional Situacionista. El artista lo relaciona con el estribillo de amenaza de muerte “PIM, PAM, PUM...”, coreado en manifestaciones violentas, y mezcla el significado de las políticas de aislamiento de ambos momentos.

* El Movimiento Situacionista se desarrolló entre 1957 hasta 1972 y agrupó a artistas, críticos y activististas constituidos en la Internacional Situacionista que se cuestionaba el papel del hombre y la cultura en la sociedad de consumo occidental de la postguerra. Textos teóricos, posters, películas, o propuestas arquitectónicas y urbanas sirvieron para poner en debate el arte, la arquitectura, el espacio público, la política y la sociedad en general. Todo ello supuso un elemento catalizador de los acontecimientos de mayo del 68.

 

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Adquisiciones recientes, 2001-2002

05/02/2003 > 25/05/2003 (Sala Este Baja)

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La exposición Adquisiciones recientes, 2001-2002 muestra una selección de las compras que ARTIUM de Álava ha realizado durante estos dos últimos años. Han sido más de 120 obras las que han ingresado mediante compra en galerías, ferias o subastas en los fondos del Centro-Museo; aunque si tenemos en cuenta los depósitos, donaciones y daciones se alcanza un número cercano a las 200 piezas que han pasado a engrosar los ya de por sí ricos fondos del museo.

Este fluir de obras refleja la ingente actividad realizada por ARTIUM, que paralelamente a su labor divulgadora y educadora, tiene el compromiso de ir completando y dando forma al gran cuerpo de colección que alberga e interpreta el interés y quehacer de nuestros artistas y, por lo tanto, el devenir de una sociedad, de sus preocupaciones y sus sueños desde los comienzos del siglo XX hasta la actualidad.

Muchas de las piezas adquiridas ya han sido contempladas por el público desde la apertura del museo en las dos exposiciones de la Colección Permanente que se han hecho hasta ahora y en exposiciones temporales como Tan Cerca…tan lejos. Pintura en España y Alemania, 1945-1960. Así pues la presente exposición se centra principalmente en mostrar las adquisiciones de obras recientes, que son las que nos hacen sentir el pulso de lo que está ocurriendo a nuestro alrededor y las que expresan la variedad de aspectos y temas sobre los que reflexionan los artistas actuales.

La obra de Antoni Muntadas o la de Fernando Illana ponen de manifiesto el interés del arte de hoy por los temas sociales; por su parte Magi Cardelús o Mira Bernabeu vuelven la mirada hacia su mundo personal para indagar en aspectos de introspección. Otro recurso habitual en la creación contemporánea es la ironía y el sarcasmo expresados en la fotografía de Valentín Vallhonrat; o las nuevas actitudes ante el arte mismo que interesan a artistas como Alicia Framis o Luis Candaudap. Del mismo modo, es evidente en la exposición la diversidad de técnicas utilizadas en la creación actual, diversidad que nos desvela los múltiples caminos que pueden seguir el arte y los artistas. Fieles a la pintura encontramos a Andrés Nagel o Gonzalo Sicre junto con otros que echan mano de las nuevas tecnologías para llevar a cabo su obra como en el caso de Antoni Abad [+], la Ribot o Pepo Salazar. En fin, un conjunto de más de 30 obras que no son más que un abanico de inquietudes realizado por nuestros artistas en Vitoria-Gasteiz, en Bilbao, en Madrid, en Nueva York, en Berlín o en otros muchos lugares.

 

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Exposición de cámara: Vicente Ameztoy

25/04/2003 > 31/08/2003 (Sala Sur)

Artista: Vicente Ameztoy

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia

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Esta muestra se enmarca en la serie de Exposiciones de Cámara organizadas por ARTIUM de Álava, que tratan de poner en su contexto obras de artistas existentes en los fondos de colección del museo. En esta ocasión son objeto de la muestra las dos piezas de Vicente Ameztoy: el óleo conocido como La Familia y un dibujo a tinta, ambos de 1975.

Para contextualizar las obras mencionadas y apreciar la actividad y trayectoria artística de Ameztoy en estos años, se han reunido en esta exposición otras dieciséis obras más realizadas durante la misma década. La mayoría de estas piezas, pertenecientes a diferentes coleccionistas públicos y privados, se han visto públicamente en contadas ocasiones, lo que añade un mayor interés a la muestra.

Podría decirse que Vicente Ameztoy (Donostia, 1946-2001) nació con el pincel en las manos ya que se inició en el arte siendo un niño. A los cinco años pintó su primer cuadro y con solo catorce realizó su primera exposición. Aunque asistió a clases de pintura para ingresar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde permaneció poco tiempo, su formación artística fue prácticamente autodidacta. Además de la pintura, hizo incursiones en el mundo de la escenografía y del diseño.

Considerado como el surrealista vasco más relevante, posee una obra llena de poética ambigüedad y de original imaginación, de factura precisa y muy dibujada, con una destacada presencia de paisajes y gentes vascas en los que se produce una metamorfosis en clave onírica, donde se funde y confunde lo humano con lo vegetal y lo real con lo fantástico. La influencia del surrealista belga René Magritte y del artista italiano del siglo XVI, Archimboldo, es evidente en muchas de sus obras.

Los años de los que se ocupa la exposición 1970-1978 muestran un momento artístico de Ameztoy dominado por un gran protagonismo de la naturaleza y de su propia familia. Las figuras se recortan, vacían y llenan de nubes a la manera de Magritte como en La Familia; o bien se metamorfosean en cuerpos vegetales de gran espesor y frondosidad, como en el tríptico de 1977 en el que aparecen cinco personajes plagados de verduras, hierbas, ramas y otros elementos naturales. A pesar de que la vegetación disfraza de manera abigarrada algunos de los personajes retratados, este verde disfraz no impide que se desnude la propia naturaleza humana como en sus autorretratos, o los retratos de Virginia, su mujer.

Los personajes irreales, la explícita naturaleza vasca, donde reina el silencio y donde parece que el tiempo se ha detenido, crean una atmósfera de ensoñación atemporal, inquietante, y de sugerente belleza, muy característica en la personal obra de Ameztoy.

Agradecimientos a Virginia Montenegro y a Virginia Ameztoy, así como a todos los coleccionistas públicos y privados que han colaborado en la exposición.

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INVITACIÓNPUBLICACIÓN ARTIUMVÍDEODOSSIER ELABORADO POR LA BIBLIOTECA ARTIUM

 

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Javier Pérez

29/05/2003 > 14/09/2003 (Sala Norte)

Artista: Javier Pérez

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La exposición de Javier Pérez (Bilbao, 1968) que se presenta en ARTIUM de Álava tras su paso por el Carré D´Art en Nimes (Francia), muestra una revisión de la trayectoria artística desde 1994 hasta la actualidad de uno de nuestros artistas jóvenes con más proyección internacional.

El trabajo de Javier Pérez se puede inscribir dentro del grupo de artistas cuya obra está ligada al cuerpo, y más particularmente a su propio cuerpo, protagonista de un gran número de obras, y que considera como un espacio que habitamos por un tiempo y con el que nos prolongamos hacia el exterior. Sus esculturas, instalaciones, dibujos y vídeos hacen referencia a cuestiones como la inestabilidad, la ambigüedad, la ligereza, lo efímero o la fragilidad de la vida misma, y para ello a veces utiliza materiales como el humo, el cristal, la porcelana o el espejo, y otras, materiales orgánicos como crines de caballo, pan o incluso crisálidas de gusanos de seda.

Se podría decir que la exposición comienza en el vestíbulo del museo con Un pedazo de cielo cristalizado, pieza que forma parte de la colección permanente de ARTIUM y que con su inmensidad, la ligereza de sus lágrimas de cristal y su particular sonido, da la bienvenida a los visitantes. Esta obra se relaciona en cierta manera con la pieza que abre el conjunto de la exposición, Cúmulo, una gran escultura de poliéster cuya forma y sensación de ingravidez puede recordar a una gran nube de verano.

El intrigante mundo de la máscara, objeto del trabajo del artista entre 1995 y 1998, aparece en Máscara ceremonial y Reflejos de un viaje. El interés y la atracción de Pérez hacia los objetos etnográficos de este tipo se manifiesta en la primera, en la que se adivina entre largas crines de caballo las facciones de un rostro humano. Por su parte, en Reflejos de un viaje, aparece en una videoproyección un hombre cubierto con una máscara de espejo - expuesta en la sala - que pasea de noche por Praga. La ambigüedad de ese rostro anónimo bajo la brillante máscara, y el reflejo de esa bella ciudad deformada sobre el espejo, recrean una atmósfera misteriosa que se transforma en irreal y espectral a medida que el protagonista avanza en su paseo.

De producción reciente son El Baile de la soledad II y Un sueño largo en la que por medio de una cama alargada y de grandes dimensiones consigue un violento efecto de perspectiva que modifica la escala humana y proyecta a los visitantes a otro espacio. De gran sutileza es Capilares II en la que nuevamente utiliza crines de caballo para representar una columna vertical humana y la red de circulación sanguínea. La fragilidad del ser humano es abordada en la delicada Levitas. Sobre veintiuna burbujas de cristal se presentan las huellas de unos pies que andan sin tocar el suelo como si levitaran.

Una pieza particularmente atractiva por la textura del material con el que está realizada, es Anatomía del deseo. Sobre tres mesas iluminadas con lámparas fluorescentes que proyectan una fría luz de hospital se despliega un conjunto de objetos de apariencia orgánica, hechos en porcelana de Limoges, y que recuerdan a espermatozoides gigantes. Parece que el deseo sexual masculino hubiera sido congelado y estuviera a punto de ser diseccionado.

Varias videoproyecciones se suman al recorrido de la exposición. En un universo a medida (Métrica Mundis) un hombre desnudo lanza bolas al aire que flotan y se rompen contra el suelo. Este acto, percibido únicamente a través del sonido consigue mezclar lo onírico con lo real. 60 escalones (Perpetuum Mobile) recrea el mito de Sísifo castigado por los dioses a empujar una roca hasta la cima de una montaña para allí dejarla caer por su propio peso y volver a repetir infinitamente esta acción. Látigo,en la que nuevamente un personaje enmascarado se mueve con violencia en lo que a veces parece una danza ritual o una huida desesperada de sí mismo.

Un agujero en el techo y Tempus Fugit de gran espectacularidad, cierran la exposición. La primera de ellas recrea la alegoría de la escalera de Jacob por medio de veintiuna escaleras de cristal cuya fragilidad envuelve al visitante en un movimiento en espiral que tiene su final en la ventana situada en la parte superior de la sala. El ineludible y temido paso del tiempo se recrea en Tempus Fugit. Un reloj de arena roja rodeado por doce campanas de cristal que repican simultáneamente, nos recuerda la fugacidad de la vida. Como en gran parte de la obra de Javier Pérez, la belleza y la exquisitez de los materiales elegidos se contrapone sin tapujos a los interrogantes fundamentales del ser humano.

 

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La Basílica de Aranzazu

10/07/2003 > 14/09/2003 (Antesala)

Comisario: Javier Gonzáles de Durana

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La exposición Arquitectura y escultura en la Basílica de Aranzazu. Anteproyecto, proyecto y construcción (1950-55): los cambios (que acompaña la publicación del libro del mismo título dentro de la colección Apuntes de Estética ARTIUM), ilustra la transformación que sufrió el proyecto del templo franciscano desde el anteproyecto hasta su ejecución definitiva, en unos años clave en la evolución de la arquitectura y el arte en España. Libro y exposición documentan y explican los motivos de la evolución desde un anteproyecto realizado, en buena medida, bajo el lastre ideológico de la España autárquica hasta culminar en un edificio considerado como el arranque de la modernidad tras la guerra civil. La muestra contiene numerosos planos y maquetas que ilustran esa evolución, procedentes de los archivos familiares de los arquitectos Luis Laorga y Francisco Javier Sáenz Oiza, así como del convento franciscano de Aranzazu.

Arquitectura y escultura en la Basílica de Aranzazu narra “el complejo y difícil proceso de construcción” del templo y de su estatuaria, desde el momento en el que en 1950 dos jóvenes y por entonces desconocidos arquitectos madrileños, Luis Laorga y Francisco Javier Sáenz Oiza, ganan un concurso de anteproyectos para su construcción, hasta su inauguración en 1955. El anteproyecto presenta algunos toques de modernidad y bastantes referencias a la obra de Dominikus Böhn, arquitecto germano que en los años 20 y 30 inyectó en la arquitectura sacra de su país la fuerza y el dinamismo del expresionismo alemán. Sin embargo, lo cierto es que la basílica, tal y como se concluyó en 1955, era mucho más moderna que el anteproyecto de 1950 y el proyecto redactado en 1951. Esa transformación la convierte en un hito en la arquitectura y el arte de la posguerra, en el arranque de su modernización.

La razón de estas transformaciones se encuentran en el inicio de la ruptura del aislamiento del régimen de Franco tras el restablecimiento de las relaciones con Estados Unidos en 1949, apertura que, si no en lo político y lo social, sí tuvo efectos rápidos en el arte y la arquitectura. Es a partir de 1951 cuando las consignas de la Dirección General de Arquitectura se modifican; los cambios en la arquitectura española entre 1950 y 1953 son abismales, y es precisamente en ese período cuando Laorga y, en especial, Sáenz Oiza transforman sustancialmente su proyecto inicial, que ya estaba siendo construido.

Ambos arquitectos corrigen sobre la marcha todo lo que podía ser rectificado (no pudieron hacerlo con la planta tradicional de una nave con crucero y ábside, cuyos muros ya estaban siendo levantados). Para asombro de la comunidad franciscana, Oiza y Laorga introducen sucesivos cambios en el interior del templo (lucernario del altar mayor, arcos, pasillos laterales, bóveda, camarín de la Virgen), que queda completamente transformado. Los cambios en el exterior son también evidentes en el exterior (en la fachada desaparecen los arcos y se modifica completamente la estatuaria, se producen modificaciones en el campanil), en muchos casos por influencia de Jorge Oteiza. Los cambios en el exterior son también evidentes en el exterior (en la fachada desaparecen los arcos y se modifica completamente la estatuaria, se producen modificaciones en el campanil), en muchos casos por influencia de Jorge Oteiza.

La exposición muestra una sucesión de planos, bocetos y fotografías que ilustran las transformaciones operadas a lo largo de todo el proceso, las diferencias tanto en el exterior como en el interior entre los bocetos iniciales y el edificio finalmente construido, así como entre las propuestas iniciales de Jorge Oteiza y la obra escultórica final del artista guipuzcoano.

Vista de la fachada principal de la basílica y vista del interior, hacia los pies, donde se observa la radical transformación de la cubierta del techo y los muros laterales, recubiertos ahora por un paño curvo de madera en el que se insertan dos paralelos salientes en forma de sierra a la altura del pasillo perimetral, volando ligeramente sobre la nave.Los vanos verticales han desaparecido y se convierten en recintos de acceso cuadrado y piedra vista. En lo alto del muro recubierto por esta superficie de madera, donde empieza su curvatura para adaptarse al techo, sendas filas de ventanales cuadrados permiten el paso de la luz natural..

 

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Joan Fontcuberta. La isla de los Vascos

04/06/2003 > 05/10/2003 (Sala Este Alta)

Artista: Joan Fontcuberta

Actividades relacionadas con la exposición: Filmfórum, conferencias.

 

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La Isla de los Vascos, proyecto diseñado por Joan Fontcuberta para ARTIUM de Álava, hace referencia a una pequeña isla situada en el Estuario del río San Lorenzo, a 200 Km. al norte de la ciudad de Québec (Canadá). A partir del siglo XVI, la isla se convirtió en destino y base de operaciones de navegantes vascos dedicados a la captura de la ballena y a su posterior comercialización.

La Isla de los Vascos se presenta bajo la apariencia de una exposición histórica o etnográfica cuyo objetivo es revisar críticamente la función y la estética documental, y debatir las condiciones que sustentan su credibilidad. Simultáneamente, el proyecto pretende también relatar y recordar ciertos pasajes de la historia vasca pocos conocidos por el público.

El visitante es trasladado a lugares y tiempos remotos mediante un despliegue museográfico de carácter clásico que recrea el contexto de una expedición ilustrada con objetos arqueológicos, mapas y grabados, maquetas, y el esqueleto completo de una ballena. Además de ofrecer información sobre el tema, esta escenográfica ambientación pone de manifiesto cómo los objetos expuestos en el museo se magnifican y casi sacralizan para ser percibidos por el público como verdaderos símbolos del pasado vasco. Como prólogo de este espacio y clave fundamental para entender el proyecto, se exhibe una selección de trabajos fotográficos del artista, de carácter pseudo-documental, y con una fuerte carga irónica, que abarcan diferentes disciplinas científicas como la zoología o la antropología. La ambigüedad y el tono paródico de estos trabajos pretenden despertar la duda del visitante sobre la veracidad y la autenticidad de la Isla de los Vascos.

El polifacético Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) es, además de artista, comisario de exposiciones, escritor y docente. Su obra se caracteriza por su espíritu crítico e irónico, y su radicalidad al indagar en la naturaleza del documento fotográfico y los límites de su lenguaje. Revestido - como él mismo dice - de una aureola de artista falsificador, su estilo no se basa en reproducir con su cámara unos rasgos formales sino en la voluntad de hacernos dudar sobre lo que es y lo que puede llegar a ser la fotografía.

Aunque la fotografía es la forma de expresión que cuenta con mayor tradición para reflejar la realidad, Fontcuberta cuestiona esta idea y expresa a través de su obra que el contexto sociocultural influye de manera determinante en la lectura que se hace de las imágenes. En series pasadas como Herbarium, Fauna o Moby Dick, parodia y pone en duda el rigor y la autoridad científica de disciplinas incuestionables como la botánica o la zoología a través de fotografías de gran realismo manipuladas por él mismo. La trayectoria artística de Fontcuberta conecta con el Surrealismo –del que recoge todo su lado crítico e irónico–, y con el arte conceptual –con el que se identifica en su lado analítico, frío y cerebral–.

Disciplinas como la zoología, la botánica, la astronomía o la historia se encubren o distorsionan en la cámara de Joan Fontcuberta para finalmente desnudarse y quedar despojadas de su credibilidad y valor. En las manos de este prestidigitador de las imágenes nada es lo que parece ¿lo será la Isla de los Vascos?

 

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Luis Gordillo en los Fondos de Artium

11/09/2003 > 19/10/2003 (Sala Sur)

Artista: Luis Gordillo

 

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ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta Luis Gordillo en los fondos de ARTIUM (Sala Sur, hasta el 19 de octubre), exposición en la que se muestran las obras del artista sevillano que forman parte de la Colección propia del museo. Dos pinturas de la década de los 70 así como una pintura y una serie completa de litografías de los 90 permitirán constatar la permanente evolución de la obra de Gordillo, una de las características más acusadas de su trayectoria.

Considerado uno de los renovadores de la pintura española en los 70, sus obras van desde la figuración con clara influencia del pop de esa década hasta la abstracción presente en su obra más reciente.

Las obras de Luis Gordillo presentes en la Colección propia de ARTIUM de Álava pertenecen a dos períodos muy diferentes en la trayectoria del artista sevillano. Fumando dúplex más espacio abierto y Sedimentación-Estructuración C son dos pinturas realizadas entre 1975 y 1976 que presentan las características más frecuentes en la obra de Gordillo de los años setenta, es decir, la repetición, la duplicidad, el carácter narrativo, la distorsión, la utilización de colores fríos y el empleo de imágenes de los medios de comunicación.Los dos cuadros presentan composiciones compartimentadas en las que se duplica el motivo, presentado en una versión "a color" y otra "en blanco y negro".

Por otro lado, la pintura Tropical y complementos y la serie de 12 litografías Celulario son obras pertenecientes a la década de los 90 (1992 y 1995 respectivamente) donde se aprecia la orientación de Luis Gordillo hacia la abstracción en los últimos años. Ambas obras, composiciones abstractas, hacen referencia al mundo orgánico celular. Las líneas, las formas y las manchas evocan mundos de laboratorio, biología celular o tejidos orgánicos. El movimiento y el aparente caos están sometidos, sin embargo, a un orden geométrico estricto.

Luis Gordillo ocupa un lugar especial en la pintura española contemporánea. Después de viajar a París en 1958, sus obras reciben inicialmente la influencia del informalismo europeo para evolucionar, a finales de los sesenta, hacia una figuración distorsionada con influencias del pop americano. Desde entonces, su obra se ha caracterizado por una constante evolución, por la renovación y por un permanente intento de reinventar la pintura.

Si en los 70 Gordillo presentaba una actitud crítica, con un tono irónico, hacia la sociedad del momento, con el dibujo y la fotografía como elementos de trabajo, en los ochenta el color asume el protagonismo absoluto. Su obra actual, más abstracta, hace constantes referencias al cuerpo humano, a su interior oculto, a las partes que sólo pueden ser vistas a través de instrumentos médicos o de laboratorio

 

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Perejaume: Retrotábula

25/06/2003 > 26/10/2003 (Sala Este Baja)

 

Comisarios: Iván Bercedo, Jorge Mestre

Artista: Perejaume

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Retrotabula es el título de la exposición conjunta concebida por el artista catalán Perejaume (San Pol de Mar, 1957) para desarrollarse en tiempos diferentes y lugares distantes. Definido por él mismo como un “retablo territorial”, el proyecto se entiende como una obra extensa, inabarcable en una sola mirada, pero que busca de manera metafórica sincronizar espacios y momentos diversos, que quedarán unidos en una publicación final. Como una gran red que se extiende en el espacio y en el tiempo, Retrotabula trata de desdibujar las barreras físicas del museo para propiciar un encuentro artístico más allá de las fronteras geográficas.

Para cada uno de los puntos de este gran mapa expositivo – ARTIUM, Centro Jose Guerrero de Granada, Maison D´Erasme de Bruselas y una cofradía de pescadores, en San Pol de Mar -, Perejaume ha ideado una propuesta con un carácter y formato diferentes, y es en ARTIUM, donde se lleva a cabo la exposición de mayor envergadura.

La génesis del proyecto en Vitoria parte de una reflexión sobre los límites existentes entre un museo y un entorno natural, concretamente entre ARTIUM y el monte alavés Orixol. Para desdibujar y traspasar la frontera imaginaria entre estos dos contextos, distintos pero no incompatibles, el artista los desplaza, conecta e interrelaciona a través de una intervención artística en el monte, que posteriormente queda materializada en el museo con la potente presencia de una gran pieza escultórica: Cambra-Cambrils. Esta obra, que invade el espacio de la Sala Este-Alta de ARTIUM, presenta la forma de un inmenso muro cilíndrico de madera cuya cara inferior se adapta al abrupto perfil topográfico de una de las cimas del monte Orixol.

Para la consecución del proyecto, el artista midió in situ el perfil de la cima, y tras construirse la pieza en un taller, se colocó en el monte. El momento culminante de la intervención, cuando la pieza artística y la cima quedan unidas, fue registrado fotográficamente para después presentarse en el museo. Una vez conectados monte y pieza, es decir naturaleza y arte, la gran corona fue finalmente trasladada a ARTIUM para su exposición. Retrotabula se completa, además, con una selección de casi sesenta piezas más, entre pinturas, dibujos, fotografías, y esculturas. Obras como Cambra, Museografía, Els retaules o Arts ciutadanes, nos hablan metafóricamente de los límites del museo, de la naturaleza invadida por la intervención cultural del hombre, o del género de la pintura en sí mismo – que para él no es sólo un medio sino un tema-.

Pero ¿cómo pueden llegar a parecerse un lugar y una pintura? Podría ser este el punto de partida para comprender el universo artístico de Perejaume, articulado en torno a la relación entre tres niveles: la representación, el mundo y el espectador. El artista, en constante búsqueda de nuevos lenguajes, realiza un viaje hacia el fondo del hombre y su relación con la naturaleza. De este modo, pone en crisis que la memoria o el conocimiento de los lugares pueda atraparse o sustituirse por la representación pictórica – es decir, por el género del paisaje -, empeño de numerosos artistas en el pasado. A través de interesantes escritos teóricos y de una serie de variaciones analíticas sobre el paisaje, Perejaume contribuye a redefinir lo que es el paisajismo, planteando una mirada nueva. Desde la pintura, la fotografía, el vídeo o la acción, sin olvidar por supuesto la escritura – clave fundamental para entender su obra -, Perejaume cuestiona los límites de la representación, del formato y los géneros artísticos, del lenguaje, o del propio espacio museístico, para llegar incluso a acuñar nuevos términos como despintura, desescultura, oísmo, o pesebrismo. Como resultado, se revela una obra poética y sugerente, a veces lúdica e irónica, que difiere conceptualmente de los referentes artísticos a los que se le podría vincular, como la tradición romántica paisajista del siglo XIX, la vanguardia histórica catalana, o el Land Art.

Descubrir Retrotabula es percibir una nueva dimensión del paisaje; es sentir que la palabra, la imagen, y nuestra propia mirada cobran un sentido diferente.

Volved a poner en la tierra el oro, esparcid en la montaña el bronce, el mármol y el marfil, a fin de que representen aquello que ahora más nos falta: el lugar de donde salieron.

De La pintura i la boca, Perejaume.

 

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Bodegas Baigorri. Arquitectura y enología

25/09/2003 > 30/11/2003 (Antesala)

 

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ARTIUM de Álava, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición Bodegas Baigorri. Arquitectura y enología (Antesala del museo, desde el 25 de septiembre al 30 de noviembre), una muestra que explica el singular diseño del arquitecto Iñaki Aspiazu con el apoyo de una selección de fotografías realizadas por Aitor Ortiz. El nuevo complejo de Bodegas Baigorri en Samaniego se desarrolla en su mayor parte, al igual que el propio museo ARTIUM, bajo la superficie, integrándose con el paisaje e insinuándose tan sólo en el exterior mediante una caja de cristal. Una vez dentro, la gravedad gobierna la actividad de la bodega, mientras la espacialidad y el vértigo se apoderan del visitante. Por otra parte, las fotografías de Aitor Ortiz, uno de los jóvenes fotógrafos vascos de mayor proyección internacional, contribuyen a realzar la monumentalidad y singularidad del edificio. Bodegas Baigorri. Arquitectura y Enología es la primera de una serie de exposiciones sobre arquitecturas singulares en la Rioja Alavesa que tiene previsto organizar ARTIUM de Álava. Esta exposición cuenta con el patrocinio de la Diputación Foral de Álava y del Departamento de Agricultura del Gobierno Vasco.

Bodegas Baigorri es fruto de un dilatado período de estudio y elaboración del proyecto entre el promotor de la bodega, Jesús Baigorri y el arquitecto Iñaki Aspiazu. El elemento fundamental que ha determinado la configuración arquitectónica de la bodega es la gravedad, que aparece como principal aliada para evitar el uso de maquinaria, especialmente en el tratamiento de la uva. La integración de la arquitectura en el paisaje es otro de los puntos clave en la morfología de la bodega. Construido bajo el terreno, el edificio se adapta a la orografía del lugar y tan sólo insinúa en el exterior: la arquitectura adopta una posición sumisa y de respeto al medio donde se enclava.

El visitante accede a la bodega a través de una caja de cristal vacía, desde la que puede contemplar en toda su extensión los viñedos que circundan el complejo. Ya bajo tierra, las diferentes labores propias de la bodega se organizan en distintos niveles, en una disposición que, además de funcional, resulta enormemente didáctica respecto al proceso de elaboración del vino. Los distintos niveles quedan unidos por unas rampas que dan continuidad al espacio y evitan las barreras arquitectónicas, además de permitir descubrir y apreciar la arquitectura en todo su conjunto y ayudar a entender el proceso productivo de manera dinámica. Junto a la nave de barricas, un espacio abovedado acoge la sede social de la bodega, desde la que se obtiene una vista simultánea del entorno y las barricas.

La exposición incluye varios planos del edificio, una serie de fotos del interior de Aitor Ortiz, una maqueta de la bodega y otros materiales, a través de los cuales se puede apreciar un edificio singular donde los detalles constructivos pierden protagonismo para ser herramientas esenciales al servicio de un sistema de elaboración racional.

El proyecto de Iñaki Aspiazu se desarrolla en un contexto en el que bodegas de diferentes zonas vinícolas, en especial en el área de la Denominación de Origen Rioja, han apostado por dotar a sus centros de producción de arquitecturas singulares. Tal es el caso de Bodegas Marqués del Riscal (Frank Ghery), Bodegas Ysius (Santiago Calatrava), Rafael Moneo (Bodegas Chivite), Jesús Manzanares (Bodegas Enate y Álvaro Palacios), por citar algunos casos.

Iñaki Aspiazu nació en Bergara en 1955, aunque desarrolla su labor profesional en su estudio de Vitoria-Gasteiz. El proyecto realizado para Bodegas Baigorri es uno de sus más destacados trabajos, si bien Aspiazu ha obtenido reconocimiento por proyectos tan conocidos como el Palacio de Justicia de Vitoria-Gasteiz (1990), la Facultad de Filología, Geografía e Historia de la UPV en el Campus de Álava (1987), o, dentro ya del mundo del vino, la torre de Bodegas Muga en Haro (1998).

Pero además, este polifacético arquitecto es autor de numerosos proyectos de urbanización y rehabilitación; entre éstos últimos el del Archivo Municipal de Vitoria-Gasteiz (1986), del Museo de la Madera de Zegama (2002) y, singularmente, de dos hórreos históricos en Bergara e Iurreta (1983 y 86). Iñaki Aspiazu fue además el autor del proyecto ganador del concurso oficial para la reordenación de la antigua ronda de circunvalación de la capital alavesa (1990), proyecto que finalmente nose llevó a cabo. Finalmente, ha sido galardonado en dos ocasiones (1985 y 89) con el Premio Olaguíbel de la delegación de Álava del COAVN.

Por su parte, Aitor Ortiz, nacido en Bilbao en 1971, es uno de los jóvenes fotógrafos vascos de mayor proyección internacional. Ganador del Premio ABC de Fotografía en 2002, del Gran Premio de la XXI Bienal de Alejandría en 2001 o de una mención especial como Fotógrafo Revelación en el certamen PhotoEspaña '00, Ortiz ha alcanzado un reconocido prestigio como fotógrafo de arquitecturas de diversa índole. En su faceta más creativa, sus obras buscan la descontextualización, la pérdida de la escala y las referencias, del espacio arquitectónico, descomponiendo y reconstruyendo las imágenes.

Por otro lado, Aitor Ortiz ha realizado trabajos como las imágenes del libro Álava, nuestro patrimonio, editado por la Diputación Foral de Álava (2002), o la colección de fotografías sobre la construcción del Museo Guggenheim Bilbao (1995). Su obra forma parte de las colecciones de ARTIUM de Álava, Guggenheim Bilbao, IVAM o Museo Internacional de Electrografía de Cuenca, entre otros centros. Aitor Ortiz ha expuesto su obra en Madrid, Barcelona Munich, Colonia, China o Alejandría.

 

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Universalia 2003: La aventura de la Ciencia en la Biología

24/10/2003 > 17/01/2004 (Sala Este Alta)

 

Artistas: Paloma Navares, Juan Luis Moraza y Joan Fontcuberta

  

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Por una parte, esta exposición nos mostrará el avance que la investigación genética ha experimentado en los últimos cincuenta años, colocándonos a todos, científicos y ciudadanos, frente a un porvenir que plantea retos y preguntas sobre el proceso evolutivo pasado y futuro de la humanidad, y claros y oscuros sobre las ciencias de la vida. Así, podremos tener la ocasión de comprobar cómo nuestro conocimiento actual del código genético nos permite acceder a él, "leerlo", e incluso nos capacita para manipular "frases enteras" del mismo, reescribiéndolo a nuestra voluntad. Este acercamiento será posible viendo y experimentando sobre los módulos diseñados bajo la dirección de grandes investigadores especialistas en esta materia, como Ginés Morata, Aurora Sánchez Sousa y otros.

Ningún aspecto humano, por muy técnico que sea, ha resultado nunca ajeno a la consideración de las Artes. Cada época se ha caracterizado por su propia modernidad, y el arte siempre ha desempeñado un papel notarial de los tiempos, a veces el único que ha reflejado para el futuro los avatares de cada época. Sin embargo, no se ha limitado nunca a ser solamente registro plástico de la sociedad del momento. Además ha querido ser un factor generador de puntos de vista no considerados comúnmente, permitiendo el saludable contrapunto de la transversalidad, a través de la reflexión crítica, la provocación intelectual y la pura y desmitificadora diversión implícitas en la obra artística. En sintonía con este planteamiento y sobre la base de las ciencias de la vida, Paloma Navares, Juan Luis Moraza y Joan Fontcuberta expondrán sus trabajos, a modo de propuesta personal, y realizados de modo expreso para Universalia 2003.

Lo que se pretende en Artium es precisamente destacar el contrapunto de la apreciación e interpretación frente al saber científico, al hacer convivir importantes obras fruto de la sensibilidad de tres grandes artistas con los módulos científicos concebidos didácticamente. De este modo, el planteamiento de la exposición resultará una metáfora sobre los modos de acercarse y profundizar en el conocimiento de las cosas: desde la razón y la experimentación para encontrar la verdad, pero sin olvidar la emoción y la sensación para adaptarla a la vida real.

Como prólogo excepcional a esta exposición, se instalará una carpa informativa en la Plaza de la Provincia entre los días 24 de Octubre y el 16 de Noviembre. En dicha carpa se presentará de un modo atractivo y entretenido el libro didáctico "La trama oculta de la vida: de Darwin al Genoma humano", escrito para Universalia 2003 por el Académico de la Lengua y Catedrático de Historia de la Ciencia José Manuel Sánchez Ron e ilustrado por el Premio Nacional de Ilustración Jesús Gabán. Para los escolares constituirá una verdadera introducción al desarrollo histórico del avance de la ciencia de la vida, que culminará con los contenidos expositivos que se podrán ver en Artium.

Pensando en facilitar el aprendizaje, se ha organizado un programa de visitas guiadas por la exposición que harán más atractiva e instructiva la actividad.

 

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Nicolás de Lekuona. Imagen y Testimonio de la Vanguardia

30/10/2003 > 18/01/2004 (Sala Sur)

Artista: Nicolás de Lekuona

Comisarios: Adelina Moya y Rosalind Wiliams

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia

 

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La obra de Nicolás Lekuona, enormemente variada y muy breve en el tiempo (1932 – junio de 1937), ha supuesto un descubrimiento importante por varios aspectos. Por un lado, como testimonio insustituible de la época de la II República en que se inscribe, época convulsa pero dinámica y particularmente removedora para los espíritus inquietos por la actualización cultural hispánica. “Un centenar de personas de primer orden –en palabras de Moreno Villa- trabajando con la máxima ilusión, a alta presión”. Pero también, al mismo tiempo, como expresión del fervor juvenil con que se hace partícipe de los descubrimientos que reorientan la creación artística desde nuevos fundamentos estéticos. Y con los que se incorpora, en definitiva, a la trayectoria de las vanguardias históricas.

El medio en el que se produce la obra de Nicolás Lekuona ha sido previamente preparado por la renovación artístico-cultural iniciada en España a fines del siglo XIX y principios del XX, en la que Cataluña y el País Vasco han tenido cierto protagonismo. En el País Vasco, la renovación artística iniciada por Adolfo Guiard, Darío Regoyos, Iturrino, Juan Echeverría y Paco Durrio, cristalizaría en la interesante y dinámica Asociación de Artistas Vascos (1911-1936) que se ocupó de promover y difundir una labor expositiva, de artistas vascos, así como de artistas peninsulares o extranjeros, de indudables repercusiones dentro del País Vasco.

Durante los años 20, el peso de los artístas vascos se hace notar en Madrid, con una importante participación (tanto desde lo organizativo como desde la propia obra) en la Exposición de Artistas Ibéricos (1925), que da a conocer la joven generación de artistas plásticos cuya aportación a la vanguardia española sería decisiva en los años 30. Esta interrelación propiciará la celebración en 1930 y 1931, en San Sebastián, de dos exposiciones de gran importancia para el afianzamiento del “arte nuevo” en España. Tanto la exposición de 1930 (Arquitectura y Pintura Modernas) como la de 1931 (Escultura y Pintura), suponen hitos en el arte peninsular. La primera, es el punto de partida de la asociación de arquitectos del GATEPAC. La segunda, supone la reaparición de aquel grupo de Artistas Ibéricos que expusieron en el Retiro madrileño en 1925.

Así, fue en San Sebastián donde Lecuona pudo ver directamente, antes de su estancia en Madrid, obra de Miró, Picasso, Juan Gris, Solana, Bores, Maruja Mallo, Ponce de León, y apreciar la arquitectura de García Mercadal, Sert, Torres Clavé, Borovio, Aizpurua… y las esculturas de Angel Ferrant, Pérez Mateos y Manuel Acin.
Si a esto añadimos la presentación del arte nuevo mediante conferencias (José Moreno Villa, Manuel Abril, Giménez Caballero), así como lecturas poéticas (Alberti); la proyección de Un chien andalou de Buñuel y Esencia de Verbena de Jiménez Caballero ( con Ramón Gómez de la Serna como actor), en relación con dichas exposiciones; entendemos que la dirección emprendida por Lekuona no puede ser ajena a estos acontecimientos.

Lekuona disiente claramente de la “moderna tradición” de un arte vasco que fija y define con lenguaje moderno los motivos del entorno. Sería representativo de esa otra línea ya indicada por Juan de la Encina en su obra Trama del Arte Vasco de 1919, de artistas únicamente preocupados por las corrientes artísticas innovadoras.
No parece inspirarse en los artistas vascos, no siquiera en los que le precedieron inmediatamente en conectar con las vanguardias (como Antonio de Guezala, José Mª Ucelay, Jesús Olasagasti o Juan Cabanas Erauskin), sino que toma como uno de sus centros de interés el camino emprendido por el escultor Alberto y el pintor Benjamín Palencia [+], así como la revista Arte, órgano de expresión de la sociedad de Artistas Ibéricos; al tiempo que se adentra en la nueva visión fotográfica, siguiendo los pasos de las vanguardias internacionales (Rodchenko, Moholy Nagy o Man Ray).
Sin embargo, su obra se fragua en continuo contacto con artistas e intelectuales vascos de su generación; Jorge Oteiza, Joaquín Gurrutxaga, José Sarriegi, Narciso Balenciaga y Antonio Odriozola, con los que se comunica e intercambia proyectos destinados a producirse en el País Vasco, adquiriendo a veces un cierto aire de movimiento de ruptura.

Esta exposición, realizada en coproducción con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, recoge a través de la presencia de 129 obras y una cincuentena de objetos relacionados con su biografía, la prolífera e innovadora obra de Nicolás de Lekuona. Fotomontajes, fotografías, pinturas y dibujos indican la necesidad creativa de un hombre que a pesar de su corta vida dejó un rico rastro que hoy contemplamos.

 

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Gure Artea

08/10/2003 > 18/01/2004 (Sala Norte)

ArtistasJon Mikel Euba, José Ramón Amondarain, Pepo Salazar

Comisario: Iñigo Cabo

 

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ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición Gure Artea, en la que se presenta obra de reciente producción de los artistas galardonados en el certamen del mismo nombre promovido con carácter bienal por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco. Pinturas y dibujos de José Ramón Amondarain, dibujos murales de Jon Mikel Euba e instalaciones de vídeo de Pepo Salazar componen una muestra en la que los tres creadores profundizan en sus respectivas líneas de investigación artística. ARTIUM acoge por vez primera la exposición de los premios Gure Artea con la vocación de ser sede permanente de las muestras futuras. La exposición viajará, también por vez primera, fuera de España, en concreto al Künstlerhaus Bethanien de Berlín, en los meses de febrero y marzo de 2004.

Gure Artea ocupa en ARTIUM una sección de 900 m2 aproximadamente en la Sala Norte, en la que los tres artistas, dentro de la continuidad del recorrido, disponen de espacios propios para exponer sus producciones. La muestra se abre con un grupo de dibujos de pequeño formato de José Ramón Amondarain (Donostia-San Sebastián, 1964), piezas de carácter figurativo en las que ahonda en su reflexión sobre el pintor y la pintura y que preparan al espectador para las seis pinturas monumentales que aparecen al doblar la esquina.

Dentro del eclecticismo propio de Amondarain, estas obras pasan de la abstracción (siempre con un referente de imagen “real” como fondo), a la figuración con referencias personales (una guitarra), o alusiones al propio museo como espacio expositivo (un gigantesco taburete, mobiliario propio de las salas de ARTIUM).

Finalmente, el artista retoma su reflexión sobre el proceso creativo con dos pinturas en las que representa una escultura previamente realizada sobre una masa de óleo (la materia prima de la pintura), donde el realismo juega con la abstracción.

Gure Artea presenta a continuación un enorme luminoso de Pepo Salazar (Vitoria-Gasteiz, 1972), creado a partir del nombre del grupo musical Iron Maiden, que da paso a una gran instalación de vídeo, compuesta a su vez por tres proyecciones diferentes (dos de ellas rodadas en el interior de ARTIUM). Salazar continúa con sus referencias a los códigos propios de su generación y de la actividad artística contemporánea: presenta personajes jóvenes, en situaciones que mezclan actitudes violentas con gestos creativos.

Finalmente, Jon Mikel Euba (Amorebieta, 1967) ha creado para Gure Artea, un conjunto de dibujos de gran formato, una suerte de “story board” sobre una de sus últimas producciones videográficas, Gatika doble final. Este conjunto, a modo de gran instalación titulada Gatika una doble acción final colectiva, se completa con dos vídeos, el ya mencionado Gatika doble final y Good dog. Euba presenta figuras y diálogos en los que la referencia inmediata sigue siendo la inquietud queprovocan, colocados fuera de contexto, por la ambigüedad de los mensajes y las aparentes referencias a hechos próximos, en especial a situaciones con un potencial desenlace violento.

Amondarain, Euba y Salazar fueron los artistas ganadores de la última edición del certamen Gure Artea, convocado con carácter bienal por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco con el fin de fomentar y estimular el desarrollo de las diferentes disciplinas relacionadas con las artes plásticas. Gure Artea pretende también facilitar la difusión pública de los artistas vascos y sus obras. Los tres autores poseen una trayectoria artística consolidada, con experiencias expositivas internacionales recientes: Jon Mikel Euba en el Kunstlerhaus Bethanien de Berlín, Pepo Salazar en la Bienal de Venecia, y José Ramón Amondarain en Art Forum de Berlín.

Desde que en 1988 presentara su primera exposición individual en Baiona, José Ramón Amondarain ha mostrado su obra en Berlín, Frankfurt, Madrid, Barcelona, Zaragoza y Bilbao, entre otras ciudades. Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, entre ellas las de ARTIUM de Álava, Museo Reina Sofía, Fundación Marcelino Botín, Fundación La Caixa o Peter Stuyvesant Foundation de Amsterdam, por citar algunas.

Jon Mikel Euba, formado entre Bilbao, Arteleku y Berlín, ha mostrado su obra desde 1996 en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Berlín, Bruselas, Venecia, Salamanca, Madrid, Donostia y Bilbao, entre otras ciudades. ARTIUM y la Fundación Tàpies han coproducido una de las últimas exposiciones de Euba, K.Y.D. Kill’em All, que pudo verse en el museo vitoriano hasta el pasado mes de febrero.

Por último, Pepo Salazar inició sus trabajos con instalaciones, videos y performances en 1989. Desde entonces, sus trabajos han podido verse en Duisburgo, Florencia, Venecia, Madrid, Barcelona, Santiago, Bilbao y Vitoria.

 

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Navia desde la Catedral

10/12/2003 > 22/02/2004 (Antesala)

Artista: José Manuel Navia

 

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El fotógrafo José Manuel Navia, durante años fotoperiodista de la agencia Cover y colaborador de El País y otros medios internacionales, y conocido por sus reportajes sobre el paisaje y las gentes del sur, el Mediterráneo y África, presenta en ARTIUM un conjunto de fotografías sobre la Catedral de Santa María y su entorno más próximo. Exposición organizada junto con la Fundación Catedral Santa María.

La restauración de la Catedral de Santa María de Vitoria-Gasteiz ha merecido la máxima distinción que la Unión Europea concede a trabajos de conservación y mejora del Patrimonio Cultural, el Premio Europa Nostra 2002, en su categoría de reconocimiento especial. La restauración de la Catedral Vieja, como es conocida por los vitorianos, implica mucho más que la simple recuperación arquitectónica de un templo gótico del siglo XIII. Se trata de un proyecto integral con múltiples efectos y beneficios para Vitoria-Gasteiz y el País Vasco.

En este contexto se enmarca la recopilación de un fondo de imágenes que describa el proceso de rehabilitación desde la visión de reconocidos fotógrafos. La serie arrancó en el año 2001 con Vari Caramés y su obra En la Catedral. La muestra fue expuesta en Vitoria-Gasteiz, León, Sevilla y Santiago de Compostela con un gran éxito de público, lo que demuestra que la fotografía es un cauce esencial para compartir con miles de ciudadanos el interés que despiertan las obras de Santa María.

José Manuel Navia toma ahora el relevo con Desde la Catedral, trabajo en el que atrapa en imágenes la recuperación no sólo física sino también anímica del viejo templo gótico. Navia nació en Madrid en 1957 y se licenció en filosofía en 1980.

Fotógrafo independiente, publica en distintos medios editoriales y de prensa nacionales y extranjeros (mantiene una estrecha relación con El País). Es miembro, entre otras, de la agencia Vu de París, dirigida por C. Caujolle. Su obra personal nace de su trabajo de reportaje. De ella dan cuenta distintos premios, exposiciones individuales y colectivas, y libros: la monografía Navia de la colección PhotoBolsillo, y Pisadas sonámbulas: lusofonías, ambos editados por La Fábrica y expuestos en la Photogalería de Madrid y en PhotoEspaña. Marruecos, fragmentos de lo cotidiano editado por Altaïr/Edicions 62, y Desde la Catedral, fruto del proyecto iniciado por la Fundación Catedral Santa María de Vitoria. Su obra se encuentra representada en distintas colecciones, como las del museo Marugame Hirai de Japón, de la Comunidad de Madrid, del Ayuntamiento de Alcobendas y en la Photogalería de La Fábrica.

La literatura nutre sus imágenes, de raíz profundamente ibérica. Siguiendo esa huella viaja por el mundo; y escuchando las palabras de Julio Caro Baroja se ha acercado al casco viejo de Vitoria y a su Catedral: "en la parte vieja de Vitoria, como en otras, lo que hay que examinar (y conservar y restaurar) no es sólo este o aquel edificio, esta o aquella rinconada, sino que lo importante en sí es el conjunto, el continente urbano tanto como el contenido. Este continente que con frecuencia se mantiene igual a sí mismo, mientras que lo que encierra cambia y desorienta al viajero o al observador. [...] Aún hoy la parte vieja como continente guarda su fisonomía inconfundible". Así, Navia, desde su mirada personal, ha querido que el ejercicio de la memoria se hiciera una vez más presente en el acto fotográfico.

 

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Pello Irazu. Fragmentos y durmientes

13/11/2003 > 22/02/2004 (Sala Este Baja)

Artista: Pello Irazu

 

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Concebida específicamente para la sala Esta-Baja de ARTIUM, Pello Irazu, uno de los artistas más interesantes del panorama actual, presenta en la exposición Fragmentos y Durmientes, su última producción artística. La muestra, que incluye dos esculturas -una de ellas de tamaño monumental- dos grandes murales y cuarenta y cuatro dibujos, permite descubrir las claves y la evolución del lenguaje constructivo de este artista.

Pello Irazu (Andoain, 1963), presente desde hace tiempo en la colección de ARTIUM con dos piezas, está relacionado con la renovación de la escultura vasca y española de los años ochenta. Ha realizado numerosas exposiciones nacionales e internacionales en sus más de veinte años de trayectoria, y han sido diversas las referencias artísticas que han girado en torno a su trabajo artístico: el pensamiento y la obra de Jorge Oteiza -influencia fundamental-, el Constructivismo o el Minimal, pasando por el Arte Conceptual y el Pop. Asimismo, su arte es fruto de una profunda reflexión e investigación sobre la relación del individuo con la arquitectura, los espacios domésticos o los objetos cotidianos. La selección de los materiales que hace Pello Irazu guarda estrecha relación con esta cuestión y es por ello que el hierro, el acero, la madera, la formica o el cartón, entre otros, constituyen los diferentes soportes o cuerpos físicos de su obra escultórica, a lo que hay que añadir el color, elemento de apariencia sólo accesoria, pero formalmente determinante y de gran fuerza. La versatilidad de Irazu no sólo se limita a los materiales que utiliza sino que también atañe a la técnica, como lo prueba la intensa producción de dibujos, que, definidos como “esculturas de pared” o “pantallas espaciales”, le sirven para investigar, profundizando sobre las mismas cuestiones estéticas que en las piezas tridimensionales.

En Fragmentos y Durmientes Pello Irazu establece, como en otras ocasiones, una clara relación entre la obra y el espacio expositivo donde se presenta, clave esencial para entender su planteamiento conceptual. El artista manifiesta: “mi manera de abordar el espacio de la sala viene dado desde la comprensión de la arquitectura [..].de modo que no sea un mero contenedor donde colocar cosas”. Su interés por mediar entre la arquitectura de ARTIUM y el visitante, determina que la obra se expanda y funda con el lugar, como si continente y contenido fueran un todo indivisible que envuelve al espectador. Este diálogo adquiere tal fuerza que el arte subraya la arquitectura y ésta acentúa el lenguaje constructivo del arte. Las piezas que más pueden contribuir a potenciar este efecto son los dos murales que ocupa parte de la sala y que, además, con su rotunda presencia sirven de eco al resto de las obras.

Las dos esculturas que se presentan en ARTIUM, Erizo y Durmiente, opuestas en concepto y forma, revelan los intereses actuales del trabajo de Irazu. Erizo, de gran dimensión y raigambre constructivista, se compone de un conjunto de fragmentos que, abiertos al exterior, buscan el espacio como si quisieran disolverse en él. Por su parte, Durmiente, realizada con cartón pintado, hierro y tornillos, parece que se repliega hacia su interior para ahondar en la solidez y la densidad de sus partes.

Los dibujos, concebidos en estrecha relación con el resto de las obras, completan la exposición. El punto de partida de la mayoría de ellos son iconografías e imágenes clásicas del arte, periódicos o comics. Algunos, como la serie Durmientes, son claramente figurativos, y representan cabezas y rostros dormidos o con expresión de dolor. La serie Fragmentos, por el contrario, incluye dibujos donde lo gráfico y lo constructivo van de la mano, aspecto que se ve reforzado por la presencia de la cinta adhesiva.

En Fragmentos y Durmientes el conjunto de la obra logra mimetizarse con la sala y hace que la arquitectura desnuda y pasiva del museo cobre vida y se transforme, con el arte de Pello Irazu, en una obra escultórica más.

 

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Agrupémonos todos. Gregarismo, ocio y otros motivos de reunión

08/10/2003 > 04/04/2004 (Sala Norte)

Artistas: Magdalena Abakanowicz, Olivo Barbieri, Sergio Belinchón, Eva Bensasson, Mira Bernabeu, Sylvie Blocher, Daniel Canogar, Andreas Gursky, Zhang Huan, Jerome Lefdup, Claude Levêque, Marcos López, Hiroyunki Matsukage, Adi Nes, Joào Onofre, Joào Tabarra, Agustí Torres, Spencer Tunick, Massimo Vitali.

Comisario: Javier González de Durana.

Actividades relacionadas con la exposición: Filmfórum

 

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Exposición coproducida con el MARCO de Vigo cuyo título es, una reflexión acerca del significado de la reunión, del agrupamiento, contraponiendo su antiguo carácter y potencial revolucionario con la masificación de la sociedad actual. La muestra reúne obras de un total de 19 artistas procedentes de 12 países, cuyo denominador común es que presentan imágenes de masas de gente, retratos colectivos y anónimos sin protagonista individual y, precisamente por ello, poseedoras de una gran fuerza expresiva. Se trata, en definitiva, de una exposición que permite múltiples lecturas, tanto desde el punto de vista sociológico, histórico, político, literario, poético y visual.

El título de la exposición juega con el conocido estribillo de La lnternacional, el himno-símbolo de la lucha por los derechos de los trabajadores, para reflexionar sobre el fenómeno de la reunión con objetivos políticos o sociales, enfrentado a una sociedad actual en gran medida masificada, vacía de significados y carente de ideales. La aparente amargura de este planteamiento se combina, en realidad, con una visión irónica y humorística del tiempo presente. Agrupémonos todos presenta sobre todo fotografías, pero también vídeos e instalaciones, de artistas como Spencer Tunick, Olivo Barbieri, Jerôme Lefdup, Zhang Huan, Sylvie Blocher, Massimo Vitali, Andreas Gursky, Daniel Canogar, Mira Bernabeu o Sergio Belinchón, entre otros. En todos ellos, el retrato de multitudes sirve para realizar una reflexión política de carácter metafórico sobre el tiempo actual.

El recorrido se inicia con la fotografía de Olivo Barbieri Paintings Milano. Barbieri fotografía la célebre pintura Il quarto stato, de Giuseppe Pelizza Da Volpedo (1868-1907), que representa un momento de la huelga y la protesta en 1901 y que se convirtió en emblemática de las luchas sociales de principios de siglo. Pero Barbieri difumina deliberadamente el motivo, los contornos aparecen borrosos, las figuras son confusas y pierden su definición.

El desnudo adquiere después una papel protagonista dentro de Agrupémonos... El cuerpo humano desnudo como motivo plástico, como argumento de la obra, ha estado presente desde los inicios de la historia del arte universal. Sin embargo, existe una diferencia entre el cuerpo humano como motivo estético, y la persona despojada de sus ropas, distinción ésta que se refleja en la exposición.

Los cuerpos desnudos o desnudados (Spencer Tunick, Zhang Huan, Mira Bernabeu), son el punto de partida para emitir mensajes o críticas sobre la cultura del espectáculo, los movimientos de masas, la alineación del ser humano en la sociedad de consumo, los comportamientos sociales, familiares o culturales; en suma, distintas visiones de la realidad en este siglo. En las fotografías de Tunick los cuerpos se juntan y se amontonan, poniendo en evidencia la cruda visión del ser humano como un “montón de carne” sin identidad ni pretensiones esteticistas.

Hay imágenes en las que los “protagonistas anónimos” aparecen uniformados, bien a través de un recurso técnico, del escenario, de sus gestos o atuendos. Eva Bensasson reflexiona sobre la anulación de los sujetos en la sociedad contemporánea, transformados en una colección de sombras, mientras Sylvie Blocher utiliza el contraste entre los cánticos proletarios y las melodías infantiles para sorprender al espectador. Andreas Gursky habla de los gestos disciplinados o frenéticos de las multitudes en escenarios laborales o de ocio. La uniformidad dramática de personajes sin rostro está presente en las instalaciones de Magdalena Abakanowitz, obsesionada por la imagen de la multitud manipulada como un organismo sin cerebro, y actuando como tal.

Otras obras tienen que ver con la perspectiva, como los espacios de Daniel Canogar, en los que las figuras flotan en medio de una nada oscura y neutra, o las imágenes narrativas de João Tabarra, basadas en su experiencia de fotoperiodismo, o las de Olivo Barbieri, que utiliza perspectivas a vuelo de pájaro en las que los cuerpos se convierten en manchas informes. Esto contrasta con aquellas otras (João Onofre, Agustí Torres) en las que uno o varios de los individuos son “rescatados” de la multitud y, paradójicamente, se personalizan y a la vez se disuelven en el grupo.

Entre los motivos de reunión está el ocio (Massimo Vitali, Agustí Torres), que refleja a una sociedad cada vez más anónima y solitaria, falta de privacidad. Y es precisamente soledad la sensación que transmite la imagen poética de Sergio Belinchón, en la que los cuerpos se confunden en un ambiente de fría placidez. Está también el ocio cargado de referencias simbólicas de Marcos López o de Adi Nes, que subvierten el icono de la última cena y lo trasladan a una escena de parrillada campestre o a una cena de soldados del ejército.

A veces las multitudes están presentes a través de su ausencia, como en la obra de Claude Levêque, que utiliza dos signos opuestos nacidos en la misma época, y dirigidos a las masas: uno icónico (Mickey Mouse) y otro escrito (“el trabajo os hará libres”, la conocida frase que campeaba sobre la puerta de ingreso de Auschwitz). Finalmente, una instalación interactiva de Hiroyuki Matsukage permite al espectador convertirse por una vez en verdadero protagonista, disfrutando de los cinco minutos de celebridad que prometía Warhol.

 

Documentación asociada a la exposición

 FOTOS  FOLLETO   EN PRENSA

INVITACIÓNPUBLICACIÓN ARTIUM

 

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Conferencias

 

 

Conversaciones con Ángel Borrego

21/02/2003

Ángel Borrego: Exposición vigilada II. Una vez al mes, un artista o un comisario introduce su trabajo y dialoga con los participantes para acercarles el arte contemporáneo.

Actividad relacionada con la exposición: Ángel Borrego. Exposición vigilada II

VÍDEO

 

Laurier Turgeon

10/06/2003

Participante: Laurier Turgeon

El catedrático de historia de la Universidad de Laval en Québec imparte una conferencia sobre el contexto histórico social de la Isla de los vascos.

Actividad relacionada con la exposición: Joan Fontcuberta. La isla de los vascos

 

EN PRENSAVIDEO

 

 

Joan Fontcuberta

19/06/2003

Participante: Joan Fontcuberta

Conferencia de Joan Fontcuberta donde explica su trabajo a través de sus proyectos más recientes

Actividad relacionada con la exposición: Joan Fontcuberta. La isla de los vascos

VÍDEOWEB DEL ARTISTA

 

Fernando Golvano

Celebración de lo insólito y la metamorfosis en Ameztoy

07/05/2003

Participante: Fernando Golvano, crítico de arte y comisario de exposiciones.

Actividad relacionada con la exposiciónExposición de cámara, Vicente Ameztoy 

VÍDEO

 

Cine

 

 

 

 

 

 

Filmfórum, Tan cerca, tan lejos: en torno al cine español y alemán de 1945 a 1960

24/01/2003 > 01/03/2003

El cine de los años 40 a los años 60 se circunscribe a unas circustancias culturales, políticas, económicas y sociales que condicionarod el quehacer cinematográfico en ambos países. En España, la legislación, la censura, las licencias de importación, dieron lugar a un tipo de cine en el que predominaba la españolada, el cine historicista de cruzada o el regionalismo. Es precisamente en esas circunstancias de falta de libertad, en las que suge con fuerza una nueva forma de hacer cine, donde jóvenes directores como Luis García Berlanda o Juan Antonio Bardem que con películas como Bienvenido Mr. Marshall o Esa pareja feliz, cercanas en algunos casos a corrientes neorrealistas, conseguirán gran éxito de crítica y en algunos casos de público. Siendo éstas en muchos casos la excepción más que la norma...

Actividad relacionada con la exposición: Tan lejos, tan cerca. Pintura en España y Alemania 1945-1960

FOLLETO

 

 

Filmfórum, En torno a los Eames

04/04/2003 > 06/04/2003

Actividad relacionada con la exposición: La obra de Charles y Ray Eames. Un legado de invención

 

CARTELEN PRENSAVIDEO

Filmfórum, Agrupémonos todos

17/10/2003 > 15/11/2003

El museo Artium de Álava ofrecerá a partir de este viernes un ciclo de cine que ha surgido en torno a la exposición Agrupémonos todos. Gregarismo, ocio y otros motivos de reunión, que se puede ver hasta el próximo 4 de abril. Los títulos seleccionados están en consonancia con el nombre de la muestra y en ellos la reunión de grandes o pequeños grupos de personas, por motivos absolutamente dispares, adquiere una destacada presencia en la trama argumental.

Actividad relacionada con la exposiciónAgrupémonos todos. Gregarismo, ocio y otros motivos de reunión

EN PRENSAFOLLETO

 

 

Filmfórum, La isla de los vascos

01/07/2003 > 31/07/2003

El Museo Artium organiza un ciclo de cine sobre el mar y la navegación, con motivo de la exposición Joan Fontcuberta. La isla de los vascos. El auditorio de Artium acogerá los viernes y sábados de julio algunos clásicos del cine de aventuras junto con películas documentales y etnográficas.

El programa incluye algunos de los largometrajes ambientados en el mar de mayor renombre, como Moby Dick, de John Huston, El viejo y el mar, de John Sturges, Capitanes intrépidos, de Victor Fleming, o el filme vasco de animación La leyenda del Viento del Norte, de Juan Bautista Berasategui.

 

Actividad relacionada con la exposiciónJoan Fontcuberta. La isla de los vascos 

EN PRENSA

 

Actividades educativas

JUEGA, OBSERVA Y  DESCUBREEN PRENSA

 

 

Actividades biblioteca

 

 

 

Beca de investigación

La Biblioteca ARTIUM ha convocado una beca de investigación para promover el estudio y recopilación de información sobre el patrimonio documental de arte contemporáneo.

EN PRENSA

 

En torno al cine, Descubre otros fondos, Documentándonos sobre...

En torno al cine: Recopilación de documentación relacionada con el cine a lo largo de su historia y en  cualquiera de sus facetas. Esta actividad permite la posibilidad de visionar las películas seleccionadas en la Biblioteca ARTIUM.

Descubre otros fondos: Programación mensual de piezas de sonido y obras de arte en CD-ROM y vídeo, junto con documentación de consulta en sala, pertenecientes a los fondos de la Biblioteca ARTIUM.

Documentándonos sobre...: Documentación y exposición bibliográfica sobre diferentes temas y artistas relacionados con el arte contemporáneo.

EN TORNO AL CINEDESCUBRE OTROS FONDOSDOCUMENTÁNDONOS SOBRE...

 

EN PRENSAEN PRENSA

Presentación de libros

Barrikadak de Patxi Zubizarreta

01/07/2003

Presentación en la Biblioteca de Artium del libro Barrikadak (Vigo-Hendaia espresa) / Barricadas (Expreso Vigo-Hendaya) del escritor Patxi Zubizarreta.

Barrikadak (Vigo-Hendaia espresa)/ Barricadas (Expreso Vigo-Hendaya) es la novela breve con la que Patxi Zubizarreta consiguió el premio Ignacio Aldecoa de 2002. En ella el autor pretende reflejar el ambiente sociopolítico de la década de los 80 de una manera literaria a través de cinco personajes: una mujer gallega que huye de un marido posesivo, un pobre y patético hombre carente de afecto, un guardia civil que vive en el cuartel de Ordizia (Guipúzcoa), un joven que se dispone a colocar una barricada tras una manifestación y, por último, una abuela testigo de los últimos acontecimientos.

La historia se centra en la década de los 80, en las Navidades que acentúan aún más nuestra soledad. Hay una barricada en Ordizia, obstaculizando la vía del tren. La barricada, construida con neumáticos y objetos de todas clases, es algo visible, notorio. Sin embargo, a la vez que avanza la narración Zubizarreta nos mostrará otro tipo de barricadas, acompañadas con la narración visual que conforma el punto de vista del ilustrador Antton Olariaga.

EN PRENSALIBRO

 

Presences = Presencias = Presentziak de Itxaro Delgado

23/07/2003

La artista alavesa Itxaro Delgado ha presentado su último trabajo en el museo Artium. Se trata de una exposición en formato libro y dvd. El proyecto Presencias reúne, además de una obra realizada por la propia artista y directora de la exposición, obras videográficas de Juncal Ballestín, Dora Salazar, Francisco Ruiz de Infante [+] y Esther Ferrer.
 

EN PRENSALIBROCARTEL

 

Veintena museística

26/04/2003 > 18/05/2003

Veinte días de descubrimientos en ARTIUM. Exposiciones, conferencias, mesas redondas, ciclos de cine, talleres abiertos, visitas guiadas... sesiones de DJ's, ARTIUM de noche, son algunas de las ofertas que encontrarásen la primera edición de la Veintena Museística de ARTIUM. Veinte días para el arte y la cultura.

FOLLETOEN PRENSACARTEL

 

Artfutura 2003

01/10/2003 > 30/11/2003

Presentación de las principales tendencias del arte digital desarrollado durante el último año: animación por ordenador, arte multimedia, videojuegos, creación en la red, net.art.

EN PRENSAVÍDEOWEB